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NOTAS DEL DIRECTOR...
   Auteuil habla sobre el origen del proyecto y qué fue lo que le cautivó de éste: “Sinceramente pensé que nunca haría otra película como director. A menos que tuviera una necesidad irreprimible de contar una historia. Y eso fue lo que ocurrió el día en que mi hija Nelly, que produce esta película con Hugo Gélin, me presentó el blog de un abogado ya fallecido, bajo el seudónimo Maître Mô. (...) Enseguida me impresionó la fuerza de las historias de vida y justicia que contaba pero también por la forma en que expresaba la soledad del abogado, la última persona al lado del acusado, con quien tendrá que enfrentarse a todos los demás. La belleza de esta profesión: transmitir lo indecible, más allá del decoro. Mientras leía, me fascinó esta reflexión sobre la noción de verdad que difiere de una persona a otra. La verdad se convierte en una íntima convicción, algo intangible. Descubrir este blog me llevó al corazón de la humanidad, en toda su fuerza y fragilidad combinadas. Así que quise hacer una película sobre esta búsqueda de la verdad.”

ENTREVISTA A DANIEL AUTEUIL...
¿Cómo surgió el deseo de volver a ponerse detrás de la cámara, seis años después de “Enamorado de mi mujer”?...
Aunque me produce un inmenso placer, creía sinceramente que no dirigiría otra película como director. A no ser que me invadiera una necesidad irreprimible de narrar una historia. Ese preciso momento llegó cuando mi hija Nelly, que coproduce la película con Hugo Gélin, me dio a conocer el blog del difunto abogado Jean-Yves Moyart, que escribía bajo el seudónimo de Maître Mô.

¿Qué motivó esta decisión?...
Me impresionaron de inmediato los convincentes relatos de vida y justicia que compartió, así como su retrato de la soledad inherente a la profesión de abogado: el último aliado junto al acusado en medio de un mar de adversarios. Esta esencia de la profesión de abogado, transmitir lo inexpresable más allá de las formalidades, me cautivó. Al profundizar en el blog, me cautivó su reflexión sobre la naturaleza subjetiva de la verdad, que varía de un individuo a otro. La verdad se convierte en una convicción, algo intangible. Descubrir este blog me sumergió en las profundidades de la humanidad, con toda su fuerza y fragilidad entrelazadas. De ahí que me sintiera obligado a crear una película centrada en esta búsqueda de la verdad.

Este blog abarca una miríada de relatos. ¿Por qué ha elegido la narración de Nicolas Milik?...
Porque me dejó atónito. Mi decisión de embarcarme en este viaje cinematográfico surgió de mi deseo de ahondar en la psique de este individuo acusado. A través de Milik, me alineo con los privados de voz, convertidos instantáneamente en vulnerables. Y a través de él, junto a un abogado cuya voz es su principal herramienta, “Presunción de inocencia” se convierte en una narración que ahonda en el núcleo de la experiencia humana.

¿El asunto tuvo lugar en la Camarga?...
No. La historia transcurre en el norte de Francia. Sin embargo, en aras de la autenticidad, opté por trasladarla a un ámbito que me resulta familiar: el sur, concretamente la Camarga Estoy íntimamente familiarizado con sus inviernos y paisajes durante esta estación. Por tanto, mi aspiración a crear “Presunción de inocencia” también surgió de mi deseo de capturar esta región - notablemente representada bajo una luz más exótica a través de mis adaptaciones de Pagnol - tal y como la percibo hoy, o como la recuerdo nostálgicamente de mis días de infancia yendo en mi Solex a la escuela, luchando contra el viento mistral.

¿Cuál era su principal objetivo al embarcarse en este proyecto?...
  Retratar una narrativa arraigada en la vida provinciana, reflejando un blog que no relata las hazañas de un prominente abogado parisino o de un alto cargo de la administración pública.
  El caso Milik encarna la esencia de un crimen cotidiano, trágicamente común. En la película trata de describir la banalidad inherente a los procesos judiciales, en los que los jurados suelen dictar sentencia basándose en escasas certezas. A partir de esta premisa, me propuse cultivar una película de género centrada en la investigación psicológica emprendida por un abogado, inspirándome en el ambiente de los enfrentamientos del Oeste dentro de los tribunales.
  Para Jean Monier, el abogado al que retrata, supone el regreso a un tipo de casos que ya no lleva, tras absolver a un hombre que desde entonces ha cometido delitos...
  Sí, es un hombre marcado por un trauma. Posteriormente, se inclinó por los asuntos mundanos y cotidianos. Encarna la fragilidad, pero se aferra a la esperanza en su profesión. Al principio, el caso Milik le sirve para reafirmar esta esperanza, aunque no está dispuesto a reinventarse. Al principio, no tiene ninguna intención de hacerlo, y se limita a asistir a la primera reunión como un favor a su ex mujer, que inicialmente ocupó el cargo de abogada de oficio antes de cederle el testigo.

