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NOTAS DE LOS DIRECTORES...
   El paso de la niñez a la adultez es algo que siempre nos resulta interesante, esa etapa en la que sigues asumiendo riesgos pero en la que las consecuencias son más crueles; en la que intentas divertirte, pero ciertos sentimientos te convencen de una negatividad que no es real. Eres tu peor enemigo.
  Mia, nuestra protagonista, intenta lidiar con todas las cosas normales que le pasan a una adolescente, razón por la que es incapaz de asumir la muerte de su madre, dos años atrás.
  Sus emociones reprimidas le crean una ansiedad constante. Por eso, cuando se le presenta la oportunidad de escapar de esta ansiedad experimentando con la posesión espiritual, aunque parezca aterrador, se lanza a ello... y le encanta.
  Al salir de su cabeza, Mia escapa de la incómoda realidad de su existencia cotidiana. Pero, como ocurre con muchos experimentos divertidos, puede convertirse fácilmente en una adicción tóxica.
  El ansia de liberación de Mia hace que sus emociones reprimidas se manifiesten como espíritus depredadores que la acechan, la poseen y, finalmente, la convencen de que debe matar a un chico al que quiere profundamente.
  El horror del mundo real en la película deriva de las consecuencias de un comportamiento imprudente como válvula de escape; y el horror sobrenatural deriva de las consecuencias de la liberación de los sentimientos reprimidos.
  HÁBLAME es un fiel reflejo del hecho de que en la adolescencia uno no sabe cómo lidiar con los sentimientos y descubre algunas válvulas de escape que alteran la mente. Queremos que ésta sea nuestra primera película porque es lo más parecido al mundo actual y queremos plasmarlo.
  Nuestro punto de partida es crear un mundo totalmente creíble: los adolescentes saben distinguir los artificios y las poses. Seleccionamos adolescentes que hablan y actúan como adolescentes, no son adultos que actúan como jóvenes.
  Queremos que esta película contribuya al debate cinematográfico.
Dada la enorme popularidad del género de terror en la actualidad, y el apetito por un terror más sofisticado desde el punto de vista emocional que trasmita aspectos del mundo en el que vivimos, tenemos la esperanza de que la combinación de un mensaje concreto y personajes reales y ricos, como en HÁBLAME, atraiga a una gran audiencia a nivel internacional y que además llame a la reflexión y al debate a los espectadores de todas las edades.
  Todo lo que hemos hecho fue en favor de esto, de hacer nuestro primer largometraje. Así que fue literalmente un sueño hecho realidad. Fue la experiencia más increíble. Cada parte de ella. Era tan estimulante que por la noche no podíamos dormir. Cada vez que rodábamos, volvíamos a casa y editábamos porque era tan... fue la mejor experiencia de nuestras vidas. Disfrutamos cada segundo. Sentíamos que estábamos soñando y ya queremos hacer otra película.

CÓMO EMPEZÓ TODO...
   HÁBLAME es el primer largometraje de los gemelos australianos Danny y Michael Philippou, más conocidos por los mundialmente famosos en Internet RACKARACKA, con más de 1.500 millones de visitas en YouTube. Los hermanos son los creadores de esta página de acción y terror en Internet que ha acumulado más de 1.500 millones de visitas y más de 6,6 millones de suscriptores sólo en Youtube.
  La inspiración para HÁBLAME, una película de terror sobre una idea simple y profunda, surgió al ver crecer a los niños del vecindario. Danny explica, “Uno de los chicos estaba consumiendo drogas; sus amigos lo filmaban, y su reacción era completamente lamentable: estaban en el suelo partiéndose de la risa. Todos lo filmaban y se reían de él. Las imágenes me parecieron impactantes y espeluznantes al mismo tiempo”.
  Así que cuando Daley Pearson, un amigo de los hermanos, compartió un guion de un cortometraje que había escrito sobre un grupo de adolescentes que utilizaban la posesión para ‘volar’, la idea despertó la imaginación de Danny y empezó a hablarlo con su coguionista Bill Hinzman.
  “En la primera etapa de redacción, la historia simplemente fluyó, los personajes parecían reales y evolucionó de forma muy natural. Escribí las primeras 80 páginas de escenas, ideas y personajes y, a partir de ahí, Hinzman empezó a aportar sus ideas para encontrar el tema y la estructura”.
  La película se centra en una adolescente que se engancha a la práctica de la posesión como nueva forma de ‘volar’. Pero, en un nivel más profundo, trata sobre los jóvenes que se enfrentan a la adicción y las enfermedades mentales, sobre la forma en que lo que empieza como una evasión del dolor reprimido puede convertirse en un estallido aterrador de ese dolor.

