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    Con SIGUE VOLANDO (Hotsureru), el cineasta japonés Takuya Katô confirma su sensibilidad para retratar los vínculos humanos desde una perspectiva sobria y emocionalmente contenida. Tras su debut con Grown-ups (2022), Katô vuelve a explorar los silencios y las contradicciones de sus personajes, esta vez con una puesta en escena que privilegia la distancia y la observación. Su formación como dramaturgo y director teatral se refleja en la precisión de los diálogos y en la construcción de atmósferas íntimas. En 2024, Katô firma la serie drámatica de Netfilx Seven Orifices.

  El reparto de SIGUE VOLANDO reúne a tres de los rostros más reconocibles del cine de autor japonés contemporáneo. Mugi Kadowaki (El chico de Asakusa), Shôta Sometani (Estafadores de Tokio), Haru Kuroki (Un pueblo tranquilo), ganadora del Oso de Plata en Berlín por La casa del tejado rojo y Kentarô Tamura (Tokio Blues). El director, considerado como una voz emergente en el cine asiático, eligió personalmente a cada actor, buscando “una familiaridad entre los espectadores y los personajes”.

ENTREVISTA CON TAKUYA KATO...
SIGUE VOLANDO es su segundo largometraje. Usted es cineasta, pero también dramaturgo y director teatral...
Es cierto que suelo trabajar principalmente para el teatro, para el que escribo y dirijo. SIGUE VOLANDO es el segundo largometraje que dirijo, y hasta ahora, mi experiencia teatral ha sido mi actividad principal. En el futuro, me gustaría seguir haciendo ambas cosas en paralelo. Se podría decir que el punto en común entre el teatro y el cine es que nos permiten mirar dentro de espacios que suelen ser privados, a los que generalmente no podemos acceder a menos que nos inviten. Son sentimientos que se pueden escenificar en ambas artes.

¿Qué le hizo elegir el cine en lugar del teatro para contar la historia de Watako?...
Desarrollé este personaje en paralelo en ambos frentes, ya que también escribí una obra de teatro en la que aparecía un personaje llamado Watako. Es un poco diferente de la Watako de la película, pero sigue siendo un personaje que he madurado durante bastante tiempo.

¿Qué le ocurre a la otra Watako?...
En la obra de teatro, Watako se siente culpable de la muerte de su amante, e incluso se da a entender que ella lo mató. La obra y la película son dos caras de la misma historia. El título japonés de la película significa «desenredar», mientras que el de la obra significa «enredar». En el origen de este proyecto, me cuestioné la etimología de la palabra «enredo». Visualicé este espacio en el que dos trayectorias convergen y se entrelazan hasta que ya no pueden desenredarse. La cuestión era cómo desenredar esta situación enmarañada. Para desenredar las cosas, habría que retroceder exactamente por el mismo camino seguido hasta entonces, sin desviarse ni un paso, o arriesgarse a volver a enredarse en otra parte. Esta noción puede aplicarse a nuestras vidas. La gente de mi generación siente a veces que si cometemos un solo error podemos ser expulsados de la sociedad. Existe una presión constante para tomar la decisión correcta o enfrentarse a la exclusión. De hecho, Watako decide tener un amante, pero tras la muerte de éste, se ve obligada a decidir qué hacer a continuación: si es buena idea seguir con su marido, y por qué. Estas elecciones a las que nos enfrentamos me intrigaron mucho, y por eso quise abordarlas de dos formas distintas.

Estamos encantados de ver en SIGUE VOLANDO a varias caras conocidas del cine de autor japonés contemporáneo: Haru Kuroki, Kanji Furutachi, Shota Sometani y, en el papel protagonista, Mugi Kadowaki. ¿Qué motivó su elección?...
Elegí personalmente a cada actor. El hecho de que ya fueran famosos, de que su cara me resultara familiar o de que hubieran aparecido en películas proyectadas en festivales internacionales no fue en absoluto un criterio. La elección se basó en su interpretación y en su capacidad para prosperar en mi película. Para mí era importante que el público pudiera identificarse con ellos o reconocer características de personas que conoce. En este sentido, quería despertar cierta familiaridad entre los espectadores y los actores. En Japón, tendemos siempre a suavizar las cosas, incluso cuando hablamos con amigos o personas cercanas. Las palabras suelen ser muy suaves para evitar herir a la otra persona o dañar su integridad, y creo que esto es bastante específico de la cultura japonesa. Por eso elegí personajes que pudieran encarnar esta especificidad.

