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   Tal vez al principio, “Nebraska” comenzó con un verdadero intento del Medio Oeste de ampliar sus límites. El escritor de comedia Bob Nelson decidió probar suerte en la escritura de algo más personal. Lo que le faltaba en experiencia, lo compensaba con años de mirar y observar el tipo de personas sobre los que quería escribir: los cómicamente reticentes y sin pretensiones habitantes del Medio Oeste, que podrían trabajar toda su vida, ir a la guerra, criar a los niños y tener sus propios problemas sin contárselo jamás a nadie, ni siquiera a sus propios hijos.
  “Yo sólo quería escribir una historia acerca de personas reales “, dice Nelson. “Me gustan las historias que tienen esa cualidad humana real y yo quería escribir algo sobre la alegría de vivir y la tristeza que la acompaña. También quería escribir algo que pudiera llegar a la gente, porque he pasado diez años escribiendo comedia. Sobre todo, quería que la gente en esta película pareciera tan real que te sumergieras totalmente en sus vidas”.
  El realismo del guión de Nelson en “Nebraska “ surgió a partir de sus propias experiencias familiares. “ Utilice mis historias familiares para establecer la estructura de la historia y luego inventé todo alrededor”, explica.
  Otra inspiración para Nelson vino de las verdaderas historias de abuelos que aparecen en las oficinas para reclamar sus ganancias ficticias. “Eso es lo que me llevo a preguntarme qué pasaría si mi viejo padre insiste en que él ganó “, el escritor recuerda. “ ¿Qué haría yo? Pensé que una cierta clase de hijos podría llevarlo de todos modos, y eso es lo que empezó todo este viaje. “
  Pero lo que comienza como una quijotesca cruzada por un millón de dólares se convierte en la búsqueda de algo más importante para un padre y un hijo - algo parecido al perdón tácito. “David quiere mirar a su padre como un buen hombre, a pesar de sus problemas”, dice Nelson. “Y en el interior Woody, quiere arreglar las cosas con su familia, aunque no tiene ni idea de cómo hacerlo.”
  La potente mezcla de humor y las necesidades humanas en el guión de Nelson rápidamente atrajo la atención de la productora ejecutiva Julie M. Thompson, con quien había trabajado en un proyecto.
  “Me reí mucho y me sentía tan reflejada”, recuerda Thompson del guión. “Siendo del Medio Oeste me metí totalmente en estos personajes.” Thompson estaba comprometida, que a su vez se lo entregó a los productores Albert Berger y Ron Yerxa, famosos por una serie de influyentes “comedias”, incluyendo de Payne “Election”, de Jonathan Dayton y Valerie Faris “Pequeña Miss Sunshine” y con Todd Field “Juegos secretos “. Dado el título, Berger y Yerxa inmediatamente pensaron en Payne, y se lo enviaron hace casi una década, no mucho después de que todos hubieran terminado “Election”.
  “Era una historia tan hermosa, contada con ingenio y perspicacia, que pensamos inmediatamente en Alexander”, recuerda Berger. “Sólo habíamos trabajado con él en “Election” y fue una relación muy exitosa. En ese momento, pensamos que Alexander podría guiar a otro director. Lo leyó rápidamente, nos llamó y dijo que tenía un director en mente y dijimos: ¿Quién? ‘y nos dijo: Pues, yo. Ron y yo estuvimos encantados. No podíamos pensar en una mejor elección. Lo único mal era que él acababa de hacer “A propósito de Schmidt “, y estaba a punto de comenzar “Entre copas”.”
  Los productores estaban dispuestos a dársela a Payne cuando estuviera listo. “Las películas de Alexander son muy distintivas “, señala Yerxa. “Siempre están llenas de grandes conceptos, sin embargo, él incrusta esas ideas en una narración amable y entretenida, por lo que al igual que te entretiene, te golpea con algo fresco sobre la vida. “Nebraska” le dio ese tipo de material para trabajar. Se trata de una situación en la vida que la mayoría de nosotros enfrentamos cuando nuestros padres son cada vez mayores . Se trata de un hijo tratando conectar emocionalmente con alguien que parece estar completamente cerrado- y su descubrimiento de que hay algo generoso y digno en el interior de su padre. ¿Cómo se expresa el amor en una familia es un tema muy atractivo, tanto para nosotros como para Alexander.”