LA HISTORIA ADECUADA Y LOS PRODUCTORES ADECUADOS...
  Samantha Jennings y Kristina Ceyton, de Causeway Films, se habían cruzado con Danny y Michael años antes de trabajar juntos. Kristina recuerda, “Conocí a Michael cuando trabajaba con nosotros como ayudante de producción y Danny, como ayudante de iluminación en The Babadock”, añade Samantha. "Más tarde trabajaron con nosotros en Cargo y formaron parte de un taller de Google y Screen Australia que dirigí para YouTubers que desarrollaban guiones más extensos”.
  Samantha recuerda que “la idea de HÁBLAME fue lo que nos atrajo porque estaba impregnada de la energía contagiosa de ellos, sentimos que realmente estaría a la altura del género y, al mismo tiempo, abordaría temas relevantes que reflejan lo que los jóvenes están atravesando hoy en día. Todos decidimos colaborar en el desarrollo del guion y, a partir de ahí, despegó”.
  “Al hacer HÁBLAME, nos propusimos aprovechar el enorme talento, la imaginación y la habilidad que han desarrollado en su trabajo en línea y, al mismo tiempo, elevarlo. Todo el equipo –directores, productores, jefes de departamento– estuvo siempre consciente de su público y, además, del nuevo público potencial. Queríamos hacer una ópera prima que fuera inteligente, cinematográfica y bien elaborada, que tuviera matices y profundidad y que también fuera inspiradora. Mantener ambos lados de la ecuación en todo momento era clave, y eso significó que nunca dejáramos de esforzarnos con el material”.

LA TRANSICIÓN DE YOUTUBE AL LARGOMETRAJE...
  Para Danny y Michael, dar el salto de su contenido online a un largometraje serio fue un reto que disfrutaron, y le aportaron su enfoque enérgico al mundo increíblemente estructurado de un largometraje.
  Danny comparte, “En nuestros vídeos de YouTube no tenemos personajes. No tenemos argumento. No tenemos ni idea de lo que estamos haciendo, hacia dónde vamos, qué demonios estamos rodando o por qué lo estamos rodando. Eso es lo que pasa en YouTube. En realidad, nada es verdaderamente pensado. Todo es como hecho en el acto y nos dejamos llevar”.
  “Con la película, había más planificación. Pero seguimos adoptando la misma energía que tenemos en nuestros vídeos de RACKARACKA: somos muy, ya sabes, enérgicos”, explica Danny.
  Danny comparte, “A Aaron McClisky lo descubrí a través de Vimeo. Vi su cortometraje Nursery Rhymes y me encantó. Entonces, nos pusimos en contacto con él y le dijimos: ‘Oye, ¿quieres filmar nuestra película?’ Yo estaba enamorado de la forma en que una toma evolucionaba y se desarrollaba, y sumamente emocionado de conocerlo y hablar con él sobre ello. Y luego, simplemente, nos complementamos muy bien”.
  Michael agrega, “Él es muy talentoso. Puedes describir cualquier plano, y él hará que parezca una obra maestra. Creo que lo bueno de trabajar en equipo es encontrar a alguien que no sólo tenga talento como Aaron, sino que también tengas buena vibra con esa persona”.

LA CREACIÓN DE PERSONAJES AUTÉNTICOS...
  La diseñadora de peluquería y maquillaje Rebecca Buratto, había trabajado en producciones de RACKARACKA durante la última década. Sobre ella, Michael comenta, “Ha estado con nosotros en todos los rodajes de RACKARACKA. Tiene mucho talento, sabe trabajar bajo presión y hemos hecho cosas muy locas con ella. Sabíamos que sería perfecta para este proyecto”. Danny continúa, “Literalmente, llevábamos años trabajando con Bec y siempre lo hacía gratis, ¡así que nos alegramos de poder pagarle por fin!”.
  Bec expresa, “Me intrigaba verlos en el set, con un equipo profesional, un horario y un tiempo límite... algo completamente diferente a un rodaje habitual de RACKARACKA, y ambos hicieron un trabajo increíble, su energía y entusiasmo nunca decayeron.
  El maquillaje de efectos especiales era una parte esencial de la autenticidad de la película para el público, y parte integrante de la misión de los directores de conseguir la mayor cantidad de efectos posibles en cámara. La combinación de maquillaje habitual con el de efectos especiales era vital para que las transiciones de los personajes en pantalla fueran perfectas. Paul Katte y Nick Nicolaou, de Make-Up Effects Group, se unieron al equipo.
