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DELCARACIÓN DEL DIRECTOR...
   A diferencia de los anteriores proyectos de Hers, está ambientada en la década de los 80. En relación a esto, el director explica que: "En el corazón del proyecto se encuentra la inscripción de la historia de esa década. Esos fueron mis años de infancia. Dicen que uno es tan producto de su infancia como de su país, y yo quería sumergirme en esa época de mi vida, revisitando todas las imágenes y sonidos. Esas sensaciones y colores me moldearon. Los llevo conmigo.

ENTREVISTA AL DIRECTOR...
Tras haber dirigido ‘Mi vida con Amanda’, una película situada en el presente, ‘Los pasajeros de la noche’ hace una retrospección de los años ochenta...
Sí, en el centro del proyecto estaba la inscripción a la historia de esa década. Fueron los años de mi niñez. Dicen que uno es tan fruto de su infancia como de su país, y yo quería sumergirme en esa época de mi vida, revisando todas las imágenes y sonidos. Esas sensaciones y colores me formaron como persona. Las llevo dentro de mí.

Aunque usted era más joven que los personajes de su película...
Es cierto que yo era un niño, y me alegraba serlo, pero siempre he fantaseado con ser un adolescente o un joven adulto en los años ochenta y, experimentar ese ambiente en el que el arte era fundamental, especialmente la música. Siempre sentiré un punto de arrepentimiento por no haber vivido plenamente esos tiempos en ese momento, sino por haberlos vivido en un punto en que ya se extinguía. Hacer esta película me permitió revivir esos años a la edad que me hubiera gustado tener entonces.
Además, quería explorar una temporalidad ligeramente diferente. Por lo general, mis películas tienen una línea temporal muy definida. En ‘Los pasajeros de la noche’, quería que la historia tuviera un aire épico. El tono sigue siendo un fragmento de vida, pero la historia se desarrolla a lo largo de siete años.
El personaje central es Elisabeth, que tiene un hijo en el instituto y una hija en la universidad, y cuyo marido acaba de abandonarla.
Cuando su marido la abandona, Elisabeth pierde sus puntos de anclaje emocionales y materiales. Aunque sigue viviendo en su apartamento durante toda la película, se enfrenta a una nueva realidad cotidiana.
No está en una situación de desesperación, pero le supone un gran problema tener que arreglárselas sola, con dos trabajos, uno de ellos nocturno. Siempre me han fascinado y conmovido las personas que parecen tener un camino trazado y luego, cuando éste se topa con una pared, consiguen esquivarlo y reinventarse. Da la sensación de que esa emancipación requiere una fuerza, una generosidad y una independencia poco comunes.

No obstante, Elisabeth no es una “supermujer”...
Sabemos poco del pasado de su familia o de su matrimonio, pero creo que es bastante obvio que Elisabeth no posee un impulso evidente de construirse a sí misma en la oposición. Quería retratar un personaje que escapara al encasillamiento habitual. En la vida, las personas rara vez tienen una sola faceta. Elisabeth es tan vulnerable como decidida y sólida, tan lúcida como ingenua. Me interesaba que su paternidad y su relación con el trabajo, el amor y la política no fueran un manifiesto, sino que evolucionaron a partir de los aspectos cotidianos y reales de su vida.

La película comienza con un gran acontecimiento histórico: La elección de François Mitterrand como presidente de Francia el 10 de mayo de 1981...
Fue un escena impactante, un momento fundamental para toda una generación, pero nunca sabremos cómo vivió Elisabeth ese acontecimiento. Creo que esta ausencia de mensajes políticos viene de mi infancia. Tenía seis años en aquella famosa noche y percibí que algo importante estaba ocurriendo, lo que alegró a mis padres porque se inclinaban por la izquierda, pero todo era muy vago. Mis padres nunca se afiliaron a un partido político. Su activismo político impregnaba sobre su vida cotidiana, su relación con el resto del mundo y con otras personas. Creo que eso moldeó mi relación con la política, y por tanto la de Elisabeth. Qué mejor activismo que el que ella demuestra cada día con el amor que da a sus dos hijos, en la forma en que acoge a Talulah, y en cómo concibe el amor y los vínculos sociales.

