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   Los realizadores utilizaron tecnología de última generación para contar la historia de forma contemporánea e inmersiva, mezclando actuaciones de acción real con impresionantes entornos generados por ordenador y extraordinarios personajes animales fotorrealistas que los artistas estilizaron para potenciar la narración. “‘El Libro de la Selva’ es una historia universal sobre el paso a la edad adulta con la que se puede identificar todo el mundo”, dice el productor Brigham Taylor. "Walt contó la historia sirviéndose del método tradicional de animación con células y ahora disponemos de la tecnología que puede dar vida a estos personajes, hacerlos fotorrealistas y situar a un niño de verdad en un entorno de forma impecable y creíble. La posibilidad de hacer algo así con la tecnología actual nos pareció irresistible”.
  Según Favreau, la historia es la gran protagonista. “Creo que las películas tienen que proponer una experiencia emocional al público”, dice el director. “El espectáculo no significa nada si no se sienten comprometidos emocionalmente con los personajes. Todas las historias necesitan humanidad, emoción y desarrollo de personajes, así como humor, presentado de forma que no ponga en peligro la película. Hay momentos tan aterradores en la película que uno se pregunta: "¿Qué va a pasar con este chico?’"

  Los personajes y las historias de "El Libro de la Selva" han cautivado a personas de todo el mundo. En 1894, Rudyard Kipling, el escritor inglés nacido en Bombay, quiso dejar patente su amor por la India en el “El Libro de la Selva”, al que siguió "El Segundo Libro de la Selva” en 1895. Aunque en un principio era libros para niños, las historias -con sus exuberantes paisajes y sus animales parlantes- despertaron el interés de jóvenes y adultos. Además sirvió para que muchos lectores conocieran por primera vez la India. Kipling, que escribió las historias mientras creaba una familia en Vermont, publicó otros libros y colecciones de cuentos, y en última instancia se convirtió en el escritor mejor pagado del mundo a los 32 años. Recibió el Premio Nobel de Literatura en 1907. 
  “Las historias de Kipling siguen la narración mítica del 'héroe de las mil caras' de Joseph Campbell”, dice el director Jon Favreau. "Está el nacimiento del héroe -un niño que llega a la mayoría de edad en la selva en este entorno y con todos estos personajes arquetípicos. Como realizador, me parece una tierra muy fértil”.
  Las historias de Kipling se han adaptado muchas veces en las 12 décadas posteriores a su publicación. Dirigida por Wolfgang Reitherman, Walt Disney revisó "El Libro de la Selva", la película de Walt Disney Animation Studios, porque consideró que los primeros borradores, que conservaban el tono más oscuro de los cuentos de Kipling, eran demasiado serios. La cinta se estrenó el 18 de octubre de 1967, un año después del fallecimiento de Disney y se convirtió en un clásico entrañable. Con canciones emblemáticas como “Necesidades básicas” de Terry Gilkyson y "Quiero ser como tú" de los Hermanos Sherman, la banda sonora de la película sigue invitándonos a mover los pies de forma instantánea. "El Libro de la Selva" de Disney se estrenó dos veces más en el cine, así como en formato de vídeo, DVD y Blu-ray, lo que le valió fans de varias generaciones. De esa forma, Mowgli y sus amigos y enemigos animales entraron a formar parte de las vidas de gentes de todo el mundo.
  “El vínculo entre Mowgli y Baloo me causó una fuerte impresión cuando era niño”, dice Favreau. “Me recordaba mi relación con mi abuelo, que fue muy importante en mi vida. Me gusta mucho que Mowgli sea travieso, que siempre esté metiéndose en problemas. Él no es ese niño que siempre se porta bien, es bastante precoz, al estilo de 'Daniel el travieso'. No se deja intimidar por los grandes animales salvajes, de hecho, se siente completamente a gusto entre ellos. Es un chico duro, pero también muy vulnerable emocionalmente, sobre todo con Baloo.