  Danny cuenta, “Nick y Paul fueron un regalo del cielo. El maquillaje era tan increíble que soportó el ultra primer plano”. Michael agrega, “No tuvimos que ocultar nada con la cámara, la iluminación o los efectos visuales. Se veía increíble. Son perfeccionistas. Nick es un artista increíble. Es un da Vinci de los efectos especiales, y el proceso de colaboración para lograr todos los efectos de maquillaje adecuados y crear la biblia del maquillaje también fue increíble”.
  Danny continúa, “Nuestra diseñadora de vestuario, Anna Cahill, estuvo increíble porque conectó muy bien con todo el reparto. Quería que cada uno se sintiera natural con su personaje y con lo que pensaban que su personaje querría vestir. Ideamos un código de colores para nuestro personaje principal, por ejemplo, el amarillo está presente en todas y cada una de las escenas de Mia para representar la muerte, y Anna aportó ideas metafóricas geniales que integramos en toda la película”.
  Anna describe su interpretación de las instrucciones de los directores, “El mundo debía parecer real, vivido y auténtico. Los toques de color, como la historia amarilla de Mia y las zapatillas rojas de Riley, debían ser patrones en este mundo. Cada personaje tenía su propia historia y paleta de colores. Mia empieza con un amarillo intenso que, a medida que ella misma se va desvaneciendo en el mundo de los espíritus, se va palideciendo hasta convertirse en una sugerencia de amarillo pálido. Jade, que al principio parece un personaje más pasivo con sus tonos pastel, pasa a tonos más fuertes a medida que nos damos cuenta de lo fuerte que es en realidad. Mientras tanto, los personajes que las rodean aportan autenticidad con paletas más sutiles y gráficos informales, anclando la película en la realidad”.
  La diseñadora de maquillaje Bec Buratto añade, “Danny y Michael encontraron el reparto perfecto para cada personaje. Sophie realmente dio vida a su personaje, y Danny quiso utilizar su esmalte de uñas para contar su historia; a lo largo de la película vemos a Mia rascándose el esmalte de uñas, y lo utilizamos para transmitir su salud mental, al final de la película no le queda casi nada”.

LA MANO Y LAS POSESIONES...
  Marty Pepper, supervisor de efectos visuales y jefe de postproducción, explica, “Los directores querían que todo pareciera lo más real posible y que las escenas de riesgo y los efectos se realizaran en la cámara. Dada su experiencia en películas de YouTube brutalmente realistas, supe desde el principio que el método ‘en cámara’ sería vital para contar la historia”. En la fase de preproducción, se debatió en detalle el uso de efectos de maquillaje tradicionales y acrobacias físicas para conseguir el aspecto y la sensación adecuados. Los efectos visuales digitales se utilizaron para eliminar los cables, reconstruir secciones de los decorados y cambiar sutilmente las apariencias. La cámara tenía libertad para moverse y rodar lo que hiciera falta para contar la historia y luego, de ser necesario, lo ajustaríamos en postproducción. En la última toma del hospital, cuando Mia camina por el pasillo, por ejemplo, eliminamos todos los reflejos humanos ‘muertos’ de cada espejo, incluido el de Mia, y rompimos los dedos de Mia, todo en una toma continua”.
  Garantizar que las escenas de posesión fueran lo más reales posible fue una prioridad clave para los efectos visuales. “Las posesiones en la película eran muy importantes para la credibilidad de la película y de sus protagonistas, si esos momentos fracasaban, la película no funcionaría”, explica Mary. Tal y como estaba previsto, los efectos visuales desempeñaron un papel secundario en la primera posesión: sólo un ligero apretón de manos o una dilatación de pupilas. En la segunda posesión fue otra historia, el guion requería que Daniel se besara apasionadamente con el perro de Jade. En otro formato, el perro habría sido una imagen íntegramente creada por ordenador, pero el nuestro tenía que ser ridículamente real. Se utilizó una cabeza de perro operada manualmente para crear el contacto correcto durante las tomas con los actores. Por otro lado, en el set se rodaron extensos planos de acción real, y luego se reconstruyó y posicionó al perro para crear las tomas fotorrealistas. La primera parte de la posesión de Riley se basó en un buen maquillaje de efectos especiales, además de un ingenioso retoque por parte del departamento artístico, y más adelante, en efectos visuales, cuando sale disparado por la habitación (con cables) rompiendo la ventana; todo se rodó como una variedad de ilustraciones y luego se reconstruyó mediante técnicas de movimiento coincidente”.
  Este enfoque auténtico de las posesiones se debe no sólo a la extensa dedicación de los directores al manejo de la cámara, sino también a la importancia de la experiencia para los personajes.