Elisabeth y su hijo Mathias van en paralelo: (re)descubren el amor y comparten la pasión por la escritura. Incluso sus escenas de amor se hacen eco la una de la otra...
La resonancia entre esas dos escenas no era consciente, pero me surgió en el montaje. ‘Los pasajeros de la noche’ es una película con dos miradas, una educación sentimental en dos etapas de la vida.

Cuéntenos cómo fue el rodaje de los años ochenta...
Por muy rigurosa y opulenta que sea, una reconstitución fiel no basta para captar el sentido de una época.
No quería marcar casillas. Nuestro enfoque era más sensorial.
Por supuesto, la reconstitución de la época depende de los decorados y el vestuario, la música, etc. Algunas escenas requieren importantes recursos -la noche de las elecciones y el apartamento de la familia construido en el estudio-. Otras encajan de forma más natural en la década de los 80: el programa de
radio nocturno, por ejemplo.
Y luego están las imágenes de archivo que se entremezclan en la película, aportando el peso de la realidad al resto de la película, como una invitación a viajar en el tiempo.

¿Cómo eligió las imágenes de archivo?...
En su mayor parte, se trata de material aleatorio, excepto las tomas de Rivette en el metro, extraídas del documental de Claire Denis ‘Jacque Rivette. Le veilleur’. Mi editor tuvo la idea de utilizar esa escena, pero no creo que mucha gente la reconozca. Lo más importante es el vagón de metro con todos sus pasajeros anónimos, más ‘Los pasajeros de la noche’.

Incluso la fotografía parece funcionar en tonos ochenteros...
Antes de empezar a rodar, mi director de fotografía Sébastien Bachman y yo trabajamos mucho para establecer la identidad formal de la película. Desde el principio, sentí que podíamos trabajar con el tono de la imagen. La imagen mental que tenemos de la época está asociada, en mi opinión, a un tono particular que traté de recuperar suavizando la imagen, especialmente mediante el uso de filtros, y bajando la definición suprema de las cámaras digitales.
Lo importante era reunir los diferentes formatos de la película sin romper el ritmo, de modo que se comunicaran entre sí para definir la tonalidad de la película. Me gustaba la idea de que las imágenes chocaran entre sí. La gente puede ver la unión cuando la película pasa de un formato a otro, pero, sobre todo, espero que se dejen guiar por su ritmo, y que los diferentes formatos se interconectan para transmitir la sensación de una época.
Se trata de revisar el pasado a la luz del presente, que sigue impregnando. Es mi manera de encontrar la paz con la cuestión de la desaparición y el luto. Esa es otra de las razones por las que hago películas: crear una apariencia de eternidad.
La música también desempeña un papel importante a la hora de captar esa sensación de época.
Me puse en contacto con Anton Sanko, con quien ya había trabajado en ‘Mi vida con Amanda’, pero esta vez le pedí un tono totalmente diferente, más electrónico con sintetizadores para que resonara con los temas originales de los ochenta. También quería que los temas y las melodías se mezclaran con instrumentos más clásicos para evocar algo ligeramente más atemporal. Al igual que con la fotografía, intentamos dotar a la película de su propio rango vocal. En cuanto a las canciones de la banda sonora, hubo muchas elecciones personales. Como he dicho, mi relación con esa época gira en gran medida en torno a la música.

