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NOTAS DEL DIRECTOR...
  “Conocí la novela de David Jasso por el productor Alejandro Baña, ya fallecido. Enseguida me pareció muy cinematográfica y mi interés nació sobre todo por la fascinación que me producía ver hasta dónde podía llegar la resistencia humana en una situación límite no solo física sino también psicológica”.
  “No es solo una película sobre un hombre atrapado por una mala decisión. Quería diseccionar su ego y sus miedos. Y me motivaba mucho el reto narrativo de sostener la tensión en un espacio reducido, demostrando que el suspense más aterrador no viene de fuera, sino de lo que ocurre dentro de la cabeza del protagonista mientras su tiempo se agota”.
  “El enfoque es radicalmente subjetivo. La mirada de la película está pegada a la piel de Jaime Lorente. No somos observadores lejanos: somos sus ojos, cómplices de su sed, de su calor, de su progresivo deterioro y de su delirio”.
  “Hemos tratado de buscar una mirada casi táctil, donde el espectador pueda sentir la fría rugosidad del metal de la silla y la opresión del entorno, intentando convertir la película en una experiencia sensorial más que en un simple relato de hechos”.
  “Al mismo tiempo, la novela me sedujo porque creí entender en ella una metáfora preciosa que he tratado de contar en subtexto: a veces, lo que nos ata de verdad en la vida no son unas ligaduras reales, sino nuestras propias mentiras y deslealtad.
  “Ha sido un gran reto. Me lo he pasado muy bien, también lo he pasado muy mal. Me rompí el bíceps porque la silla pesaba muchísimo así que ha sido una aventura brutal”.
  “Ha sido uno de los rodajes más duros de mi vida: a nivel físico, a nivel interpretativo también, a todos los niveles…”
“Ángel (el director) es una persona con un talante y un talento… y con las cosas tan claras que facilita todo mucho”.

BASADA EN LA NOVELA DE DAVID JASSO...
  La obra de David Jasso ofrece una premisa minimalista, pero devastadora: ¿Quiénes somos cuando nos quitan todas nuestras capacidades y nos dejan a solas con nuestra vulnerabilidad? De alguna forma es un tema muy Hitchcock.
  “La premisa es sencilla y parece que no puede dar mucho de sí (“un tío atado a una silla, vaya rollo”), pero la historia crece hasta atrapar al lector y hacerle pasar las páginas una tras otra. Es una historia agobiante y claustrofóbica, que partiendo de esa sencilla idea se desarrolla hasta llegar a un desenlace de infarto”.
  “La silla es mi primera novela y la escribí quince años antes de su publicación (¡hace 35 años!), eso demuestra que se trata de una historia atemporal, capaz de resistir el paso del tiempo y mantener el interés de lectores de diferentes generaciones”.
  “Partió de una historia intimista, angustiosa y muy intensa, que pretendía que el lector se identificara con el protagonista y sus vicisitudes. Una especie de película de catástrofes con un solo protagonista. Pero el relato fue creciendo hasta convertirse en la novela que conocemos. A los pocos meses ya surgió la posibilidad de realizar una adaptación cinematográfica y ahora se ha convertido en realidad.

LA PRODUCCIÓN Y EL RODAJE...
  Para el interior de la casa se construyó un decorado a medida en un plató de Gran Canaria. Objetivo: un look muy de urbanización al gusto de los típicos complejos residenciales americanos o europeos de clase media alta.
  Uno de los desafíos principales consistió en evitar que se notase que el interior de la casa y el exterior de la misma estaban a más de 1.700 kilómetros de distancia en línea recta y que pareciesen una única pieza de la que se podía entrar y salir con continuidad sin problema. Por otro lado, era un ‘juego’ con las localizaciones y decorados para evitar la monotonía visual. Al tener una acción central tan estática, cada decisión sobre el ángulo de cámara o el cambio de luz era vital para mantener la narrativa.

PROPUESTA ESTÉTICA...
  Planos abiertos, luminosos, mucho plano secuencia, para ir poco a poco, cerrando el encuadre, oscureciendo los planos, haciéndolos más breves, con muchos claroscuros y texturas muy marcadas.
  La búsqueda de una fotografía que evoluciona con el estado mental del personaje: de una luz naturalista y más luminosa (que representaba el sueño de la clase media, el famoso “Sueño Americano”) a una atmósfera más opresiva, sucia y asfixiante conforme avanza el metraje (que convirtiera el sueño en una pesadilla).
  El lenguaje de la cámara también es evolutivo. Empezamos con planos secuencia largos, muy clásico, y pasamos después a composiciones de apariencia “pulp” que enfatizan la inmovilidad, hasta llegar al uso más errático y cercano de la óptica, invadiendo el espacio personal del actor con primeros y primerísimos planos, usando mucha cámara en mano, ya hacia el final, incluso con desenfoques que semejan el parpadeo de sudor en los ojos del protagonista.
  Destaca el trabajo de composición que hizo Christos, siempre con algo desenfocado o “emborronado” en primer término. La idea no es que el plano se vea "bonito", sino generar una sensación de voyeurismo.
  El ritmo trata de ir in crescendo de tensión psicológica y, para ello, el trabajo de montaje de Iván de Paz ha sido fundamental. Se trata de un diseño sonoro hiperrealista pero muy próximo para que cada crujido, cada respiración, el sonido del viento,.. se conviertan en otros elementos de tortura psicológica.
  Mención especial para la música del neurocirujano Jesús Martín-Fernández, que tiene el conocimiento de cómo alterar partes del cerebro con sus composiciones, y Tomás Barreiro.
  Tono seco (la acción transcurre en verano, un puente en el mes de julio), asfixiante. Pero poco a poco se vuelve frío, llega la noche. La acción sigue siendo angustiosa y claustrofóbica, pero el tono se vuelve más tétrico.

APUNTES DEL DIRECTOR...
  “La decisión creativa clave creo que fue la de rodar, en la medida de lo posible, de forma cronológica. Y, para cuando no se conseguía, teníamos muy claro en todos los departamentos cómo se iba produciendo el deterioro del protagonista y su entorno al dividir el guion en diferentes fases ya en la misma lectura de guion. Esto permitió que la decadencia física y emocional del personaje fuera real, consiguiendo que la atmósfera del set se fuera cargando de la misma pesadez que vive el protagonista en la ficción. Pero para eso hubo que coordinar muy bien cada departamento, con mención especial para el trabajo de vestuario y de maquillaje y peluquería, que era diferente para cada una de las fases. Por ejemplo, aunque la acción transcurre en un fin de semana de puente y el actor no se cambia de ropa en casi toda la película, había unos treinta polos iguales, tres por cada fase, con diferentes deterioros y suciedad a medida que iba avanzando la acción. Y lo mismo para las heridas, aspecto físico, etc

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