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  La directora Léa Mysius explica el origen de la historia y por qué la enmarca en el género fantástico: "la película nace en torno a la idea de una niña obsesionada con los olores. Viene de un interés muy personal en el tema. Desde que era muy joven, me he estado entrenando para oler, reconocer aromas y reproducirlos, pero no se trataba de un deseo de entrar en el mundo de la perfumería; era algo más primitivo, más puramente sensorial.
  De otra parte, el género fantástico me permitía hablar de las obsesiones humanas de una manera lúdica, espectacular y escalofriante. Quería que esta película nos hiciera reflexionar sobre nuestra sociedad, nuestras opciones de vida, nuestras desilusiones, nuestras obsesiones. Lo fantástico es sólo un medio y no un fin".

ENTREVISTA A LA DIRECTORA...
¿Cómo nació Los cinco diablos?...
Nace del deseo de dar vida a estos personajes. El guion se construyó como un mosaico sobre la idea de una niña obsesionada por los olores, lo cual me interesa mucho personalmente. Desde que era adolescente me he entrenado en reconocer y reproducir aromas.
Cuando era pequeña hacía pociones asquerosas, y más tarde busqué formación específica sobre extracción y composición de perfumes. Pero el objetivo no era dedicarme a ello profesionalmente, era algo más primitivo, un impulso sensorial sin relación con lo industrial.
Primero imaginé las escenas desordenadas, empezando con los personajes de la familia Soler (en particular Joanne –AdèleExarchopoulos-y Vicky –Sally Dramé) y luego, poco a poco, organicé la historia en torno a las escenas fundacionales. Mientras lo escribía leí muchos autores americanos como James Baldwin, JimHarrison y Maya Angelou, y creo que ahí nació la inspiración, aunque yo siempre busqué anclar la película a Francia e introducir cuestiones sociopolíticas de otro continente. Lo que permanece es el deseo de mitificar lugares y personajes como hace JimHarrison en Dalvao Philip Rothen American Pastoral. Siguiendo ese deseo, situé la historia al pie de los Alpes, e un escenario grandioso con una familia interracial y un personaje mítico: Joanne, antigua Miss Rhônes-Alpes convertida en profesora de natación, cuya hija, Vicky, intenta descubrir su paso oculto.
Me gustaba la idea de que el observador de la historia fuera una niña solitaria de aspecto peculiar y un poco inquietante. Una de mis mayores referencias mientras escribía fue El tambor de hojalata, de VolkerSchlöndorff, una película que me persigue. Alguien que leyó el guion lo describió como una saga íntima, y me gusta bastante.
No quería que la película fuera demasiado cerebral. El género fantástico me permitía hablar sobre los recovecos de las obsesiones humanas de forma sobrecogedora y espectacular, mezclado referencias literarias y psicoanalíticas con referencias cinematográficas como El resplandor, Twin PeaksoDéjame salir. La película se sitúa en la encrucijada de todos estos pensamientos y deseos propios, los cuales le dan un aspecto híbrido.
Quería anclar la narrativa en las montañas de un pequeño pueblo francés. Me gusta mostrar la Francia que no se suele ver en el cine, y hablar de una familia francesa de hoy en día en un pueblo francés de hoy en día con problemas actuales. Quería que la película nos haga reflexionar sobre nuestra sociedad, nuestras elecciones vitales, nuestros engaños y obsesiones. Lo fantástico es solo un medio, no un fin en sí mismo.