El cuartel general de Radio France, La Maison de la Radio, está omnipresente, con el programa nocturno en el que trabaja Elisabeth...
Me inspiré en un programa de la emisora France Inter que no escuché en su momento porque era demasiado pequeño: Les choses de la nuit, de Jean-Charles Aschero, que duraba casi toda la noche e incluía un espacio titulado ‘¿Cómo te llamas?’ Un invitado hablaba de su vida, después de haber prometido decir la
verdad. La única cosa sobre la que podían mentir era su nombre. El presentador no podía ver a la persona, que estaba en el estudio pero oculta tras una pantalla. Hay clips en YouTube que recogen el lenguaje desenfadado, la musicalidad y el tono de la época, que me inspiraron cuando escribía la joven desertora, Talulah.
Esas voces por la noche tenían la clave de un misterio. Eran un nexo entre personas, un vínculo evocador e impalpable. Para mi generación, esas voces importaban y quería que dieran forma a la película. Me gusta la idea de que alguien lo revele todo, una voz en la noche. No hay tantos programas así ahora, y su influencia estaba disminuyendo incluso entonces. Como le dice Vanda a Elisabeth, “la radio ya no tiene el monopolio de la noche”.
Para el papel de presentadora del programa, Emmanuelle Béart era la elección perfecta, con su increíble voz. Podía imaginarla como alguien que claramente está destrozada por dentro, con heridas aún abiertas...
Revelándose a sí misma mientras permanece oculta. Esa idea resuena en sus películas, con personajes reservados que hablan cuando tienen cosas que decir. Ya sea Mathias declarando su amor por Talulah o Elisabeth admitiendo a su hija Judith que se siente despojada desde que Judith se fue de casa.
Hago películas con mi propia sensibilidad. Personalmente soy bastante tímido, pero también me gusta conocer e interactuar con los demás. En algún momento hay que liberar las cosas, y quiero que mis películas abarquen esa dinámica de la vida, que capten cómo, después de divagar y contenerse, pueden ocurrir cosas entre las personas. La gran cuestión es encontrar la temporalidad adecuada y hacer que esas confesiones se adhieran a los arquetipos de los personajes, para dar ritmo de vida a las escenas y hacer crecer la melodía de la película.

Nunca se exagera el drama y el conflicto...
En mi opinión, en esta historia ocurren muchas cosas: una separación, una historia de amor, la mayoría de edad de los hijos... Todos estos son acontecimientos importantes en la vida, verdaderos cambios dramáticos.
Sin embargo, es justo decir que me gustan las rupturas y los desvíos porque la vida también se forma de esos momentos, y que mis películas no se basan en el conflicto: no son historias que sienta la necesidad de contar. Una vez más, lo más probable es que se deba a una sensibilidad personal. El conflicto no impulsa mi vida ni mi trabajo, ni mi relación con los demás. No es una fuente de energía para mí. Tiende a apagarme. Aquí, mis personajes se quieren, se ayudan, se cuidan. Poseo esa benevolencia y esa generosidad que, al menos a mí parecer, es la esencia de los héroes del cine.

Sin embargo, sus películas no son contemplativas...
No, a pesar de la ausencia de conflicto, me reto a encontrar una musicalidad, una tonalidad y un ritmo que hagan que la película sea impactante y adictiva. Intento hacer películas que reflejan mi visión de la vida, que cuenten historias sobre acontecimientos que pueden parecer triviales u ordinarios, y dotarlas de un impulso, una melodía, una poesía, una gracia, una realidad elevada. Quiero hacer películas que tengan en cuenta las fases supuestamente vacías de la vida, los “cuellos de botella”, como los llamaba Truffaut. Me gusta que una película no sea interpretada por su tema, que la vida siga siendo el tema de la película, que la película no sea un rehén de su argumento.

La emoción de la vida ordinaria también parece derivar del hecho de que usted reconoce su fragilidad...
La fragilidad de la vida en general, y de las personas en particular. Sí, ésa es la relación con el mundo que quiero transmitir, como en la canción de Anne Sylvestre ‘Les gens qui doutent’. Todos mis personajes tienen un aspecto frágil, que pretendo hacer bello para que la gente se sienta comprendida. Eso es lo que me gusta cuando veo una película. Hace que la vida sea un poco más tierna.

El personaje de Talulah me recuerda a Pascale Ogier. Las imágenes superpuestas de ella parecen estar habitadas por el fantasma de la actriz, que murió tan joven...
Pascale Ogier es una figura única, una combinación increíble de fragilidad y fuerza. Ella fue uno de los elementos que me hizo querer hacer esta película. Sólo deseo realizar más películas con ella. La presencia de ‘Las noches de la luna llena’, de Eric Rohmer, y ‘Le Pont du nord’, de Jacques Rivette, fueron una especie de homenaje al destino devastador de la actriz. Ojalá la hubiera conocido en vida. Sigue viva, como emblema de esa época, con esa voz que sólo puede ser ella.
Cuando conocí a Noée Abita, me conquistó su voz singular, un eco perfecto de Pascale Ogier y de mis imaginaciones de aquella época.

