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MAESTRO(S)
INFORMACIÓN
Titulo original: La Scala
Año Producción: 2022
Nacionalidad: Francia
Duración: 88 Minutos
Calificación: Autorizada para todos los públicos
Género: Drama
Director: Bruno Chiche
Guión: Bruno Chiche, Yaël Langmann, Clément Peny. Basados en el guion original de Joseph Cedar
Fotografía: Denis Rouden
Música: Florencia Di Concilio
FECHA DE ESTRENO
España: 26 Mayo 2023
DISTRIBUCIÓN EN ESPAÑA
Vértigo Films


SINOPSIS

En la familia Dumar, el oficio de director de orquesta se transmite de padres a hijos: François termina una brillante carrera internacional, mientras que Denis acaba de ganar una enésima Victoria de la Música Clásica. Cuando François se entera de que ha sido elegido para dirigir la Scala, su gran y último sueño, no se lo puede creer...

INTÉRPRETES

YVAN ATTAL, PIERRE ARDITI, MIOU-MIOU, CAROLINE ANGLADE, PASCALE ARBILLOT, NILS OTHENIN-GIRARD. ANDRÉ MARCON, CATERINA MURINO, BENOIT MORET, VALENTINA VANDELLI, STÉPHANIE BORE, EMILIE PIERSON, CLÉMENT GIREN, PHILIPPE MOREL, SÉBASTIEN SUREL, AFAF ROBILLIARD, ANNE GRAVOIN, LORENZO MEAZZA, RÉMY STEELCOX

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ENTREVISTA AL DIRECTOR...
¿DE DÓNDE SACÓ LA IDEA DE ‘MAESTRO(S)’?...
Acababa de terminar una comedia y mi productor y amigo Philippe Rousselet me preguntó qué pensaba hacer a continuación. Entonces quise contar la historia de un padre y un hijo, pero un hijo viejo como yo y por tanto un padre viejo... Philippe me dice entonces que ha logrado una opción los derechos para hacer un remake de ‘Footnote’ del director y guionista israelí Joseph Cedar, en la que podría inspirarme.
Vi la película y efectivamente encontré que hay algo, al menos un sesgo a través de la premisa, un ‘quid pro quo’ que enfrentará a un hijo con su padre, y está sobre todo el tema de la superación. No me veía lanzándome a hacer un remake porque en la película de Cedar, los dos personajes son universitarios que trabajan en la Torá. Me imaginaba que su campo de especialización sería la medicina - siendo mi padre cirujano dentista y mi hermano cirujano.
Como soy aficionado a la Historia y me fascina, me decidí por un padre y un hijo historiadores uno de los cuales recibiría el Premio Beaumarchais. Tras presentar el proyecto a una amiga cantante de ópera, ella misma me dice que esa es la historia de su suegro y su marido... ambos directores de orquesta que soñaban con tocar en Bayreuth, en Baviera.
Inmediatamente llamé a Philippe Rousselet para decirle que ya tenía el tema. Es más, ahora estoy loco por la música clásica.

MÁS ALLÁ DE LA MUY LIBRE ADAPTACIÓN, ‘MAESTRO(S)’ SE DIFERENCIA DE ‘FOOTNOTE’ POR UN TONO QUE YA NO ES HUMORÍSTICO...
Por mucho que un tema muy dramático pueda beneficiarse de algunos toques de humor, aquí no se trataba de una tragedia. Estamos incluso ante una comedia, con la alegría del hijo por poder superar a su padre. Pero también es un drama para este hijo que no sabe muy bien cómo actuar y reaccionar, y necesitábamos un tratamiento dramático para que pudiéramos empatizar con él. Si hubiera sido una comedia, habría parecido un villano. Dicho esto, el guion era más ligero que la película. Gracias a Yvan Attal, que interpreta magníficamente a Denis, la película se volvió más tensa y mejor.

AL EXTENDER LA RELACIÓN PADRE-HIJO A LA DEL NIETO, ¿ERA SU OBJETIVO TRATAR LA FILIACIÓN A LO LARGO DE TRES GENERACIONES?...
Sí. ‘Maestro(s)’ resulta ser la película más personal que he hecho nunca. Yvan tiene mi edad, Pierre [Arditi] es un poco más joven que mi padre, y yo tengo un hijo de la misma edad que Nils [Othenin-Girard] cuyo personaje, en una primera versión del guion, incluso se llamaba Léonard, como mi hijo. Añádase a eso el hecho de que Pascale Arbillot, que interpreta a la ex novia de Denis, es la madre de mi hijo...
Yvan, que a su vez tiene un hijo un poco mayor que Nils, me dijo que tenía la impresión de venir no a un rodaje, sino ¡a una sesión de psicoterapia de grupo!