  Como explica Sophie, “Para Mia, la mano es una vía de escape de la realidad y es obvio que no está feliz con su vida e intenta forzar todas esas conexiones, así que la mano es una forma de liberarse de todo eso”.
  Otis, quien interpreta a Daniel, añade, “La mano en sí es algo sobrenatural, casi satánico, la antítesis de lo que Daniel ha creído toda su vida. Es como que hace todo lo contrario de lo que le dijeron que hiciera. Se siente realmente incómodo con lo que es y está tratando de demostrar a la gente que no es simplemente un niño cristiano protegido. Trata de cambiar la percepción que se tiene de él, de chico bueno, y de ir en contra de lo que sus padres le imponen”.
  Crear el realismo de la mano y las posesiones fue una prioridad que se trasladó al proceso de sonido. Emma Bortignon, diseñadora de sonido, explica, “La mano es un hilo conductor sonoro en toda la película. Intentamos ser lo más texturales posible, en relación con el sonido. Si alguien toca la mano, o tiene una interacción con la mano, tiene un sonido muy específico”.
  “Hice muchos experimentos intentando dar con el sonido textural adecuado. Cuando la mano cae un par de veces y golpea el suelo, lo hace con un estruendo tremendo y en un momento dado incluso se desliza por el suelo. Utilicé el sonido de una lápida que es arrastrada por el cemento. Experimenté con muchos sonidos de cuero, de madera y de otros materiales para darle más textura. Además, cuando cualquier tipo de mano humana tocara la mano, cuando alguien la agarrara, tenía que sonar bastante sólida y pesada, debía tener peso, y al mismo tiempo ser un sonido muy estratificado de cerámica. A eso teníamos que llegar. Tenía que ser una experiencia muy visceral”.
  “Lo que pudimos hacer con esta historia en particular fue cambiar radicalmente entre los sonidos cotidianos de nuestros personajes y los sonidos de cuando se produce una posesión. Una vez que la posesión se afianza, cambiamos muchos aspectos del diseño sonoro. Eliminamos los sonidos cotidianos y añadimos un ligero tono de terror, que es una especie de ruido de fondo o sordo. Y como las posesiones se suceden por etapas, hay nuevos elementos que se van añadiendo poco a poco, para luego llegar al punto en que estamos en modo de plena posesión y se trata más de sentir. Creo que es interesante para trabajar porque el terror es un género intenso, pero también fuimos bastante sutiles, nuestra intención no era que todo se oyera. Si lo vieras en el cine, te darías cuenta de estas cosas. A veces delicadas, a veces muy intensas”.
  También fue necesario crear voces alteradas para los personajes poseídos, para lo que se incorporaron actores de doblaje. “Los personajes son poseídos por un espíritu y su apariencia física cambia, al igual que el sonido de su voz. Cuando hablan, lo hacen con la voz del espíritu”, explica Emma.
  “Hicimos audiciones a actores de doblaje para interpretar a los espíritus porque a los espíritus los vemos en el contexto de la película, pero nunca los oímos hablar más que a través de los personajes a quienes prestan su voz. Las voces de los espíritus se eligieron por el sonido, por su caracterización, por la profundidad con la que podían transmitir los sentimientos. Hicimos que los actores emularan las palabras de otro personaje compás a compás, de modo que, si colocas una voz encima de otra, parece que viene de una sola persona. Colocábamos la voz del actor y la del espíritu una encima de la otra y a veces las alterábamos ligeramente, bajando o subiendo el tono en ese mismo segundo. Y luego, poco a poco, pasábamos de la voz del actor a la del espíritu. Era muy sutil".
  A Emma le interesaba el proceso: “Michael y Danny están muy en sintonía en cuanto al sonido, así que podían oír cada pequeña respiración, cada pequeño momento, cada pequeña inflexión, y eran capaces de responder a eso de forma creativa. Examinamos meticulosamente las voces de los espíritus e intentamos asegurarnos de que la transición del personaje al espíritu y viceversa fuera fluida. Cuando la oían, se daban cuenta de que era la correcta, no algo prescrito. También trabajo intuitivamente muchas veces, no siempre me embarco en una escena sabiendo al cien por cien lo que va a pasar. Quiero buscar cosas que me sorprendan y que también sorprendan al público y a la historia”.
  “Michael y Danny están muy amalgamados el uno con el otro. Se apoyan y respaldan mutuamente. También escuchan atentamente las ideas del otro porque, siendo gemelos, son muy diferentes y al mismo tiempo muy parecidos. Así que hay una interacción constante entre los dos. Son su mayor apoyo y también su mayor crítica. Fue muy dinámico en ese sentido”.