Sin embargo, opta por defender él mismo a Milik. ¿Qué catalizó este cambio?...
Hay una cualidad inefable en este hombre aparentemente infantil acusado de asesinato conyugal que resuena en él. Percibe el inminente peso aplastante del juicio que se cierne sobre Milik. Impulsado por su fe duradera en su profesión, Monier se embarca en este arduo viaje, desprovisto de cualquier perspectiva de gloria o titulares. Por el contrario, simboliza una reconciliación, una recuperación de la fe en sí mismo y en su profesión. El retrato de Monier resuena en mí; a pesar de su dilatada experiencia, lucha con la incertidumbre, reflejando la perpetua búsqueda de la verdad inherente a mi profesión de actor. A pesar de las presiones externas, se esfuerza por salvar a un hombre que no busca necesariamente la salvación, un acto que recuerda la afirmación de Lacan de que amar es dar algo que no se tiene a alguien que no lo quiere. (Risas)

¿Por qué decidió colaborar con Steven Mitz como coguionista? ¿Qué ha aportado?...
Debo este encuentro fortuito a mis productores, cuya inestimable aportación facilitó enormemente la realización de mi visión.
Mi intención era deconstruir una narración aparentemente convencional, imbuyéndola de un elemento de imprevisibilidad, similar a mi enfoque para captar la esencia de la Camarga, un esfuerzo que fue posible gracias a la colaboración de mi equipo.
Al desviarnos de la narración lineal, tratamos de absorber tanto a nosotros mismos como al público, asegurándonos de que la narración nunca se alejara de su núcleo, pero dejando espacio para la exploración de perspectivas divergentes sobre la verdad.

¿Siempre quiso encarnar al personaje de Jean Monier?...
Absolutamente, ¡sin dudarlo! A pesar de mi papel de director, mi atención no se centraba en mí mismo, sino en el conjunto.
Desde el principio de los ensayos, transmití mi visión de cultivar un ambiente tenso en cada escena del tribunal, evitando el espectáculo en favor de la humanidad, la vulnerabilidad y la duda.

¿Cómo se preparó para la película?...
Tuve el privilegio de asistir a un juicio a puerta cerrada que reflejaba un relato similar, y me impresionó la sensación de temor que impregnaba el proceso. Intenté transmitir con autenticidad esa atmósfera, subrayando la ausencia de pruebas concluyentes o de motivos claros que suele haber en esos juicios.

¿Por qué eligió a Grégory Gadebois para encarnar a Milik?...
Su casting fue una elección instintiva, que encapsula la yuxtaposición de Milik de fragilidad adulta e inocencia infantil. Encarna a un coloso frágil, ignorado por la sociedad, salvo por su amigo Roger, y que durante tres años va a codearse con un tipo que por fin va a interesarse por él. Un tipo al que contará una historia y al que este abogado creerá sin dudarlo, aunque en realidad sólo sea su verdad, no la verdad, que se supone que el juicio debe sacar a la luz.

¿Por qué eligió a Gaëtan Roussel para el papel de Roger?...
La aspiración de Gaëtan de aventurarse en el mundo de la interpretación, a su rudo pero amable, le convirtieron en un actor natural para el papel de Roger, un ex militar desencantado y altruista que anhela ayudar a su amigo.

Sidse Babett Knudsen interpreta a la ex mujer de Monier, también abogada. ¿Por qué ella?...
Sidse posee un talento poco común para transmitir profundidad en un tiempo de pantalla mínimo. Le encargué que impregnara cada escena con las complejidades de la dinámica pasada y presente de la pareja, un reto que aceptó con una humanidad y espontaneidad sin parangón. El papel puede parecer pequeño sobre el papel, pero lo que hace con él es enorme.

¿Cómo reunió al resto del reparto, en su mayoría del cine y del teatro?...
Veo el personaje del fiscal como el del estudiante de derecho de “Una razón brillante” unos años más tarde. Y recurrí a Alice Belaïdi porque había visto de cerca su enorme potencial, al haber trabajado con ella en “El nuevo juguete”, pero también, a nivel más personal, porque, como yo, empezó en el Théâtre du Chêne Noir. Y como conozco a los actores sé hasta qué punto quieren mostrar y contar algo más de sí mismos. También había actuado con Isabelle Candelier y Jean-Noël Brouté: Jean-Noël hizo de mi hermano en “Los amores de una mujer francesa” de Régis Wargnier, y, en “Aventuras de un bribón”, Isabelle hizo de Zerbinette, un papel imposible en el que tenía que tener un ataque de risa durante quince minutos, y en el que estaba prodigiosa. Siempre he pensado que los actores acostumbrados a interpretar papeles cómicos suelen tener la capacidad de aportar un toque extra de humanidad. Suliane Brahim y mi hija Aurore también poseen este talento. Pero también Florence Janas, que interpreta a la esposa de Roger Marton (Gaëtan Roussel) y a la que descubrí a través de casting (gracias a la talentosa Agathe Hassenforder), un ejercicio con el que no me siento muy cómodo, ya que yo mismo lo he hecho muy poco como actor.