  Thompson estaba encantado. “Yo sabía que Ron y Albert, dos productores especialmente adeptos a historias con carácter, entenderían realmente este material y como llevarlo a cabo. Teníamos los productores adecuados, el director adecuado y solo tuvimos que esperar el momento adecuado.”
  Hubo una larga espera, pero el amor de Payne por la historia nunca se fue de su mente, y en la estela de su éxito con “Los descendientes”, el nominado a 5 Oscars, regresó por fin a abordarlo. A Payne siempre le gustó que “ Nebraska “ fuera una historia madura y no sentimentaloide, pero ahora era aún más oportuna.
  “Recibí este hermoso guión hace 9 años, y lo que me atrajo fue que era gracioso y triste, como la vida. También me gustó que el escritor vivió realmente lo que ocurre en esta historia, por lo que se nota personal “, dice Payne. Mientras la rodábamos, todas estas cosas estaban ocurriendo en nuestra sociedad, y llegó a parecer como una nueva era de “la Depresión”. Pero creo que cualquier película toma del momento en que se hace. Los vientos de la época soplan a través de él, ya sea consciente o inconscientemente” .

  Para Alexander Payne, “Nebraska” es una especie de regreso a casa desde sus tres primeras películas - “Citizen Ruth”, “Election” y “A propósito de Schmidt” – en las que estableció su perspectiva apática-curiosa de la cultura americana. Antes había grabado en California y Hawai las igualmente aclamadas “Entre copas” y “Los descendientes”.
  Sin embargo, este es un regreso a un lugar que ha ido cambiando. Es un lugar fuera del alcance de las mareas económicas del Siglo 21, pero aún así capaz de nutrir de un estilo de vida más parecido al que definía este país. Es también un lugar en el que destacan los dilemas de Woody y David
Grant, un padre y un hijo que no están muy seguros de qué hacer con sus futuros.
  Payne eligió las localizaciones para “ Nebraska “ con una meticulosidad que es parte integral de su estilo. De hecho, su inquebrantable pasión por ambientes naturales a menudo se convierte en uno de los principales retos de sus producciones. Dice Berger: “Alexander selecciona lugares tan cuidadosamente como selecciona a los actores.”
  Teniendo en cuenta que la película iba a ser en blanco y negro, el tono era una consideración esencial para los lugares y el vestuario. Fue una experiencia nueva para todos. “Yo nunca he diseñado para blanco y negro antes, pero empecé basándome en lo clásicos y las películas antiguas “, señala el diseñador de producción Dennis Washington, cuyas películas incluyen “El fugitivo”, “El honor de los Prizzi” y “Siempre a tu lado.” “Hemos tenido que aprender de nuevo tácticas utilizadas en el pasado - y luego hemos acoplado nuevas tácticas digitales.”
  Esta re-educación se inició tan pronto como Washington se unió a la película. “Cuando empezamos a probar, empecé a tomar fotos en color y transferirlas a blanco y negro , por lo que podía ver los cambios. Se podría pensar que es obvio lo que va a cambiar, pero no lo es. El foco va a una cosa en color, pero en blanco y negro, de repente está en otra parte. Así que empecé a entenderlo. Más tarde, todo lo que aprendimos nos ayudó a centrar la sutileza donde debe estar, para trabajar con la iluminación, y para saber cuándo y cómo podríamos llevar el contraste hasta conseguir esa calidad magnífica de la fotografía en blanco y negro”.
  Plainview, Nebraska - una ciudad que se hace eco de su humilde nombre - hizo las veces de Hawthorne. “Queríamos una ciudad que pudiera darnos una idea de donde viene Woody, el tipo de ciudad que no ha cambiado mucho. Plainview es un pueblo vibrante - no es exactamente la ciudad del guión - pero tiene un poco de esa sensación de estar situada en su propio tiempo “, dice Washington.
  Y continúa: “ Hawthorne está destinado a ser un lugar que no es demasiado bonito. No se ha aburguesado. Ves una mezcla de lo nuevo y lo viejo, pero tienes la sensación de que esta ciudad no se ha movido mucho. Está sobreviviendo, y también lo están sus gentes. Todo el trabajo que hicimos en la ciudad fue muy sutil”.
  Por el bien de la filmación, muchas señales de la calle fueron cambiados de Plainview a Hawthorne, lo que tuvo sus consecuencias. “Había un repartidor de Fed-ex en busca de una dirección de Plainview y lo único que pudo encontrar fue Hawthorne, por lo que estaba perdido desesperadamente en medio de la ciudad “, se ríe Washington.