  “Lo que creo que esta película hace realmente bien es utilizar el género de terror psicológico para plantear cuestiones sumamente importantes a las que se enfrentan los jóvenes hoy en día. Usa el lenguaje de los jóvenes para sacar a la luz temas de los que creo que es difícil hablar. No es obvio, sino que está oculto en el contexto de la película. Creo que uno puede ver la película, llegar al final y decir: ‘¡Oh! Ha sido increíble y divertida’. Y luego, al reflexionar, comprender que la película, en realidad, habla de cosas a las que se enfrenta la gente en general, no sólo los jóvenes”.

LA FINANCIACIÓN Y EL CASTING...
  Danny comenta: “La selección del reparto nos llevó dos años, lo mismo que nos llevó encontrar a Sophie Wilde. Originalmente, hizo la prueba para Hayley y su interpretación fue muy buena, pero pensamos que no era la persona indicada para ese personaje. Sam tuvo la idea de probarla para Mia, y fue la sugerencia perfecta y la audición perfecta. Es la actriz perfecta para ese papel. Nos pareció una intérprete sumamente poderosa”.
  Sophie Wilde comparte, “Lo que más me sorprendió la primera vez que leí el guion fue que parecía una tema muy relevante, especialmente para los jóvenes y el público joven. La forma en que Danny escribe la jerga de los adolescentes australianos es tan auténtica que me pareció muy interesante verla en la pantalla. La historia en sí es muy original e interesante y me atrajo mucho la complejidad de Mia”.
  Michael afirma, “Sus capacidades interpretativas son tan diversas que puedes darle una nota y ella puede cambiar completamente el personaje o la idea de la escena, y dar en el clavo en cada toma. Sophie y todo el reparto aportaron una autenticidad genuina al trabajo que fue increíble ver en el set. Disfrutamos mucho los ensayos y la representación de las escenas, con las que también nos divertimos mucho. Fue maravilloso verlos dar vida a los personajes”.
  Joe Bird, quien interpreta al personaje de Riley, fue el último actor que se seleccionó. Danny expresa, “Muchos chicos eran muy buenos actuando de forma natural y hablando. Pero cuando llegaban las posesiones, se desplomaban en el proceso de audición. Y con Joey, eso no sucedió. Su actuación y su interpretación de la posesión y la imitación de la madre fueron una locura, estuvo increíblemente acertado. Estábamos muy entusiasmados por darle el papel. Se entregó por completo, con largas jornadas de maquillaje y efectos especiales. Hizo un trabajo excepcional”.
  Joe Bird cuenta, “Al haber crecido en Adelaida, RACKARACKA son muy conocidos aquí y en todo el mundo. Pero como vivían en Adelaida, era como si fueran celebridades locales, todo el mundo sabía quiénes eran y en un momento dado vivieron muy cerca de mí. Era genial pasar por delante de su casa, para ir al colegio o de paseo. Fue emocionante descubrir que eran los directores de esta película. El guion era tan diferente que quise participar. Ha sido genial, a decir verdad”.
  Miranda Otto aportó su gran experiencia y credibilidad en el género al papel de Sue, la madre de Jade. Ella no había oído hablar de RACKARACKA antes de leer el guion. “Me encantó el guion y me enganchó mucho la energía de Danny.
  Admiro a la gente que tiene iniciativa, como Peter Jackson. Acaba de empezar a filmar películas, y admiro a la gente que de la nada forma un equipo y empieza a crear su propio contenido”, comparte Miranda.
  “Me gusta el terror, pero creo que es difícil hacerlo bien. Este guion era muy bueno porque las voces de los adolescentes parecían auténticas. Cuando lees guiones dirigidos a los adolescentes y a los jóvenes, están escritos de una determinada manera, y piensas: eso no es verdad, no hablan así, no es lo que les interesa’”.
  “Con el terror, una de las cosas más importantes es hacer que parezca un mundo muy real al principio, un mundo muy cercano, antes de que empiece el horror. Todo el montaje de HÁBLAME, con las fiestas y los jóvenes, parecía muy real”.
  Alexandra Jensen interpreta a Jade, la mejor amiga de Mia y hermana de Riley. Samantha describe lo impresionado que quedó el equipo al ver la audición de Alex: “Alex es tan espontánea, para nada forzada. Y cuando ella y Sophie hicieron una prueba de química, congeniaron inmediatamente y resultó muy fácil creer que eran amigas”.
  Otis Dhanji interpreta a Daniel, a quien Michael y Danny se refieren como el papel más vulnerable.

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