  ““El clásico animado basado en 'El Libro de la Selva' que hizo Disney era muy divertido", añade Favreau. “Me encantaba la música y recuerdo que tuve sueños muy reales con los personajes. Las escenas que me causaron una profunda impresión visual y que aporto a esta versión de la película, son imágenes de Mowgli bajando por el río sobre la tripa de Baloo, la pitón Kaa con sus ojos hipnóticos, y la majestuosidad de los elefantes desfilando".
  Al igual que Favreau, el productor Brigham Taylor se familiarizó con los personajes y la historia en su infancia cuando vio el clásico animado. ““Vi la versión animada de Disney mucho antes de conocer los libros de Kipling. Como muchos niños, me impresionaron profundamente los personajes tan fantásticos, cómo se hacen realidad los deseos de un niño que vive en la selva entre animales. Ahora, 'El Libro de la Selva' es una historia básica y universal y ahora, gracias a la tecnología podemos contarla por primera vez como Kipling la hubiera imaginado: un niño de verdad en una selva de verdad con animales de verdad que da la casualidad que pueden hablar con él”.
  Los realizadores no querían crear una nueva versión literal de la película animada, ni retomar la versión de Kipling al pie de la letra. Encontrar el tono justo de esta nueva versión de la historia era una prioridad absoluta. La adaptación que hace Favreau de "El Libro de la Selva" se inspira en el entrañable clásico animado de Disney, pero conservando la profundidad y la mitología inherentes a las historias originales de Kipling. “Somos fieles a los personajes animados de la película”, dice Taylor. “Y en algunos aspectos hemos incorporado algo del realismo y del tono de las historias de Kipling. Nos decantamos por los personajes que nos resultan familiares tal y como los vimos en la película animada, pero los mezclamos y los combinamos para adaptarlos a esta versión de la historia”.
  Favreau declara: “No quisimos alejarnos de la idea básica de Mowgli, un chico que creció en la selva y que se vio obligado a abandonarla por la irrupción de un gran y feroz enemigo, el tigre Shere Khan. Tenemos a Mowgli, que vive feliz en la selva, pero que no acaba de encajar porque es un ser humano. A pesar de que lo han criado los lobos y que su vida ha transcurrido en la selva, no tiene las cualidades físicas que se exigen para vivir en ese entorno. La selva es maravillosa y algunos de sus habitantes son encantadores, pero también es un lugar tremendamente peligroso.
  Quisimos reproducir la idea de Kipling de que se trata de un entorno con grandes peligros”, continúa diciendo el director. “No es un lugar seguro para un niño. Conservamos la estructura narrativa básica de la película animada, pero lo hicimos de forma que la historia entrañara más riesgos. La sensación de peligro es mucho mayor y la supervivencia no está asegurada". 
  “Es una historia sobre la entrada en la edad adulta de un niño que intenta averiguar cuál es su lugar en el mundo”, añade Taylor. "La aventura es real, los peligros también, pero al mismo tiempo, la película es cálida y humana. Es difícil encontrar esa combinación, pero Jon nos lo ha puesto en bandeja".
  Según Favreau, es una mezcla que atrae a espectadores de todas las edades. "Como padre, me encanta que haya una película que pueden ver mis hijos pero que no se dirige exclusivamente a ellos. Los niños son perfectamente capaces de seguir el ritmo de una narración sofisticada. El sueño de Walt siempre fue reunir a las familias, pero no necesariamente de la forma más obvia y predecible.
  “En nuestra versión, si eres fan de Disney, notarás la atención al detalle, una prueba de respeto al legado de la película”, continúa diciendo el director. “Si eres un niño que ves 'El Libro de la Selva' por primera vez, te vas a divertir tanto que a lo mejor se te olvida comerte las palomitas”.

  Teniendo en cuenta el inolvidable elenco de personajes que conquistó los corazones de tantas personas hace casi cinco décadas, los realizadores querían conservar la magia de los rostros familiares pero añadiendo un giro que seguro que consigue nuevos fans. Recurrieron a un carismático debutante para interpretar a Mowgli, y utilizaron tecnología de última generación y un reparto estelar de voces para dar vida a sus amigos los animales.