¿Cómo fue trabajar con Charlotte Gainsbourg?...
Al igual que con Vincent Lacoste en ‘Mi vida con Amanda’, me sentí atraído ante todo por lo que Charlotte desprende en la vida real, y me sobrecogió su capacidad para convertirse en el personaje. Creo que, en muchos aspectos, la vida de Elisabeth está muy alejada de la de Charlotte y de lo que ella es, pero encontró puntos de resonancia en ella misma: el vínculo con la familia y los niños, una forma de timidez...
La intuición, la inteligencia, la sensibilidad y la sutileza de Charlotte son sorprendentes. Encontró el tono del personaje desde el primer día en el plató, cuando rodamos una escena en la biblioteca, donde Elisabeth está sacando libros, registrando préstamos, etc. Cuando vi la belleza y la gracia de Charlotte en esa escena cotidiana, sentí que se abrían nuevas perspectivas para la película. Con Charlotte, todo está siempre impulsado por sentimientos complejos y ambivalentes.

¿Y Quito Rayon Richter y Megan Northam, que interpretan a Mathias y Judith?...
Quito puede resultar bastante molesto. No se gana inmediatamente al público, e incluso puede parecer desconcertante, pero en cuanto baja la guardia y muestra su fragilidad, resulta muy conmovedor. Al igual que con Charlotte, me gusta esa ambivalencia.
En cuanto a Megan Northam, que da vida a un personaje que está un poco en segundo plano, se hizo cargo de lo que yo había escrito, como si fuera su propia obra, como si pudiera escuchar la música que sonaba en mi cabeza. Para mí, ¡fue un encuentro milagroso!

¿Y Didier Sandre, que interpreta al padre de Elisabeth?...
Siempre que puedo, lo llevo de una película a otra. Su mirada me obsesiona, me sobrecoge. Didier es un actor de extraña belleza, con huella y generosidad.
Del mismo modo, Ophelia Kolb y Thibault Vinçon son “habituales” con los que siempre estoy encantado de reencontrarme. Thibault ha estado ahí desde que empecé. Llevamos más de quince años haciendo películas juntos, y me encanta prolongar esa conexión. Una de las cosas buenas del cine es la posibilidad de ver a los actores crecer y cambiar, captar el paso del tiempo.
En cuanto a Laurent Poitrenaux, que interpreta al compañero de trabajo de Elisabeth en el programa de radio, con su sola presencia aporta profundidad a un papel secundario. Quería que el personaje siguiera estando presente después de su ruptura con Elisabeth, especialmente en su fiesta de cumpleaños. Quería que el público le viera bailando cerca de ella, para que no se cayera en la psicología de la amargura. El tiempo ha pasado, la vida sigue adelante.

Después de rodar en los distritos once y doce de París en ‘Mi vida con Amanda’, aquí se filma parte del distrito quince...
He querido continuar investigando París en el barrio de Beaugrenelle de los años 70. Sus torres y plazas siempre me han fascinado, con el Sena, las calles residenciales y la Casa de la Radio al otro lado del río. Creo que es un paisaje muy conmovedor y cinematográfico porque es la conjunción entre espacios de naturaleza muy diferentes. La idea era plasmar la película en ese lugar.

En la escena en la que Elisabeth, Mathias y Judith bailan al ritmo de la canción de Joe Dassin se percibe que forman una gran familia capaz de introducir a una persona externa. Ese momento simboliza su cine...
Sí, ese era el sentido de la escena: cómo el círculo familiar se amplía de repente para incluir a una joven que nunca ha sentido que tenía un hogar. ‘Et si tu n’existais pas’ es una gran canción, extraña y popular, en el sentido más noble de la palabra. Es una canción con la que todo el mundo puede identificarse, y fácil de imaginar como una canción especial para una familia.