¿Dirías que esta es una película implícitamente política?...
Sí. Cuando hago una película siempre me debato entre mostrar la realidad tal como es o proponer nuevos sistemas de representación. Quería que el personaje principal fuera femenino y mestizo. Para mí era muy importante mostrar diversidad en un pueblo de montaña. Sobre todo en estos tiempos en que la Agrupación Nacional (el antiguo Frente Nacional) es el segundo partido de Francia. Por eso es una película política, porque muestra personajes femeninos y/o de orígenes inmigrante que controlan su destino y portan el deseo de la emancipación frente a los mandatos sociales del pueblo y sus habitantes. También es política al mostrar el racismo latente y la homofobia que esos mismos personajes sufren. No quería que fuera demasiado evidente, sobre todo para demostrar lo insidioso que puede ser la maldad. Si los habitantes del pueblo rechazan a Julia es porque ha cometido un crimen, no por ser negra o gay, pero sentimos que su identidad agrava el rechazo. Quería que todas estas cosas no dichas habitaran la película hasta volverse sofocante. Están representadas por las enormes montañas que rodean el pueblo, las cuales le dan una atmósfera particular. Los niños que se meten con Vicky le llaman “escobilla” por su pelo afro. El padre de Joanne (Patrick Bouchitey) parece un abuelo divertido y un padre cariñoso, pero en realidad es homófono y racista. No quería que fuera muy llamativo, sino que se extendiese como un veneno. Quería revelar de manera sutil e indirecta que la homofobia, el racismo y el odio a lo diferente todavía está muy presente, aunque no lo parezca en la superficie. Y esos son los pilares del odio, basado en miedo irracionales, cuidadosamente cultivados, miedos terroríficos contra los que debemos luchar. No te dejes embaucar por los discursos y “chistes” que edulcoran la realidad.
Me gustaría que esta galería de personajes, que vamos descubriendo una a uno, nos ayuden a ampliar nuestros sentidos y juicios, a aceptar ciertas cosas y rechazar otras. Nada es nunca blanco o negro. Espero queLos cinco diablos anime al espectador a mantener su mente activa y alerta. Porque eso es lo que me parece peligroso ante el auge de la extrema derecha y el discurso de odio y estigmatización: la pasividad.
El padre de Joanna es poco sutil pero intuye la sexualidad de su hija, pues la historia gira en torno a resentimientos románticos, a parejas que no salieron como esperaban, a veces para bien pero sobre todo para mal.
Podríamos resumir Los cinco diablos como una historia de vidas fallidas o frustradas. Por eso es una tragedia, cada adulto se ha equivocado en algún momento de su vida y son infelices. La parte positiva es que esos “errores” han permitido que Vicky naciera. Nada se pierde nunca, si no podemos recuperar el tiempo perdido, siempre tenemos opciones, las cosas no están escritas en piedra. Podemos actuar.

Los hombres están en los márgenes de la historia, son las mujeres las que actúan, quienes fantasean y precipitan los acontecimientos. ¿Se podría decir que es una película sobre el poder de las mujeres, sea este positivo o maligno?...
No me la planteé así. En la historia son las mujeres quienes tienen el poder, son poderosas y actúan, no como los hombres. Jimmy (MoustaphaMbengue) es insustancial pero al final toma la decisión correcta, se aparta para dejar que la mujer que ama sea feliz. Me parece algo hermoso y le hace poderoso de otra manera. Los cinco diabloshabla sobre la transmisión, los poderes mágicos de Julia y Vicky pasan de mujer a mujer. Como a muchas feministas hoy en día, me fascina la figura de la bruja y el poder irredento de las mujeres. Sin querer excluir a los hombres, aunque queden un poco de fondo, intento presentar una alternativa al rol masculino tradicional.
Al final, la pequeña Vicky es la más poderosa, pues es debido a sus poderes y a su intervención que Joanne y Julia se separan. Como consecuencia, Joanne se queda con Jimmy y de esta forma nace Vicky. Es un poder pero también una enorme carga: tener que luchar para existir. Y es aún más difícil cuando eres una mujer, y en este caso una niña mestiza.
Los acontecimientos de la película se desencadenan porque dos mujeres quieren recuperar el amor y el deseo perdidos. Su sexualidad es la fuerza motriz de la historia ¿podríamos decir que es una película sobre el poder del poder sexual femenino?
No lo había teorizado de esa forma pero sí, el deseo está en el centro de mi trabajo y mis obsesiones. Pero no creo que la sexualidad sea el motor de la historia, el deseo no es solo sexual. La fuerza motriz es Vicky en busca de su origen. Al principio ella ve a Julia como una rival por el amor de su madre, un obstáculo a eliminar. Su viaje le hace darse cuenta de que el amor no disminuye cuando se comparte, por el contrario aumenta. Vicky crece y aprende a manejar mejor su inmaduro deseo de poseer a su madre. Además gana independencia emocional y reconecta con su padre, a quien había ignorado hasta entonces. Es una película sobre la reconciliación. El caos que provoca la llegada de Julia lleva a una reorganización y se encuentra un nuevo equilibrio más pacífico, fuerte y feliz.
En línea con el papel central de la feminidad en la película, la geografía también es importante. El pueblo aislado en el fondo de un valle evoca al Western, pero también es una metáfora femenina: una crisálida, un lugar uterino.
Es cierto. El lago es a la vez protector y peligroso. También es donde Vicky fue concebida, si piensas en la escena primigenia donde ella ve a su madre y a Julia amarse en el coche frente al lago. Todo esto se oculta en la película. Quería que estuviera presente de forma subconsciente, que las imágenes hicieran permearan sin que el espectador se diese cuenta, de modo que cuando ves la película sientes un momento muy intenso, hermoso y emocionante, y no te das cuenta del impacto que tiene hasta más tarde. Te produce una sensación oscura.
No es solo el agua, hay cuatro elementos presentes: tierra, aire, agua y fuego… es probable que la película tenga una faceta mística.