  Según el productor Brigham Taylor, el reparto de voces -que es un compendio de Hollywood- fue el reparto soñado por todos. “Me complace decir que nuestro reparto está formado por todos los artistas que elegimos en primer lugar, los que el director Jon Favreau tenía en mente, y eso dice mucho del pedigrí del proyecto y del estatus de Jon como director entre la comunidad de actores”.
  “Al igual que un chef necesita utilizar los ingredientes adecuados para preparar una comida perfecta, un realizador necesita el mejor reparto”, dice Favreau. “Y como ocurre en todas mis películas, todo empieza siempre con el reparto. Debo tener un gran reparto y la mezcla perfecta de actores, de lo contrario no puedo hacer bien mi trabajo, sobre todo si estás haciendo una nueva versión de una película tan querida como ésta”.
  Los personajes adquirieron vida a través de una combinación de voces e interpretaciones realizadas con animación generada por ordenador. A veces es difícil separar ambas cosas. Taylor dice: “Los rendering de algunos de los  personajes evolucionaron una vez que se eligió a los actores que iban a prestar su voz, a veces sutilmente, y otras voces de forma más sustancial. En todos los casos, queríamos que los animales tuvieran el mismo aspecto que sus congéneres en la naturaleza. Queremos un oso que parezca un oso de verdad y una pantera que parezca una pantera de verdad, pero se introdujeron algunos retoques sutiles, casi imperceptibles para que las expresiones encajaran con las interpretaciones vocales. Los artistas de animación realizaron retoques muy inteligentes lo bastante sutiles para que sigas creyendo que se trata de un animal”.

  “Cuando pienso en el legado de Disney, me identifico con el sueño original de Walt”, dice el director Jon Favreau. “El trabajo de Walt Disney ha influenciado mi trabajo. En su época le consideraron muy avanzado tecnológicamente. Fue el primero en sincronizar la banda sonora con la imagen de forma que la coreografía de los personajes correspondía perfectamente a la banda sonora, algo que causó sensación en aquella época. Disney estaba a la vanguardia de la tecnología”.
  Para rendir homenaje a la pasión que Disney sentía por la tecnología, los realizadores estudiaron la mejor forma de sumergir al público en el mundo que habían imaginado en su versión de la historia. Favreau dice: “Nos preguntamos cómo podíamos crear un mundo. Cómo podíamos usar esta tecnología, esas herramientas narrativas al máximo. Pero lo que queremos de verdad es que el público olvide la tecnología, que se sientan transportados a otro mundo”.
  El productor Brigham Taylor está de acuerdo. "Desde un punto de vista visual, el público se verá inmerso en una selva exuberante con todos sus peligros y riesgos de una forma jamás conocida. Intentar averiguar donde los elementos reales se funden con los elementos digitales puede ser un motivo de diversión para algunos espectadores, pero creo que acabarán olvidándolo porque el contenido emocional de la película los atrapará. Jon [Favreau] ha creado una historia repleta de emoción y sentimiento”.
  La película cuenta con un elenco de personajes cautivadores y todos menos uno están generados por ordenador. Se mueven sobre un impresionante telón de fondo que combina platós de acción real mínimos con entornos elaborados digitalmente. Los realizadores reunieron a un equipo de expertos con películas como "La vida de Pi", "Gravity", "Avatar" y "Guardianes de la Galaxia" en su haber. Realizaron una amplia investigación para lograr la autenticidad que quería Favreau, al tiempo que mejoraban la realidad para ofrecer al público una auténtica aventura.