¿Podría explicarnos con más detalle su enfoque de la dirección a la hora de trabajar con actores?...
Dirigí los ensayos centrándome principalmente en las escenas del juicio, con el objetivo de cultivar una tensión palpable en la que cada palabra y cada gesto tuvieran significado, en la que cada intención tuviera que ser sentida profundamente, para que nunca estuviéramos hablando por hablar. Para conseguirlo, dirijo a mis actores de una manera muy musical. Y todo empieza conmigo porque estoy jugando con ellos, en medio de ellos. Estar en el centro de las cosas me da una mejor idea de lo que está pasando.

¿Fue porque le vio trabajar en “Un silencio”, de Joachim Lafosse, por lo que llamó al belga Jean-François Hensgens para que hiciera la fotografía?...
Lo que realmente quería era que un tipo del norte filmara el sur.
Pasamos mucho tiempo juntos, y él supo transmitir con amistad, exactitud y rigor lo que yo quería para esta película.

¿Cómo creó las imágenes para el juicio?...
Jean-François vino conmigo para asistir al juicio que he mencionado antes. La idea era encontrar la manera de llegar al corazón de los personajes, de sentir el más mínimo temblor, sin ser documental.
Teníamos que acercarnos lo más posible a algo que nos quema, que nos perturba, que molesta. A través de la ficción teníamos que encontrar la manera de estar atentos a la más mínima mirada, a los silencios que lo dicen todo. La idea central era captar los sentimientos. Por eso también pedí a mis actores que hablaran en todo momento con los miembros del jurado, no con el público que asistía al juicio, ni con los representantes de la justicia.
  La tensión que menciona también se construye en el proceso de montaje. La película tal y como existe, ¿es fiel al guion?
Sí, muy fiel.
Básicamente, esta parte fue extremadamente fácil, gracias a la contribución esencial de la maravillosa Valérie Deseine. Éramos como dos mitades del mismo cerebro (risas).
  Sentíamos las mismas cosas todo el tiempo. Era asombroso ver hasta qué punto ella estaba en mi cabeza. En cualquier caso, era esencial permitir que ciertas escenas se alargaran durante un tiempo, para que una sensación de malestar o de humanidad pudiera expresarse plenamente. También quería que la Camarga, aunque no la viéramos mucho. Pienso en los toros y en la cultura, que no es necesariamente la mía, sino profundamente la de esta región.

¿En qué momento incorpora la música a la historia?...
En la edición, donde probamos diferentes tipos de música. Y por el camino, nos encontramos con Gaspar Claus, que tenía la impresión de haber escrito sus piezas para la película.
Así que le pedimos que se uniera a nosotros, además de las otras grandes piezas de música clásica que se pueden escuchar, Bach en particular. La música de cine es algo curioso. No debe estar por encima o por debajo de la emoción. Tiene que sentirla.

¿Fue uno de los placeres de hacer esta película el estar acompañado en la producción por una de sus hijas y dirigir a otra?...
Para ser sincero, temía no estar a la altura de las expectativas de Nelly, ya que era su primera película como productora. Soy una persona que duda mucho y al mismo tiempo va a por todas. Este doble impulso aparentemente contradictorio es vital para mí. Y por eso trabajo tanto. En cuanto a Aurore, su cruda profundidad emocional sobre el escenario me inspiró para mostrar una faceta diferente de su talento en la pantalla.

¿Qué cree que hace que esta película sea tan especial en comparación con todas las demás que ha hecho?...
El hecho de que yo lo escribí. Aunque reivindique todos los demás.
La vida tiene una forma de dar vueltas, de reavivar pasiones que uno creía desvanecidas. Probablemente sea porque en el fondo no he renunciado a nada y siempre estoy dispuesto a vivir mis sueños. De hecho, creo que escribir canciones me dio la liberación catártica que necesitaba para empezar a escribir una película. ¡Y no hay edad para desbloquearse! (Risas)

¿Le han dado ganas de hacer más?...
¡Sí, estoy listo! Estoy buscando activamente un tema, una idea... máquina vuelve a funcionar.

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