ENTREVISTA A CHARLOTTE GAINSBOURG...
¿Qué le atrajo cuando leyó el guion de ‘Los pasajeros de la noche’?...
Para ser sincera, no lo sé. Elijo las películas por instinto, sin un análisis profundo de la estructura dramática, de los giros argumentales, del momento, etc. Leo los guiones como si fuera una principiante. O me atrae o no me atrae. En este caso, ¡sí, me atrajo!
Cuando recibí el guion me gustó la relación que tiene la madre con sus hijos, el transcurso del tiempo, la delicadeza de la narración y de sus descripciones... La belleza y la poesía de este proyecto provienen de su ligereza.
Además, me entusiasmó la idea de volver a sumergirme en los años ochenta.
Además, me gustaron mucho las primeras películas de Mikhaël y me intrigaba mucho su personalidad.

¿Cómo os llevasteis?...
Mikhaël es bastante tímido y la primera vez que nos vimos no habló mucho. En realidad, no sé si “tímido” es la palabra correcta. Es más bien que Mikhaël tiene una personalidad peculiar.
En el plató, tuvimos que conocernos y entendernos, pero no necesariamente tuvimos que hablar mucho.
Sentí que estábamos en la misma página. Eso no significa que tengamos exactamente la misma sensibilidad, pero con respecto a mi personaje, sentí que nos entendíamos perfectamente. Estábamos conectados.

¿Cómo hizo suyo el personaje de Elisabeth?...
Elisabeth no proviene de un entorno obrero, ni de un entorno privilegiado o intelectual. No tenía demasiadas referencias personales para el personaje, pero eso es precisamente lo que me parecía interesante. También tenía mucha curiosidad por el distrito XV de París, con sus rascacielos, que apenas conocía.
La primera cuestión importante para mí era saber si Mikhaël era un cineasta estricto con sus diálogos o si podía reconducir un poco de las líneas, lo que resultó ser el caso. Mikhaël parecía incluso sorprendido de que se lo pidiera. Creo que ante todo quería que me sintiera muy cómoda con mi papel.
Me encantó la forma en la que trata detalles concretos, como por ejemplo cuándo Elisabeth prepara el desayuno mientras fuma un cigarrillo. Esos momentos dicen mucho de su talento. Nos conectan pequeñas cosas, líneas que podrían pasar fácilmente de largo pero que adquieren mayor profundidad gracias a su sentido del detalle y de su ritmo. Al principio de la película, Elisabeth parece abrumada, rompiendo constantemente a llorar, pero justo entonces intuimos que ha redescubierto su tranquilidad y acepta su vida cotidiana.

¿Cómo se sumergió en la época que correspondía a su adolescencia?...
Primero a través del vestuario y, segundo, a través de su peinado. Mikhaël tenía opiniones muy firmes sobre los pequeños detalles que me gustaban mucho. Por ejemplo, nos pusimos de acuerdo en retocar el pelo para que fuera más grueso que el mío.
La decoración del apartamento de Elisabeth también fue un elemento importante. El plató estaba lleno de objetos de los años 80 que no se aprecian en pantalla, esos detalles le dieron a la película una tonalidad que no estaba en la página del guion. Todo el equipo estaba encantado con el decorado, que nos recordaba a todos nuestra infancia y adolescencia. Mikhaël apostó por el naranja y el marrón sin dejar de ser realista, sin caer en la caricatura. Las escenas del apartamento, rodadas en estudio, fueron realmente el momento en que encontré mi personaje.
En cuanto a la autenticidad de la época, la escena del cumpleaños con mis compañeros del programa de radio era la que más me preocupaba. Le decía a Mikhaël que, salvo a los bailes lentos, ya no tenía ni idea de cómo se bailaba en los ochenta. Mikhaël se limitó a decirnos que improvisáramos porque lo único que importaba era la sensación de que Elisabeth era feliz y estaba impregnada de la emoción de bailar.

Elisabeth es muy reservada, pero no oculta sus sentimientos...
Eso es lo que realmente me gusta del personaje: es muy sincera y transparente con sus emociones, nada calculadora.
Incluso en sus relaciones con los hombres, es muy sincera con sus sentimientos. Su timidez podría incitarla a cubrirse y protegerse, pero ella no es así. No teme mostrar cuándo está triste y apenas oculta sus lágrimas a sus hijos. Lo más probable es que utilice mi propia timidez y mis propias debilidades, de las que también soy muy abierta.