  La clave para lograr un equilibrio perfecto era empezar con la historia. Una vez que la historia se concretó, le tocó el turno a los artistas para conceptualizar la película con la vista puesta en conseguir el aspecto fotorrealista que deseaba Favreau. Los artistas diseñaron un workflow, un sistema y un pipeline de efectos visuales que aprovechaban los últimos avances de la tecnología cinematográfica. Todo esto dio al director libertad para superar los límites de lo que es posible en el cine. Favreau declara: “Hemos cogido lo mejor del proceso de animación fotorrealista, las mejores técnicas de captura en movimiento y lo mejor de la filmación de acción real y hemos combinado las tres cosas de una forma que nadie había hecho hasta ahora. Descubrimos que podíamos utilizar tecnología de última generación para crear algo que al público le parece totalmente realista y orgánico.
  “Si quieres verosimilitud, la física debe ser real”, continúa diciendo el director. “Mowgli y los diseños están realizados de forma realista pero nos tomamos muchas libertades al hacer la selva. Al igual que en Disneyland, comprendimos que podíamos hacer animales más grandes que al natural para acentuar lo vulnerable que se siente este niño en la selva. Toda la pantalla está repleta de detalles. Tenemos ese follaje maravilloso y exuberante de la selva y una dirección de arte y una fotografía que evocan la antigua cámara multiplano de las películas de animación tradicional”.
  Los realizadores utilizaron una cámara virtual, una cámara que podía ir a cualquier sitio, pero no lo hizo. “Fijamos nuestros movimientos de cámara en la realidad”, dice el supervisor de efectos visuales Robert Legato. “La cámara sólo iba donde se desplazaban una grúa de acción real, una Steadicam o una cámara de mano. No hicimos extraños planos por el aire que son totalmente imposibles en la vida real”.
  El proceso exigió una colaboración estrecha entre los equipos dirigidos por Legato y por el supervisor de animación Andrew R. Jones. Trabajaron con el diseñador de producción Christopher Glass, con el equipo de captura en movimiento de Digital Domain, con el supervisor de efectos visuales Adam Valdez y su meticulosa representación de los numerosos animales de la selva de Moving Picture Company, y con Dan Lemmon,  supervisor de efectos visuales de WETA, que supervisó la creación y representación de los primates.
  “Es una película fotorrealista basada en el mundo real”, dice Legato. “Tiene un aspecto muy interesante. La mayor dificultad estriba en que todos nosotros, incluyendo al público, sabemos perfectamente qué aspecto tienen los animales de verdad. En nuestra película, están en el mismo fotograma que el chico de carne y hueso. Tuvimos que resistirnos a la tendencia de ser demasiado cinematográficos. Nuestra máxima prioridad era no olvidar cómo es el mundo real”.
  Los realizadores utilizaron tecnología CGI de última generación para crear las actuaciones de los animales. “Los animales digitales son un campo fascinante”, dice Favreau. “Películas como ‘La vida de Pi’ y ‘Amanecer en el planeta de los simios' empezaron a mostrar formas biológicas y pelajes que no se distinguen de la realidad. En ‘Iron Man’ tuvimos que simular superficies de metal duro de forma convincente. Pero es mucho más difícil representar elementos orgánicos como la piel y el pelaje. No podríamos haberlo hecho hace unos años, no en la medida que lo estamos haciendo ahora”.
  La investigación fue muy amplia. Los artistas analizaron vídeos y fotos, leyeron libros, visitaron zoos, consultaron con expertos en animales y reprodujeron ellos mismos el movimiento de los animales.  “Para conseguir ese realismo hay que filmar a los animales en su entorno salvaje con la luz solar adecuada”, dice Jones. “Las referencias fotográficas de animales reales son nuestra columna vertebral y el punto de partida. A continuación, modificamos ligeramente algunas de las representaciones de los animales basándonos en las interpretaciones vocales de los actores, pero sin cruzar la línea que les haría parecer caricaturescos”.