¿ACEPTÓ YVAN EL PAPEL INMEDIATAMENTE?...
Yvan y yo nos conocíamos un poco y creo que ambos queríamos hacer algo juntos. El papel que interpreta es el principal de la película, así que trabajamos juntos en el personaje. Tenía que hacerlo suyo, lo cual es normal, sano y legítimo. Es incluso una cosa hermosa de esta película: nuestro encuentro. Somos diferentes Conocí a un actor magnífico e hice un amigo poco común que me ayudó mucho.
Me encanta el hombre que es: divertido, brillante y profundo. Un actor, más allá de su talento como actor, que es sobre todo una gran persona. No podría filmar a un hombre que no me gustara. Así que ya sabes lo que pienso de él.

¿Y PIERRE?...
Conocí a Pierre cuando tenía veinte años. Yo era asistente y solía ir por la mañana para llevarle al plató de una película de Robert Enrico. Cuando eres un niño y tímido como yo era entonces, eres frágil y Pierre era generoso y atento.
Es uno de los más grandes actores franceses y, como Yvan, un ser extraordinario. Estoy orgulloso de haber hecho esta película con este hombre, dotado de una inteligencia poco común y de un talento del que ya nadie puede presumir.
Y luego me beneficié de la amistad que le unía a Yvan. Los dos han seguido siendo muy amigos y cómplices desde hace años. Además, cuando le dije a Yvan que Pierre interpretaría a su padre, se alegró muchísimo. Incluso me pregunto si no le llamó antes que a mí para decirle que le iba a ofrecer el papel.
Al final está fantástico en la película. Está en la encarnación de su personaje y con una sobriedad impresionante.

¿CÓMO FUNCIONÓ LA SECUENCIA PADRE-HIJO CARA A CARA? ¿CÓMO LOS DIRIGIÓ?...
Fue interesante que Yvan permaneciera inmóvil, mientras Pierre iba girar a su alrededor... Empieza con el vaso que está bebiendo. “Aléjate, luego acércate...” Luego le hice acercarse como si tejiera una telaraña antes de acechar a su presa. Fue un placer increíble dirigir a tales monstruos.
Yo no iba a enseñar a actuar a Yvan Attal y Pierre Arditi. Mi trabajo es sólo decirles el objetivo de la escena y ellos hacen lo suyo a partir de mis indicaciones. La dirección es la mirada de Yvan. ¡Y tú no diriges una mirada ni una escucha! Mientras Pierre lanza lo que tiene que decir a su hijo, la escucha y el silencio de Yvan son extraordinarios.

¿POR QUÉ ELIGIÓ A MIOU-MIOU PARA INTERPRETAR A LA ESPOSA DE FRANÇOIS [PIERRE ARDITI]?...
Siempre me ha gustado Miou. Su personaje no es simple. Es una madre, pero sobre todo es una mujer enamorada de su marido. Ha encarnado con gran sutileza un personaje que lo elige más que a su propio hijo... Lo que no deja de ser insólito... Es una eterna enamorada de la que no puedes evitar enamorarte. Después de todo, en esta película sólo hay historias de amor. La pareja que ella forma con Pierre es profundamente conmovedora y la forma en que ella mira esta historia es muy sutil.

¿DE DÓNDE SACÓ LA IDEA DE DAR AL PERSONAJE DE CAROLINE ANGLADE UNA DISCAPACIDAD COMO LA SORDERA?...
Va a sonar extraño pero Caroline es la primera actriz que contraté para esta película. Es una actriz maravillosa y tiene, además de su belleza y su sentido de la comedia, una verdad cruda, efectiva e instintiva. Es dura de oído en la película, y me encanta el trabajo que ha hecho (y que no se ve en pantalla) para convertirse en violinista en su vida.
Su personaje no es una advenediza. Al contrario, es una luchadora que no presume. Y me pareció interesante que el personaje de Denis, que tiene una forma de cobardía al principio de la película, se sienta atraído por una mujer que cree que le necesita... ¡Un rasgo muy masculino! ¡Excepto que él se equivoca y ella le dice la verdad en una escena en la que Caroline sobresale!

¿Y QUÉ PUEDE DECIRNOS DEL PERSONAJE DE PASCALE ARBILLOT?...
Estamos muy unidos. Y es una película sobre la familia, así que era ella y nadie más. Para ser sincero, ella inspiró totalmente su personaje en la película. Pascale es una gran actriz y una mujer muy brillante y exigente. Ha compuesto un personaje en esta película que es bastante abrumador. No le hace ningún favor a su ex marido.
Y, sin embargo, sentimos lo esenciales que son el uno para el otro. Ella es a veces muy dura, siempre sincera y a menudo muy divertida. También ahí, entre Denis y ella, hay una eterna historia de amor... ¡Bueno, dejémonos de sentimentalismos!