¿Tenías el escenario montañoso en mente desde el principio?...
Sí, probablemente como reacción a Ava. Después de las playas y el sol quería filmar montañas, frío y nieve. Y al contrario que en Ava, que se ambienta en paisajes abiertos, quería que esta vez los paisajes fueran opresivos. Además las montañas facilitan el tono fantástico. No conocía la zona en absoluto, quería ir a verla por curiosidad y con ganas de aventura. Fui con Esther Mysius, mi hermana gemela, una de mis colaboradoras más valiosas y responsable del diseño de producción de esta película, y encontramos el valle escarpado, un lugar extraño donde el sol se pone tras las montañas a las dos de la tarde (lo cual nos beneficiaba porque parecía el crepúsculo durante varias horas al día). Esther me animó a buscar localizaciones más “fantásticas”, se lo agradezco porque al principio tenía una idea más ordinaria de los escenarios. Ella encontró la urbanización con casitas puntiagudas, con las montañas de fondo, el lago. Esther amplió las posibilidades de localización más allá de mi imaginación y dio auténtica personalidad a la película, el misterio que buscábamos, y el aspecto mitológico que comentaba antes.
La apariencia opresiva, que puede compararse a una isla, era perfecta para contar esta historia en una ciudad pequeña y aislada. Por último, la montaña reforzaba la sensación de cuento de hadas que buscaba. Las localizaciones y personajes me permitieron escribir una historia familiar y fantástica. Escribí y filmé Los cinco diablos oscilando entre ambos géneros, aunque podrían haberse mezclado desde el principio. Las películas fantásticas a menudo hablan de familias, pero no sé por qué ambos géneros estuvieron en conflicto durante mucho tiempo durante la producción.
Marie Loustalot(la montadora) y yo nos debatíamos constantemente entre hacer una película informal, pop y divertida sobre una familia, o hacer una película de género seria, oscura, misteriosa e inquietante siguiendo los códigos estrictos. Y fue siguiendo los códigos del género cuando Los cinco diablos tomó su auténtica forma. Paradójicamente, al seguir los códigos encontré la originalidad de la película. Creo que tenía miedo porque en Francia no se aceptan del todo las películas de género, aunque cada vez haya más. Pero el equilibrio no era fácil de encontrar.

¿Teníais mucho material con el que trabajar?...
No tanto porque rodamos en 35 milímetros, así que estábamos limitadas por el presupuesto, y además tuvimos poco tiempo (7 semanas), aunque son plazos habituales hoy en día. Rodábamos de media una hora de cinta al día. Durante el montaje no nos deshicimos de muchas escenas sino que las editamos una a una de modo que al final la película está mucho más ajustada que el guion. Sobre todo porque queríamos que la película estuviera constantemente en movimiento, para mantener la idea que habíamos trabajado con Paul Guilhaume, el director de fotografía. Metimos mucha información en el guion a propósito para poder cortar lo superfluo durante el montaje, para mantener el misterio. Leí muchos guiones de David Lynch, que tiene una estructura clásica y sólida, y me di cuenta de que cuando los comparas con las películas, hay muchas explicaciones y anotaciones que desaparecen en el montaje. Así se construye el misterio. Intentamos hacerlo de la misma manera, como un juego de Kapla, que se juega construyendo una torre con piececitas de madera que luego vas quitando una a una. Nuestro juego durante el montaje fue exactamente así, quitar toda la información posible sin que se caiga la torre.
Háblanos de la colaboración con Paul Guilhaume, coguionista y director de fotografía. Es poco común que una persona se haga cargo de ambas posiciones.
Sí, es una colaboración importantísima. En la práctica yo escribí el guion, pero estuvimos hablando durante todo el proceso y Paul me ayudó con la estructura, me ayudó a ir más lejos pero no demasiado porque tiendo a pasarme. Además me ayuda a estar más atenta a las imágenes que trabajamos. Él aportó el movimiento a la película.
Pensamos que había que mantener el movimiento en la película todo el tiempo, y la única escena de plano/contra plano en una cena fue eliminada. La volvimos a filmar cama en mano en otro escenario, porque sentíamos que no encajaba para nada en la gramática de la película.

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