El trabajo sobre la iluminación y los decorados, a la vez elegantes y casi fríos, contribuye a traducir visualmente esta noción de moderación. ¿Puede hablarnos más de estas elecciones estéticas?...
Elegí cada lugar de rodaje pensando en el corte de cada plano, quizá por eso algunos decorados aparentemente cálidos pueden evocar esta noción. Creo que también está relacionado con la elección del formato de la imagen, la elección del objetivo, pero también la distancia entre la cámara y el sujeto filmado. Me preocupé de dar la impresión de que somos espectadores de la intimidad de esta joven y de los personajes en general. Por tanto, era importante que no estuviéramos demasiado cerca de ella.
Es cierto que esto puede parecer bastante frío, pero me pareció que esta distancia era importante, ya que debía permitir al espectador interrogarse sobre sus propios sentimientos. Normalmente, en cuanto hay emoción en una película, la cámara tiende a acompañar, a acercarse cada vez más a la persona que está filmando. Me aseguré de mantener cierta distancia para que el espectador tenga espacio para hacerse preguntas, para preguntarse qué estará pensando el personaje. El comportamiento de las personas es imprevisible, nunca podemos anticipar con certeza sus decisiones. Estas elecciones escénicas corresponden en cierto modo a este estado de ánimo.

La historia de Watako es trágica, pero esta contención hace que SIGUE VOLANDO nunca se parezca a un melodrama clásico. ¿Qué le interesaba de esta paradoja?...
Es cierto que la cuestión del melodrama no se me pasó por la cabeza como tal. Cuando
escribí esta película, tenía en mente los tres polos que generalmente estructuran a las personas y sus reacciones: lo que piensan, cómo actúan y lo que dicen. Al principio suelen ser distintos. Su convergencia es compleja e imprevisible y constituye realmente a los personajes. Me centré sobre todo en describir esto con la mayor precisión posible.
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Como guionista, ¿cómo se aseguró de mantener el equilibrio ideal entre decir lo suficiente y no decir demasiado?...
Creo que fue realmente una cuestión de sentimiento. Yo diría que los japoneses tienen esta noción de una línea a la que uno puede acercarse dependiendo del grado de intimidad, pero que es mejor no cruzar. Todos sabemos instintivamente lo que podemos decir o no, hasta dónde podemos expresarnos. ¿Qué podemos decir a los seres queridos, a los amigos o al marido con el que uno está más o menos unido en el momento de la historia? Estas eran las preguntas que tenía en mente mientras escribía. Generalmente, el texto que se da a los actores tiende a alinearse con las emociones que sienten los personajes. Sin embargo, yo quería optar por un enfoque diferente: centrarme en lo que dirían los personajes en esa situación, en lugar de en lo que realmente sienten.

Esta discrepancia se refleja en las diferentes escenas retrospectivas, que usted nunca anuncia inicialmente como tales, de modo que uno sólo se da cuenta al cabo de un rato de que ya no estamos en la misma secuencia. ¿Qué motivó esta decisión?...
Realmente traté la cuestión de los flashbacks adoptando el punto de vista de Watako. Intervienen en función de la evolución de sus sentimientos. Esto puede causar confusión sobre en qué punto de la narración nos encontramos, pero esta cuestión no se planteó realmente, ya que me basé en ella como hilo conductor. Esta era la estructura que tenía en mente desde la fase de escritura del guión. Por ejemplo, en la escena del aeropuerto al principio de la película, el marido está allí para arreglar algo, pero la mente de Watako se escapa, como si intentara huir de algo. Es entonces cuando reaparece su amante. Quería que la escritura tradujera exactamente cómo el recuerdo vuelve a ella.

En la primera escena, Watako está sola en la pantalla mientras oímos una voz masculina en off que no sabemos si pertenece a su marido o a su amante. ¿Por qué decidió abrir la película con esta ambigüedad?...
En esta secuencia inicial, quería mostrar sólo a Watako porque la película gira en torno a ella. Se niega a ver muchas cosas, como el deterioro de la relación con su marido, la tensa relación con su suegra, que le pregunta por qué no tienen hijos, o el hecho de que su marido tenga un hijo con otra mujer. Todas estas son realidades que Watako se niega a ver. Quería que esta toma inicial mostrara ya esta negación de la que ella se irá liberando poco a poco. Por eso elegí dirigirme a ella fuera de la pantalla.