  Una de las técnicas que utilizaron en la previsualización fue la captura en movimiento. La tecnología no se usó para capturar actuaciones humanas que se verán en la gran pantalla, pero como una herramienta de bloqueo. “Mo-cap es importante porque proporciona una imagen de acción real y de esta forma los artistas puedan previsualizar la película virtualmente”, dice Taylor. “Durante la fase de preproducción, colocamos a actores mo-cap junto a Neel Sethi en el plató y Jon [Favreau] pudo dirigirlos. El resultado es un archivo pre-visual que pudimos editar juntos y comprender la relación espacial y las actuaciones antes de empezar a rodar en acción real”. Se crearon de cero más de 70 especies animales con tecnología CG, incluyendo los emblemáticos personajes de Baloo, Bagheera, Kaa, Shere Khan y la familia de lobos de Mowgli, además de cientos de primates, incluyendo al Rey Louie y el Bandar-Log, el ejército de monos que puebla la selva Seeonee. Se elaboraron nuevos programas para simular músculos, pie y pelaje y los artistas se esforzaron al máximo para reproducir los comportamientos más sutiles de animales reales para garantizar la verosimilitud. “Cada animal está dotado de un lenguaje emocional único”, dice Favreau. "Un tigre expresa la ira de manera muy diferente a como lo haría un lobo o un oso". 
  Según Valdez, la fantasía que ofrece la historia fue una motivación. Los artistas comprendieron que tenían una oportunidad de oro: el público iba a experimentar lo que significa vivir con animales. “El mundo y los personajes necesitaban pasar la prueba de una verosimilitud sin tacha”, dice Valdez. “Teníamos que crear una experiencia que fuera tan encantadora como el clásico animado, pero tan intensa como exigía la historia.
  “Nuestra selva fue el escenario de la mitología primitiva”, continúa diciendo Valdez. “No se trata de un cuento de hadas. Pero ver las escenas finales tiene algo de magia”.

  En lugar de hacer coincidir los entornos CG con una selva real, los realizadores decidieron construir una selva prácticamente digital. “Comprendimos que podíamos exagerar y mejorar algunos elementos como la escala”, dice Favreau. “Podemos tomar el follaje de las selvas de la India e intensificar ciertos colores. Pero todo está anclado en la realidad”.
  Los artistas del estudio MPC en Bangalore, India, hicieron 100.000 fotografías de localizaciones reales, creando una biblioteca gigantesca de material de referencia que se concuerda con los detalles más ínfimos. El resultado es musgo, corteza, rocas y agua que parecen auténticos. Valdez dice: “El público tendrá la sensación de que este entorno está a su alcance y pueden tocarlo. Las plantas están hechas a mano una a una en todas las escenas, al igual que las hojas rotas esparcidas, y las plantas que crecen por los paisajes. Hay ríos fluyendo, deslizamientos de tierra y hierba que se mueve al soplar el viento. La selva representa el 80% del fotograma el 100% del tiempo. Es sin lugar a duda la creación más significativa de la película”.
  Según Glass, se crearon varios entornos diferentes para la película. La historia lleva a los espectadores a vivir una aventura que empieza en la guarida del lobo, donde creció Mowgli, a viajar con el cachorro humano a los escondites más oscuros y exuberantes de Kaa en la selva, y al mundo luminoso de Baloo que recuerda a la película animada. El templo del Rey Louie, inspirado en un auténtico templo indio, representa el primer encuentro de Mowgli con estructuras hechas por el hombre. “Es un momento muy significativo de la película”, dice Glass. “Es la primera vez que ve imágenes de seres humanos talladas en las rocas y hay metáforas a muchos niveles”.
  Los fondos se diversificaron deliberadamente, dice Glass, para ilustrar el gran viaje de Mowgli. Los realizadores se inspiraron en ambientes reales de la India, pero seguir los pasos de Mowgli no fue fácil. “Recorre en total unos 15 kilómetros”, dice Glass. “Pero las zonas que inspiraron nuestros diseños están a  1.100 kilómetros de distancia. Abarca toda la esencia de la India”.