  Esta fue la primera vez que Washington trabaja con Payne, una experiencia que él saboreó.” No sé si alguna vez me he pasado tanto tiempo con el director buscando localizaciones, y hablando de la teoría y la historia”, aclara. “Alexander me dijo al principio:” Yo soy muy exigente con las ubicaciones ‘ y él lo que dice lo cumple. Estaba allí con nosotros en casa de extraños diciendo: ‘ Usted no nos conoce, pero nos gustaría ver a su casa. ‘Él siempre tiene algo muy específico en mente, pero siempre está abierto a las oportunidades. Estas en el coche con él y de repente decir “ Mira esa señal. Tenemos que tener esa señal. “Todo eso enriquece la historia en cada momento”.
  Para la diseñadora de vestuario Wendy Chuck, que ha trabajado con Payne ya en “Election”, “Nebraska “ fue un verdadero estudio de sutileza. Mientras trabajaba meticulosamente para permitir que los personajes parecieran lo opuesto a la meticulosidad, para ser tan real, natural y casual
como cualquier persona que te encuentras en una calle del Medio Oeste.
  Para Woody, Bruce Dern, tomó un enfoque de menos a más. “Todo comenzó con la búsqueda de los zapatos adecuados “, explica. “Él hace todo esto a pie en el frío. Así que empecé con lo que me llevó a ser un calzado cómodo de ‘anciano’. Entonces, decidí mantenerle en los mismos vaqueros toda la película. ¿Piensas ‘ oh, sólo jeans’ pero queríamos sólo ese tipo de pantalones que tal vez haya comprado demasiado tiempo y, finalmente, empiezan a deshilacharse en la parte inferior. Pusimos un poco de edad y pátina real en sus pantalones”.
  Del mismo modo el equipo de Chuck puso las camisas a cuadros de Woody en un mezclador de cemento y los empapó con limón para desvanecerse hacia fuera y parecer tan fatigadas como él. La camisa se coronó con la chaqueta que lleva Woody toda la película. “Tuvimos suerte de encontrar la chaqueta perfecta en el Ejército de Salvación en Norfolk , Nebraska”, dice Chuck. “Tenía la textura adecuada, todos los años y le da a Bruce simplemente la forma adecuada para su actuación. Le da un aspecto característico, y eso es lo que ves en Woody”.
  David comienza en un estilo más contemporáneo, pero según la película avanza, en última instancia, se hace eco de los cuadros y pantalones vaqueros de su padre.”Los vemos ir tendiendo hacia el mismo sitio,” Chuck observa.” David tiene similar a la de Woody, pero en versiones ligeramente diferentes.”
  A pesar de que estaba trabajando con artículos de uso diario como las blusas de June o los sombreros de Stacy Keach, Chuck tuvo la sensación de que estaba creando un luminoso retrato de la vida cotidiana.”A partir de la primera semana en esta película, estaba en lo más alto porque me sentí como si estuviera contribuyendo a lo que considero que es una obra de arte “, dice ella. “Es muy emocionante para despertar cada día y sentir pasión por lo que haces, estar emocionado por ir al set, ver a la gente que amas, colaborar con ellos y todas las noches, querer más de esa experiencia. Tener hambre para más, eso es un regalo”.
  En la fotografía, Payne y su editor de toda la vida de Kevin Tent , que ha cortado todas sus películas, comenzó a tejer el relato en su forma final . Los toques finales incluyen una canción de Mark Orton, el compositor y multi instrumentista conocido como miembro del grupo de cámara Tin Hat Trio “Alexander comenzó utilizando una pista temporal de Tin Hat Trio, pero se quedó tan enamorado de la música que trajo a Mark para hacer más”, explica Berger. “La música de Mark tiene una inquietante calidad, es conmovedora y muy cinematográfica. La música que nos dio realmente se ajusta el paisaje y la calidad de los personajes - hay esa misma mezcla de humor y profundidad en la misma”.
  Ese mismo combo finamente impregna toda la película, pero el cine sigue siendo discreto hasta el punto de que el público es invitado a traer sus propias experiencias a la mezcla.
