PREMIOS Y FESTIVALES

- Festival de Adelaida 2015: Mejor película
- Festival de Venecia 2015: Premio Horizontes, Premio Especial del Jurado para Gabriel Mascaro
- Festival de Zagreb 2015: Nominada a la Mejor Película
- Festival de Zúrich 2015: Nominada a la Mejor Película
- Festival de Toronto 2015: Premio Plataforma, Mención de Honor para Gabriel Mascaro
- Camerimage 2015: Nominado Mejor Debut
- Festival de Chicago 2015: Nominada a la Mejor Película
- Festival de cine Luso-Brasileño de Santa María Da Feira 2015: Premio Cineclubes a la Mejor Película, Premio de los Críticos a la Mejor Película
- Festival de La Habana 2015: Premio Especial del Jurado a la Mejor Película
- Festival Tres Continentes de Nantes 2015: Mención Especial para Gabriel Mascaro, Premios Golden Montgolfiere para Gabriel Mascaro
- Festival de Río de Janeiro 2015: Premio a la Mejor Película, Premio al Mejor Guion (Gabriel Mascaro), Premio a la Mejor Fotografía (Diego García), Premios a Mejor Actirz Secundaria (Alyne Santana)
- Festival de Estocolmo 2015: Nominada a Mejor Película
- Festival de Hamburgo 2015: Premio de la crítica a Gabriel Mascaro
- Festival de Cartagena 2016: Premio a la Mejor Película
- Festival de Guadalajara 2016: Premio Maguey: segundo puesto a la Mejor Película
- Festival de Transilvania 2016: Premio FIPRESCI para Gabriel Mascaro
- Festival de Tromson 2016: Nominación al Premio Aurora para Gabriel Mascaro  

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INFORMACIÓN EXCLUSIVA

ENTREVISTA AL DIRECTOR...
¿Cómo tuviste la idea de un vaquero que quiere dedicarse a la moda?...
.- La película tiene lugar en un área donde las actividades ganaderas y agrícolas comparten espacio con el rápido crecimiento de la industria textil y de la moda. Durante mi investigación para el guion entré en contacto con el mundo de los vaqueros que trabajaban en el backstage de Vaquejada y conocí a uno en particular que combinaba ambos trabajos: ganadería e industria textil. Me fascinó la forma en que ritualizaba la limpieza del rabo de toro y después, unas horas más tarde, estaba sentado delante de una máquina de coser para su segundo turno. Este fue el punto inicial de crear un personaje de ficción que acumula roles y combina la fuerza y la delicadeza, bravura y sensibilidad, violencia y afecto.

¿Cuál fue el mayor reto con esta película?...
.- Las escenas era un poco largas y por tanto complicadas de rodar, además de añadir la dificultad de tener toros y caballos en muchas secuencias. Gran parte de la magia de la película ocurría cuando los animales eran el centro de la escena. Uno de los temas centrales de la película era cuestionar las ideas de jerarquía, ser animal o humano, hombre o mujer. Mientras investigaba para el guion en las Vaquejadas me di cuenta de que había una fascinación étnica por el cuerpo, que distinguía a los que poseían las tierras y a los trabajadores y sus relaciones con los animales. Detrás del escenario los vaqueros limpian el rabo del toro, le quitan el polvo con cal y lo sueltan a escena. Entonces, dos jinetes persiguen al toro. El granjero, montado en un caballo, agarra el rabo del toro y lo pasa al segundo jinete, quien también es el dueño de los caballos y cuyo trabajo es acabar la tarea de tirar al toro al suelo. Me di cuenta que este “deporte” es casi una alegoría de la jerarquía de Brasil, materializada en cuerpos de hombres y animales. La repetición de este mismo movimiento durante horas y horas se convierte en un ritual, una coreografía recurrente. Quería explorar la presencia de estos cuerpos humanos y animales políticamente, revelando sus contornos, sus nuevas impresiones y erupciones, mostrando que la violencia y el placer viven en el mismo cuerpo.

Es la primera vez que trabajas con actores brasileños experimentados. ¿Cuál fue el proceso de prepararlos para la película?...
.- Tengo un background de documental y artes visuales, así que trabajar con actores realmente profesionales fue un nuevo y estimulante reto. Estaba muy apoyado por Fatima Toledo como coach de drama (Ciudad de Dios, Tropa de élite, Suely in the Sky, La jaula de oro) y ella condujo maravillosamente los ensayos y el proceso de preparación. La longitud de las escenas fue un verdadero reto y tuvimos que trabajar con todo meticulosamente ensayado, pero al mismo tiempo, dándoles espacio para respirar.

La película tiene lugar en la misma región donde muchos clásicos del movimiento Nuevo Cine Brasileño de los 60 y 70. ¿Por qué elegiste esa región?...
.- En los 60 políticos y economistas veían el noreste de Brasil como una región problemática debido a su historia de desertificación, hambruna, sequía, fanatismo religioso y revueltas populares. Al mismo tiempo el cine y la literatura encontraron una alegoría de clases luchando e intentando salir adelante en la región. Cinema Novo acogió el noreste como un terreno donde cristalizar ciertos símbolos e ideas de los que hacían propaganda, como la preservación de la cultura tradicional, la bravura y puritanismo del trabajador rural y la existencia de valores que podrían calmar la crisis de identidad de los centros urbanos. Hoy en día el contexto de Brasil es diferente. La región ha pasado por un proceso de rápido desarrollo económico y sus ciudades de alrededor son muy ricas, aunque aún está desequilibrado y el paisaje es el testamento caótico de la construcción sin estrategias de desarrollo a largo plazo. La película persigue descubrir una nueva y contemporánea realidad rural con símbolos diferentes a los del Cinema Novo en el sentido de que están relacionados con la emoción y la aspiración humana. Es una película sobre la transformación del paisaje humano.

¿Cómo desarrollaste un concepto visual para 'Boi Neon'?...
.- La idea era romper con la imagen monocromática de la desertificación en la región que está presente en muchas películas históricas que ocurren allí. Rodamos durante la temporada de lluvias por lo que todo estaba bastante verde e incluimos tantos elementos coloridos como pudimos. La existencia del color actúa como un agente político que transmite una cierta idea de modernidad y progreso económico.
La fotografía de la película era una parte esencial de la coreografía de cada una de las escenas. La cámara hace sutilmente constantes movimientos, acabando en nuevos espacios, poniendo en el mapa el tejido humano que emana de esta complejidad, a menudo paisaje turbulento, que es a la vez normal y surrealista.

Tus personajes no se ajustan a la representación estereotipada de roles masculino y femenino, en Brasil o en cualquier otro lugar…
.- Lo que me interesa es la expansión de la representación del género, y a través de la representación de la rutina del día a día trato de asegurarme que ningún reajuste en los roles de género sea sensacionalista, sino todo lo contrario, normalizado. También quería ir más allá con la psicología de los personajes, enraizando la película en la presencia física de los personajes en su entorno habitual y su coreografía del día a día. La película no sigue necesariamente a un particular protagonista, si no que especula con el impacto de las experiencias que cada personaje desarrolla dentro de un grupo. Es sobre personajes curiosos y experiencias intensas, y a pesar de saber poco sobre quiénes son estas personas, nos vemos profundamente envueltos en sus historias durante la película. 'Boi Neon' pone el foco en los conflictos que hacen el día a día. Como si con las rutinas, la vida fuera cíclica, continúa y entonces acaba la película.