Cada personaje de SIGUE VOLANDO tiene su propia forma de hablar y de expresar o no lo que siente. El marido de Watako es especialmente directo, pero sus frases son tan frías que al final no expresan nada íntimo. ¿Cómo enfocaste sus diálogos?...
Para mí, el marido de Watako es muy estratégico, intenta tener el control sobre ella. Siempre intenta encontrar formas de controlarla sin que ella se dé cuenta, utilizando frases que evitan la confrontación directa. Por ejemplo, en la escena del pasillo, él quiere arreglar las cosas, mejorarlas. Quiere proponerle una cita, pero en lugar de tomar directamente la iniciativa y decir: «Quiero llevarte a este sitio», pregunta: «¿No hay ningún sitio al que te gustaría ir?». Esta forma indirecta de preguntar, evitando los objetivos directos, es una manera de que él tenga el control. En la escena del aeropuerto, en lugar de decir «Podríamos comer juntos», dice: «¿Qué hacemos ahora?». Esta forma de hablar, haciendo que la otra persona elija, es una manera de tener poder sobre ella.

Entre todos los personajes de la película, ¿hay alguno que crea que acepta mejor y expresa sus sentimientos con más sencillez que los demás?...
No (risas). Por ejemplo, la amiga de Watako nunca le dice cara a cara lo que realmente piensa sobre su relación con su amante. En cuanto al padre del amante, siente una especie de frustración y malestar por la situación. Cuando le pide permiso a Watako para hablar de ella a la mujer de su hijo, no está pensando en el bienestar de ésta ni de Watako, está pensando ante todo en sí mismo. Así que sí, en mi película, todos los personajes tienen un problema de comunicación.

Al igual que la primera escena, el final tiene su propia ambigüedad. ¿Diría que es un final feliz?...
Sí, para mí es más bien un final optimista porque Watako por fin acepta enfrentarse a las cosas que intentaba evitar. Por fin se preocupa por lo que está viviendo. Tomar las riendas de su vida, para mí, es necesariamente positivo.

Esta noción de sentir o no sentir preocupación por las cosas evoca la definición de melancolía de Freud. Él comparó esta «pérdida de la capacidad de amar lo que nos rodea» con una especie de duelo, que se hace eco del viaje de Watako...
Cuando imaginé el personaje de Watako, pensé que si mostraba tal desapego era por miedo a que la hirieran. Abrir las compuertas de los sentimientos significaría tener que enfrentarse a la profundidad de su herida. De eso quiere protegerse. La cuestión que quería abordar con esta película es la de la responsabilidad, la de sentirnos concernidos o no por los acontecimientos que vivimos. Creo que en Japón hay una tendencia a pensar que no nos concierne, que no nos afecta, que sucede fuera de nosotros. A través de la negación de Watako, quería hablar de esta tendencia actual de la sociedad japonesa a mirar hacia otro lado, a no querer ver las cosas cara a cara. Creo que estas pequeñas historias individuales nos permiten hablar más ampliamente de la sociedad.
La pérdida también es un tema que quería abordar, pero la cuestión de la comunicación era lo más importante para mí. La cuestión del verbo, de la palabra, también era muy importante. ¿Puede el diálogo resolver los problemas? ¿Puede el hecho de que los dos cónyuges mantengan una conversación bastar para arreglar las cosas entre ellos? Ambos deciden seguir juntos o no, pero ¿es esta conversación la que les permitirá ser felices? ¿Es la conversación la mejor manera de resolver los problemas? Personalmente, me cuesta creer que una conversación pueda solucionarlo todo, porque para intercambiar de verdad con alguien se necesita un razonamiento intelectual coherente, hay que ser capaz de razonar constructivamente. A veces nuestro razonamiento es bueno pero no siempre está en fase con nuestros sentimientos. En este caso, ¿debemos privilegiar el razonamiento sobre los sentimientos o viceversa? Me resulta difícil encontrar una convergencia entre ambos.

Dice usted que este tema resuena especialmente en los códigos de la sociedad japonesa. ¿Ha observado reacciones diferentes entre el público extranjero y el japonés?...
La película aún no se ha visto mucho en el extranjero, así que es difícil comparar, pero estuve presente en la primera proyección pública en el Festival de los 3 Continentes y sí noté diferencias. En general, el público japonés es muy discreto, mientras que el extranjero tiende a expresarse más, incluso durante la proyección. En Japón, pensamos que es mejor no reírse en el cine porque podría molestar a los demás espectadores, ¡así que nos prohibimos reírnos!

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