¿Y EL PAPEL DEL NIETO?...
Nils Othenin-Girard es un actor que contará mucho en el cine francés, estoy seguro.
Como dice Pascale, que también lo contrató para un cortometraje que hizo un poco más tarde, Nils tiene su propio planeta, ¡es único! Es el “pequeño Es el “principito”, sorprendentemente independiente y natural. Lo elegí por su lado lunar y poético... Es muy conmovedor en este papel de postadolescente un poco atrapado en su burbuja, entre su padre y su abuelo. Tiene una mirada tan madura como modesta sobre su padre y sobre lo que éste vive en la película.
También me gustaría aprovechar esta oportunidad para decir que estoy muy contento de que André Marcon se haya unido a nosotros en esta aventura, aunque sea como una amistosa participación. Tiene un papel pequeño en la película, pero de una importancia capital para la historia. Necesitábamos un actor de su tamaño y carisma para interpretarle.

¿LE GUSTABA TANTO LA MÚSICA CLÁSICA PARA ESCRIBIR UN GUION TAN BIEN DOCUMENTADO SOBRE DIRECTORES DE ORQUESTA?...
Es cierto que me encanta la música clásica, pero también me inspiré en muchas biografías... También he leído un libro maravilloso de entrevistas entre Haruki Murakami y Seiji Ozawa sobre música y sus conversaciones.
Me ayudó mucho. Es incluso donde encontré la anécdota de la película sobre los silbidos en La Scala. Y es cierto que Seiji Ozawa, que está en ‘Maestro(s)’, se ha convertido en una especie de hilo rojo en la película.
Y luego, gracias a Pascale, conocí a Anne Gravoin para Caroline Anglade y Caterina Murino al violín. Ese fue el comienzo de una magnífica colaboración en la que se nos unió Nicolas Guiraud. Pasábamos tardes enteras hablando de música. Fueron Anne y Nicolas quienes compusieron las orquestas que se filman, Nicolas hizo todos los arreglos musicales para ‘Maestro(s)’, ya que incluso arregló una de mis piezas favoritas en el mundo, que es la Vocalise de Rachmaninoff para violín y quinteto de cuerda... ¡Hicieron milagros!

¿CÓMO ELIGIÓ LA MÚSICA?...
Quería que ilustraran a los personajes que los acompañan. Al principio, hay un Aria de Antonín Dvorák, muy melancólica, que cuenta la historia de François [Pierre Arditi], lo que ha vivido y que probablemente no volverá a vivir. Luego le vemos dirigir la 9ª de Beethoven, una pieza muy rabiosa que refleja su estado de ánimo.
Opté por óperas en las que elegí oberturas e intermezzos, que son partes que no se cantan. La música atribuida a Denis es un intermezzo de Brahms que aparece regularmente y que Yvan aprendió a tocar. Es una de las primeras piezas que escuchamos, que más tarde tocará con su hijo al piano.
Es una melodía nostálgica pero no es ni demasiado melodiosa ni demasiado dulce. En cuanto a la vocalización de Rachmaninov (que sabía que cantaba Renée Fleming), interpretada en la iglesia por el personaje de Caterina Murino, penetra en la cabeza de Denis, y queda claro en ese momento hasta qué punto la música es su refugio.
La sonata de Schubert del principio (que también será la música de los créditos finales), es una declaración de amor de su compositor a una cantante de la que estaba enamorado. Es a esta pieza que Denis dirige a su amante, interpretada por Caroline Anglade.
También está el Ave María de Giulio Caccini, una pieza sublime pieza que Yvan ve en su ordenador, dirigida por Ozawa en La Scala. Es un pasaje bastante mágico gracias al montaje porque hay una especie de relación entre Denis y el maestro, como si fuera un traspaso...
Para que conste, este Ave María, que siempre se ha atribuido a Caccini fue en realidad compuesta por un ruso, Vladimir Vavilov. También está esta Misa de Mozart, el Laudate Dominum interpretada en la película por una joven cantante, Julie-Anne Moutongo-Black y dirigida por Denis en el mítico Studio Ferber.

¿Y LA MÚSICA ORIGINAL COMPUESTA PARA LA PELÍCULA?...
Hay mucha música en la película, parte de la cual es música original. Tenía que serlo. La música del repertorio elegido y asumido repertorio son muy potentes y quería para ciertas partes de la película una música más contemporánea que expresara el malestar de Denis. Ese no era un tema fácil. Composiciones demasiado “claras”, como las de Howard Shore o Philip Glass habrían sido demasiado radicales y desequilibrado la película.
Composiciones muy clásicas, como las de Philippe Sarde o Georges Delerue, a los que adoro, habrían estado demasiado cerca de Rachmaninov o de Shostakovich, en quienes se inspiraron mucho.
Busqué durante mucho tiempo la dirección que debía tomar para escribir esta música original para la película.
Al final, fue un compositor atípico que aceptó el reto. Fue por casualidad que me topé con la obra de Florencia Di Concilio. Escuché su música y fue el alma de una personalidad tan singular que me conmovió. Por supuesto, tiene un nivel musical muy alto, una formación muy sólida en composición y orquestación en el en el Conservatorio de París, pero lo que me conmovió fue que nació en Uruguay. Es uruguaya de nacimiento y ha viajado mucho, estudiado en América Latina y Estados Unidos y se ha nutrido de muchas culturas.
Tiene una verdadera firma, una verdadera singularidad, un instinto muy seguro y fino. No fue fácil llegar después de Schubert o Mozart. Ella lo ha conseguido.