  Legato dice: "El público apreciará la grandiosidad de la selva india. Experimentarán la belleza de este país exótico. Ese es uno de los placeres de ir al cine: ver lugares que no habías visto nunca. Vivirlos. Recorrerlos”.

  El extenso trabajo de pre-visualización era esencial, sobre todo teniendo en cuenta que el personaje humano de la película, Mowgli, toca e interactúa con el entorno en el que se encuentra. Los diseñadores construyeron platós físicos, creando sólo lo que era necesario para una toma en particular, que después se mezclaban con el entorno CG. “No se hizo nunca de forma exhaustiva”, dice Favreau, “en cada escena, en cada toma. Podíamos mirar el monitor y ver el plató virtual que ya habíamos construido antes y cómo encajaba perfectamente con ese entorno. Podíamos mover la cámara y ver en la distancia cada montaña, cada árbol que se suponía que estaba allí”.
  Glass se encargó de crear platós físicos que se fundían impecablemente con los platós digitales. “El mayor reto fue descifrar qué partes del plató necesitábamos construir”, dice Glass. “Ahí es donde la versión mo-cap de la película cumplía realmente con su propósito. Pudimos ver donde iban a estar las pisadas de Mowgli, lo que tocaba. Todo es condicionaba lo que construíamos para cada toma”.
  Para crear la emblemática escena en la que flotan por el río, los realizadores construyeron dos depósitos con chorros y bombas. “El depósito más grande tenía chorros gigantes que creaban una corriente”, dice Glass.
  Cada plató tenía que construirse con la vista puesta en los personajes digitales que se añadirían a la escena. “Debíamos tener en cuenta dónde estaban los personajes animados, porque si poníamos una planta donde Baloo se estaba paseando, no habríamos podido capturar su interacción con la planta. Por otro lado, tratamos de poner muchas cosas alrededor de Mowgli para que interactuara lo más posible con el entorno”.
  Según el director, todas las decisiones se tomaron pensando en el público. “El público tiene que dejarse llevar por un viaje. Quieren vivir sensaciones, aventuras, risas. Y quieren emoción. He intentado hacer la película que yo querría ver”.

  La personalidad y el talento natural del debutante Neel Shethi le ayudaron a conseguir el papel de Mowgli,  frente a una lista de artistas de primera fila. Pero al ser el único actor de carne y hueso de la película, Sethi se enfrentó a un problema muy particular: no podría actuar con sus coprotagonistas que se añadían digitalmente a posteriori. “Sabíamos que necesitábamos que la interpretación de Neel tuviera una profundidad emocional realista”, dice el productor Brigham Taylor. “No se puede conseguir ese tipo de actuación contra algo inanimado, por lo que al [director] Jon [Favreau] se le ocurrió la idea de tener siempre a algunos artistas en el plató con Neel, aunque estos artistas no se verían nunca en la película final. Era el mismo Jon o uno de los cinco marionetistas. Neel siempre estaba reaccionando e interactuando con alguien en vivo así que sabía dónde enfocar”.
  Los realizadores emplearon a los marionetistas de Creature Shop de Jim Henson para facilitar el trabajo de Sethi. En el plató, contra una pantalla azul, los marionetistas sincronizaban sus acciones con las pistas vocales que grabaron los actores de voz.
  El supervisor de efectos visuales Robert Legato dice: "Seguro, se puede poner una pelota de tenis  en un palo, pero no es lo mismo. Cuando ves a alguien sonreír o cambiar de expresión si se le dice algo, se produce una reacción química palpable. Una pelota de tenis no puede desencadenar respuestas como un marionetista que está acostumbrado a tratar con niños y a suscitar emociones”.   Legato añade: “A veces, un marionetista sostenía unos globos oculares en la mano y a veces una marioneta de tamaño natural. Cambiábamos en cada toma para ponérselo más fácil a un chico que no era un actor experimentado. Le ayudó a hacer magníficas interpretaciones”.
  “Esos momentos mágicos ocurrían todos los días”, añade Taylor.