La escena en la que Elisabeth confiesa a su hija Judith que se siente desamparada desde que ésta se fue de casa es muy conmovedora...
Que los niños se vayan de casa es algo que realmente me sobrecoge. Mi hermana Kate me dijo, cuando su hijo estaba a punto de irse de casa: “Es una locura. Nadie te prepara para ello. Nadie habla de ello”. Tenía razón, y yo también lo experimenté, y sigo experimentándolo. Es un momento muy doloroso. Por supuesto, quieres que tus hijos sean felices pero realmente es el comienzo de una nueva vida. Me parece muy conmovedor que
Elisabeth, que también tiene que enfrentarse sola al acontecimiento, sea tan sincera sobre su dolor.
Se percibe que Elisabeth y su hijo tienen muchas cosas en común. Elisabeth y su hijo comparten una especie de inocencia. Al igual que él, ella experimenta muchas primeras veces, en el amor y en el trabajo. Obviamente, ella no es tan despreocupada porque tiene la responsabilidad de llegar a fin de mes, pero son las primeras veces reales. Me gusta la forma en que le da una oportunidad a la radio, lo emocionada que está al ser contratada y lo emotivo que le resulta todo, como una principiante. Y eso es lo que es.
Me gustó mucho estar en la posición de aprender una nueva profesión, en la radio y en la biblioteca. Normalmente, para una película, te piden que finjas hacer un determinado trabajo, así que aprendes algunos gestos, para ser creíble ante la cámara. En la película podía ser perfectamente sincera sobre el hecho de que estaba totalmente perdida y aprendiendo los trucos. Mikhaël me dio espacio para ese momento de duda que se produce cuando se aprende algo nuevo.
En general, Mikhaël me dio tiempo para introducirme en mi personaje y en mi papel. Muy a menudo, los directores exigen un tempo. Quieren que te aceleres. Con Mikhaël, sentí que podía ir a mi propio ritmo, y eso me vino muy bien porque me lleva tiempo captar lo que tengo que hacer o decir, para que suene genuino y correcto.

Al final, Elisabeth regala su diario a su hijo, que aspira a ser escritor...
Elisabeth comparte con él el hecho de que la escritura le ayudó en un momento concreto de su vida. Al entregarle el diario se disculpa porque está mal escrito. Lo que le da, sobre todo, es un registro de su vida en común.
Lo comprendo perfectamente, ya que yo también escribía regularmente un diario. Y en el margen, marcaba las partes que concernían a mis hijos, ¡para qué no tuvieran que machacarlo todo cuando yo no estuviera! Elisabeth siente la preocupación que cualquier madre podría sentir con respecto a la elección de la profesión de Mathias, pero siente orgullo y confianza en lo que sus hijos han llegado a ser y en su talento, y eso es muy bonito. Cuando les regala esos objetos que tanto significan para ella, no hay duda de que no está haciendo ningún juicio sobre sus elecciones, que acepta como evidentes.

Mikhaël Hers se centra en la benevolencia de las personas más que en sus conflictos...
No me di cuenta, leyendo el guion o en el plató, pero viendo la película, ¡absolutamente! Tenía la sensación de estar en un drama épico, sobre todo en la primera parte de la película, con el fin de un matrimonio, repetidos reveses profesionales y problemas económicos. Esas dificultades hacen crecer a mi personaje, pero al final no todo es lo que se ve en la pantalla. Todo gira en torno al afecto, al acercamiento, a la emoción. Si no fuera por la sutileza y el buen juicio de Mikhaël, podría parecer sentimental y pretenciosa.