YA QUE HABLAMOS DE MÚSICA, MENCIONEMOS EL BOMBO QUE TOCA DENIS Y USA PARA RECUPERAR A SU AMANTE...
Es un momento precioso en el que Denis se hace eco de lo que le dijo su amante: “Hubiera sido mejor tocar el bombo en una orquesta de feria, eso me habría ahorrado verte la cara”. Siempre recordaré la expresión de Yvan cuando vio el instrumento: “¿Quieres que toque esto? “ Lo había traído hace tiempo para que se hiciera a la idea. Es una escena romántica en la que intenta recuperar a su novia con sus propias armas. Es un tipo algo pesado pero asume su pesadez. Ambos son muy conmovedores en la escena.

¿POR QUÉ DENIS NO LE DICE NADA A SU PADRE? ¿POR MIEDO, COMO DICE SU PADRE? ¿PERO MIEDO A QUÉ?...
Decirle a su padre que no podrá vivir el sueño de su vida porque ha preferido a su hijo, eso es difícil. Entonces, cada uno pone el cursor donde Denis no es un director al que le gusten las grandes salas. Tiene miedo, así que utiliza el argumento de no querer herir a su padre para enmascarar el miedo que tiene a aceptar el trabajo.
Probablemente hay un poco de eso en su reacción.

¿CÓMO HABRÍA REACCIONADO USTED?...
Me habría autosaboteado. Es tan difícil pasar del padre y, en cierto modo, humillarlo, que uno prefiere fastidiarlo.
Debido a su trayectoria personal de niño, mi padre nunca se sintió querido, por ejemplo.
Cuando empecé a hacer película, era difícil para mí, comparado con él, asumirse querido y reconocido por la gente. Y ciertamente no fue fácil para él.
Sólo un padre podía poner en boca de un hijo esta terrible frase de Denis: “No soy el hijo que te hubiera gustado tener”...
Es cierto, pero siempre pienso en esta cita de Aristóteles: “La mayor derrota de un padre es ser superado por su hijo”. Pero creo que la frase más dura de esta escena es la que François (Pierre Arditi) le dice a Denis: “Lo peor para un padre es que su hijo se compadezca de él”.

¿ES LA PRIMERA VEZ QUE TRABAJA CON EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA DENIS ROUDEN?...
Sí, y me encantó. Sólo teníamos seis semanas para rodar y le pedí que desterrara toda la maquinaria del plató: ni dolly, ni grúa... ¡Sólo su hombro!... Que lo tiene muy alto, mide dos metros. Al principio pensó que estaba loco y luego, tras dos días de reflexión, aceptó el reto y entró en el juego.
En primer lugar, esto nos permitió terminar a tiempo. Pero lo más importante de esta limitación surgió una puesta en escena bastante libre, favoreciendo los planos secuencia. Estoy contento con este aspecto un tanto “reportaje”, que rompe con la imagen un tanto clásica que la película podría haber tenido. La música clásica suele asociarse a un arte burgués y yo no quería eso.

¿PENSÓ EN EL HECHO DE QUE UN DIRECTOR DE ORQUESTA ES, EN ÚLTIMA INSTANCIA, EL ÚNICO ARTISTA QUE, EN EL ESCENARIO, DA LA ESPALDA AL PÚBLICO?...
Es cierto. Nunca les ves la cara, a menos que estés frente a una emisión de televisión. Puedes ver una estupenda en Youtube de Leonard Bernstein dirigiendo una orquesta con las manos a la espalda, sin una batuta, sólo con sus ojos. Es extraordinario. Normalmente todo está en los gestos del director: la mano izquierda da el tempo, mientras que la derecha trae el alma. Es como un montador de cine: tiene la partitura y decide cambiar el tempo en relación con la obra escrita.
Por ejemplo, la pieza de ‘Las bodas de Fígaro’, que cierra la película, cuenta con la obertura dirigida por Herbert von Karajan y dura 2’30, mientras que bajo la batuta de Claudio Obadio, dura dos minutos más...

¿CREE QUE QUIZÁ LOS DIRECTORES SEAN UN POCO COMO LOS DIRECTORES DE ORQUESTA, PREFIEREN ESCONDERSE...?
Tal vez...

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