 Artie Esposito, el veterano marionetista de Henson, representó a Baloo en el rodaje de acción real. Pero el público no verá su trabajo ni el de sus compañeros marionetistas. Esposito dice: “Le dimos a Neel [Sethi] un compañero actor en el plató y líneas de visión que ayudaron a los departamentos de efectos visuales especiales a calcular el espacio físico que poblaban los animales para que encajaran perfectamente en el fotograma que se estaba componiendo”.

  Con sus raíces en la animación clásica de Disney, la epopeya de Jon Favreau, la versión de acción real de "El Libro de la Selva" exigía una banda sonora de gran alcance. El veterano compositor John Debney aportó su premiado talento a la película, junto con una notable historia como miembro de la familia Disney.
  “Tengo una historia muy larga con Disney”, dice Debney. De hecho, el mismísimo Walt Disney contrató a su padre, Louis Debney, a mediados de los años 1930. “Cuando era pequeño, les vi hacer esa maravillosa película llamada 'El Libro de la Selva'. Yo era el mocoso que estaba en el estudio. Llegué a conocer al joven Bruce Reitherman que interpretó a Mowgli. Nos fuimos a correr aventuras por el mundo con su familia”.
  Unas décadas después, Debney se convirtió en un galardonado compositor, componiendo música para películas que va de "La Pasión de Cristo" a "Iron Man 2” de Favreau. Según Debney, desde el principio, el plan consistió en crear una banda sonora clásica que recordara la película de 1967. “Jon [Favreau] quería un sonido intemporal y yo estaba de acuerdo”, dice el compositor. “Esos son mis orígenes. Me gusta escribir música muy rica, muy de Disney”.
  Según el productor Brigham Taylor, a diferencia de la película original, la nueva versión no es un musical. “Es evidente que la película animada es una comedia musical y nuestra versión es una aventura épica”, dice. “Pero todos comprendimos que había que hacer un guiño a la música original”.   Favreau quería rendir homenaje al original de forma sutil. “Pudimos reinterpretar y resaltar fragmentos de las canciones que todos conocemos y adoramos”, dice Debney. “No me podía creer que iba a trabajar con la música de Dick y Bob Sherman. Creo que es muy inteligente utilizar esas melodías clásicas y sorprendentes, incluirlas en esta nueva interpretación de la historia y hacerlo a nuestra manera”.
  Debney creó un tema único para Mowgli. “No es demasiado sentimental”, dice. “Tiene elegancia y majestuosidad. Toda esta experiencia le está convirtiendo en un hombre y eso es lo que queríamos decir con su tema”.
  El aterrador tigre Shere Khan también tiene un tema, un compás de tres o cuatro notas, dice Debney, con metales y cuerdas para ilustrar la idea de que siempre está al acecho. Bagheera no tiene su propio tema, pero está representado por sonidos señoriales, trompas francesas y cuerdas. La música de Kaa, inspirada en parte en la voz de Scarlett Johansson, es oscura con sonidos serpenteantes. El Rey Louie cuenta con instrumentos de percusión de gama baja, marimbas, texturas sintéticas de viento, fagots y contrabajos. Y Baloo está representado por un divertido sonido estilo Nueva Orleans. “Es juguetón y sentimental”, dice Debney. “Baloo necesitaba cuerdas y bajos estrafalarios”.
  La banda sonora cuenta con un sonido orquestal clásico acentuado por instrumentos étnicos como flautas bajas, instrumentos de viento de madera, grandes tambores, violín indio y flauta india. Una impresionante orquesta de 140 instrumentos interpretó la banda sonora de Debney.
  El compositor está convencido que al público le encantará la película de acción real. “Tengo la sensación de que se convertirá en un hito del cine”, dice Debney. “Espero que la gente salga del cine tarareando algunas de las maravillosas canciones que ya conocían o algunas nuevas. Si se convierte en una película la mitad de inolvidable que la original, me consideraré un hombre feliz para el resto de mi vida”.

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