¿Cómo fue trabajar con Quito Rayon Richter, Megan Northam y Noée Abita?...
Tuve una relación maravillosa con Quito y Megan, que interpretan a mis hijos. Creíamos que necesitaríamos vernos mucho para crear un vínculo familiar tan estrecho sin que pareciera falso, pero todo encajó de forma muy natural.
Y fue conmovedor ver a los jóvenes actores que empiezan su carrera, ser testigos de su alegría por estar allí y aprender su oficio. Todo impresionaba a Quito y a Megan. Todo era nuevo para ellos, lo cual era mágico de ver, especialmente cuando se intuye el enorme potencial que tienen. Quito es muy ingenioso en su forma de expresar la torpeza y la inocencia, y todas esas primeras emociones que está empezando a sentir. Ese momento tan delicado relacionado a la adolescencia realmente significa algo para mí, con sus ambigüedades, cosas que no se dicen, y picos de audacia que no duran. Es tan creíble la primera vez que se acuesta con Talulah, que es casi como si estuviéramos en su piel.
Noée Abita, que interpreta a Talulah, tenía más experiencia y era menos tímida. Me impresionó mucho su personalidad y su fragilidad, y la de su personaje, pero me esforcé en parar eso para preservar el misterio del afecto que Elisabeth siente por ella.

Usted empezó su carrera muy joven, en los años 80, de hecho...
Y probablemente por eso me pareció todo tan conmovedor. Tuve la sensación de entender lo que estaban viviendo y recordar los tiempos en los que soñaba con ser actriz sin atreverme a decirlo. Sabía que actuar en ‘L’Effrontée’ no era garantía de una larga carrera. Es un periodo muy arriesgado, en el que te sientes fácilmente desconcertada mientras sólo quieres creer que es verdad. Eres vulnerable en el buen sentido. Después de cada toma, veía que Quito y Megan estaban perdidos si Mikhaël no les decía nada. Daban tanto de sí que no tenían perspectiva.
La escena que más me emociona es la de la moto con Quito. La rodamos al final, e intuí lo duro que le iba a resultar el final del rodaje, porque yo también lo sentí cuando empezaba: perder esa concentración y entrar en el plató todos los días, del que te has enamorado perdidamente. No lo hablamos mucho porque él tampoco es muy expansivo, pero lo veía.

Es la primera vez que trabajas con Didier Sandre...
Me encantó actuar junto a él. En primer lugar porque conoce muy bien a mi madre. Patrice Chéreau le dio un papel en ‘La fausse suivante’, que fue la primera experiencia de mi madre en el escenario. Desde entonces han mantenido el contacto. Didier me encantó. Es tan elegante, sutil y guapo. Fue muy fácil interpretar a su hija, representar el vínculo que comparten.

¿Y Emmanuelle Béart?...
Me encantó volver a trabajar con ella, veinte años después de que interpretáramos a dos hermanas en ‘La bûche’. Emmanuelle es una mujer encantadora, amable y generosa. En cuanto a Laurent Poitrenaux, que interpreta al compañero de trabajo que rompe conmigo, tuvimos muy pocas escenas juntos, aparte de una escena de amor incómoda y torpe, pero la aprovechamos, porque apenas tuvimos ocasión de hablar. Laurent es un actor extraordinario.

¿Y Thibaud Vinçon, que interpreta a Hugo?...
Fue maravilloso ver la conexión que comparten él y Mikhaël. En las escenas que podrían haber sido incómodas, no hubo ninguna incomodidad. Todo era extremadamente sencillo, en relación con nuestros personajes, que tienen la deliciosa sensación de que algo está ocurriendo entre ellos.
De hecho, no hubo compañeros de escena con los que las cosas fueran complicadas, ¡y eso es una suerte!
Cuando las cosas van tan bien, parece que es normal, pero en realidad lo normal es tener pequeños roces, en comparación a un rodaje que fue tan agradable y tranquilo a pesar del bloqueo. Y Mikhaël es tan respetuoso con los actores. Nos daba las gracias cada vez que pasábamos al siguiente montaje, y era increíblemente genuino.
Al principio, me pareció extraño. Al fin y al cabo, nuestro trabajo es representar escenas y emociones.

¿Qué te pareció la película?...
Me sorprendió lo mucho que me recordó a Mikhaël. Es una película sorprendente, dirigida con una mirada cuya originalidad he percibido pocas veces. Desde entonces, Mikhaël y yo seguimos en contacto con regularidad, ¡pero eso no significa que entienda más su entrañable y enigmática personalidad!

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