  “Creo que para muchas personas es un viaje por carretera con un padre, o un momento con un padre, que siempre habrías querido que sucediera”, concluye Yerxa. “Tal vez nunca pasó, pero siempre está ahí en tu mente.”Nebraska” es ese viaje”

  Una de las primeras decisiones de Alexander Payne “Nebraska “ fue rodar la película en blanco y negro. Sabía que sería un riesgo, pero era básico para visión de la historia. “El estilo visual fue lo que enmarcaba la película”, señala. “El lanco y Negro parecía la elección correcta para esta película, porque es siempre la forma en que lo leí y lo vi”, explica Payne. “Siempre he querido hacer una película en blanco y negro. Es un formato tan hermoso. Y esta modesta y austera historia se presta a un estilo visual tan crudo, simple y directo como las vidas de las personas de la película”.
  Todos los involucrados en la película se sintieron intrigados por la idea, a pesar de la incertidumbre que rodea al blanco y negro como medio en el mundo del cine de hoy. Dice Berger: “Alexander siempre ha estado interesado en una mirada auténtica, pero el blanco y negro da esta historia algo icónico. Él y Phedon Papamichael usaron el blanco y negro y el Cinemascope para darle más fuerza a la narración A veces, me se me parecía a la obra de John Ford o a “La última película” de Peter Bogdanovich - es una película que encaja en ese tipo de tradición estadounidense de la narración visual. Y Phedon es un director de fotografía increíble así que fue emocionante poder darle esta oportunidad de estirar realmente su talento”.
  Yerxa añade, “ Phedon realmente tiene la capacidad de encontrar la belleza en lo mundano. Creo que el aspecto de la película tiene la cualidad de que llevarnos al Medio Oeste de los Estados Unidos mentalmente. Te permite considerar lo que entra en nuestra idea por excelencia de la cultura
americana en un ambiente acogedor y forma atmosférico”.
  El blanco y negro centró la dirección aún más. “ Cada cuadro fue planeado meticulosamente para crear este mundo en blanco y negro, “ dice George Parra. “ Alexander y Phedon buscan la pureza.
  No hay un montón de tomas con grúa o levas constantes, así que es muy a lo Billy Wilder en la manera de contar la historia.”
 Los actores estaban también en ello. “Esta película es perfecta para blanco y negro, ya que le permite centrarse en el comportamiento humano “, señala Stacy Keach. “No hay distracciones.”
  Papamichael, quien también rodó “Entre copas” y “Los Descendientes”, dice que Payne habló del blanco y negro a partir del primer momento. “Así es como él lo veía en su cabeza “, dice, “ por lo que a pesar de que había una serie de luchas acerca de cómo hacer que esto suceda, siempre fue el plan.”
  Los detalles de tono y la textura surgieron de una serie de pruebas. “Hicimos un montón y un montón de pruebas”, recuerda, “para encontrar la mirada particular de blanco y negro y que era lo correcta para la película. No hay nada estilizado en él, sin embargo. Es una mirada de alto contraste que apoya la comedia humana y realmente establece el estado de ánimo”.
  Papamichael señala que todos querían aprovechar al máximo la oportunidad creativa. “Definitivamente sabíamos que esta podría ser la única vez en la vida que tendríamos la oportunidad de hacer una película en blanco y negro, que creo que es el sueño de muchos cineastas, así que me gustó mucho.
  Al final, hubo la sensación de “¿cómo podemos volver a hacer películas en color de nuevo?” Es como una realidad completamente nueva”.
 Para analizar a fondo esa realidad, él y Payne vieron detenidamente cine negro, el neorrealismo italiano y cine americano contemporáneo, como “La última película” (en particular, el padre de Papamichael grabó la secuela de “La última película”, “Texasville”), pero el factor decisivo eran los
personajes.
  “La forma en que el blanco y negro se mezcla con la textura de la cara de Bruce Dern, con todos los matices de su actuación, es increíble”, señala. “Igualmente importante fue la decisión de grabar con lentes anamórficas , que realmente se prestan a estos paisajes - la inmensidad de ellos, el poder del cielo, la textura de los campos, el sentir de las comunidades del medio oeste.”
  La decisión de rodar con cámaras Arri Alexa llegó después de probar extensivamente color y blanco y negro y darnos cuenta que las digitales ofrecían más variedad y flexibilidad. En la post -producción, se añadió a continuación una capa de grano de película auténtica a la impresión digital para simular la urdimbre y la trama del celuloide.
  Esta fue la primera vez Papamichael había rodado en el Medio Oeste, y se encontró seducido por sus gentes. “Hay maravillosos paisajes arquetípicos, pero algunas de mis escenas favoritas son estas postales de gran alcance humano”, dice.

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