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ENTREVISTA A LA DIRECTORA...
¿Cómo surgió la idea de Wolf and Dog?...
Siempre hay una imagen, una conversación, algo que oyes o ves que desencadena el deseo de hacer una película. En el caso de Wolf and Dog, fue una escena de la que fui testigo. En 2016, me invitaron a una residencia artística en la isla de São Miguel. En los primeros días de mi estancia, bajé a un lugar de pesca de donde me alojaba. Me senté en un muro bajo para observar a un grupo de pescadores que limpiaban sus redes. Eran hombres de cuerpos poderosos, brazos y piernas tatuados y rostros esculpidos por el sufrimiento y la vida marina. No había ni una sola mujer en el horizonte, era un ambiente masculino casi cerrado. Yo los observaba desde la distancia y de repente vi acercarse a un grupo de chicas. Eran jóvenes y guapas, llevaban vestidos ligeros y la cara maquillada. Al pasar, me sonrieron y me di cuenta de que eran jóvenes transexuales. Al verlas caminar hacia el grupo de pescadores, me pregunté si se comportarían bien con ellos. Seguí la escena con la mirada y, para mi sorpresa, el grupo de mujeres jóvenes se acercó a los pescadores, que las abrazaron y besaron. Me di cuenta de que estaban unidos, de que tenían lazos familiares. Al parecer, estos mundos opuestos sabían comunicarse entre sí aunque hubiera cierta tensión. Esperé a que las chicas volvieran hacia mí para hablar con ellas. Fue entonces cuando empezó todo. Unos años de investigación, escritura y producción después, nació Wolf and Dog.

¿Qué lugar ocupa la película en su filmografía, existe algún vínculo con sus películas anteriores?...
El proceso de investigación y construcción de Wolf and Dog fue exactamente el mismo que el de mis documentales: mi interés por alguien, desplazarme cerca de donde vive esa persona, una especie de encuesta para reunir material narrativo y visual, el casting y, al mismo tiempo,, la constante escritura y reescritura. Lo mejor de esta película es que desde el principio supe que tendría más presupuesto y que podría trabajar con un equipo mayor de lo habitual y, al mismo tiempo, ser más ambiciosos técnicamente. Me permití utilizar la ficción como un espacio de libertad para los personajes. Mucho de los jóvenes de la película, en su vida cotidiana, no se permiten ser quienes realmente son.
Esto sólo era posible a través de la ficción. Pero la gramática del cine sigue siendo la misma.

¿Qué le atrajo de las Azores y, más concretamente, de la isla de São Miguel?...
Me interesaban mucho las historias particulares asociadas a este lugar: la forma tan musical de hablar portugués, las tradiciones culturales, la presencia tan profunda de la religión, las leyendas locales llenas de misterio y, sobre todo, la impresionante polaridad entre generaciones. También me gustan los lugares que tienen cualidades cinematográficas, como los de la isla de São Miguel. El mayor reto para mí era captar todo esto. Tuve la misma sensación de encanto hace unos años, cuando rodé en Japón una película sobre las Amas, las pescadoras submarinas. Sentí el mismo amor a primera vista por este lugar que por esta isla.

¿Cuáles eran las especificidades de la isla en términos de género?...
Las islas son lugares paradójicos: por un lado, la gente vive entre sí, en un círculo vicioso, y por otro, el mar representa un acceso directo al resto del mundo. También observé allí, y más aún en los barrios populares, una asignación muy estereotipada de los papeles de género: las mujeres siguen estando muy asociadas a las tareas domésticas y relacionadas con los niños, y los hombres al trabajo físico, como la pesca o la agricultura. Las nuevas generaciones crecen en este contexto al tiempo que tienen una conexión real con el resto del mundo a través de las redes sociales. Son jóvenes con nuevas herramientas que saben que la vida puede ser mejor que la que viven en casa. Son el puente hacia la vida, aunque muchos isleños no los reconozcan como tales.

¿Cómo describiría a los tres personajes principales de la película, Ana, Luis y Cloé?...
Ana es una joven muy conectada con su mundo interior y algo contemplativa. A través de lo que ve, construye en silencio el mundo que sueña para sí misma. Ana es un poco como la vocecita que hay en cada uno de nosotros, libre y encaramada.
Luis es quien rompe todos los modelos de su rol social. No lo hace con espíritu de combate, sino por un sentimiento de libertad y a pesar de la mirada de los demás, especialmente de su padre y de sus compañeros de clase. Tiene la fuerza de un volcán en su interior, que puede explotar en cualquier momento.
Cloé es un cometa en el cielo de Ana. Trae consigo todo el brillo de la juventud. Al cruzar la vida de Ana, ilumina su camino futuro ofreciendole ligereza, sensualidad y apertura a las experiencias. Es un personaje que estimula los placeres de los sentidos.

Las creencias ancestrales y la religión son muy importantes en la vida de la isla. ¿Cómo se le ocurruó vincular estos temas a los planteados por la comunidad LGBTQI+?...
Quería sobre todo mirar la vida de la gente y contar las historias que me ofrecían. El catolicismo está en la raíz del asco de algunas personas a la diversidad de la humanidad, con el rechazo de las uniones entre personas del mismo sexo, la no aceptación de las vidas y los cuerpos trans, la visión de la sexualidad como territorio de la procreación, el rechazo del placer corporal. Lo cierto es que estas creencias siguen propagándose a través del miedo y la pobreza. Estos comportamientos siguen siendo extremadamente visibles en la vida de las personas. Una película sobre la juventud y la diversidad tiene que mostrar esto, pero también las oposiciones.

Paul B. Preciado se menciona en la película, ¿por qué era importante para usted?...
La idea principal que Preciado aporta a la película es que, a pesar de nuestra aparente fragilidad, está en nuestra capacidad para romper con los códigos de género y encontrar nuestra identidad. La idea de que hay que entender la valentía de una manera diferente a los que nos han dicho toda la vida: hace falta volar para desviarse de la norma, para arriesgarse a tomar otros caminos, otras pieles, otras voces.
Es necesario comprender lo que significa la diversidad en la lucha de la vida cotidiana. La falta de diversidad significa pobreza, incapacidad para afrontar los retos de la vida, es la muerte de nuestros cuerpos y mentes.

En cuanto a la puesta en escena y la estética, ¿cuáles eran sus intenciones, sus deseos?...
Mi mayor deseo siempre ha sido unir realidad y ficción en una danza íntima. Cuando se logra este equilibrio entre los mundos, la historia cobra vida propia y me permite contemplarla y escribirla con mis ojos, sonidos e imágenes. Viendo hoy la película, reconozco que he caminado muchas veces gasta este mismo lugar.

¿Puede contarnos algo más sobre el proyecto (A)MAR?...
La fase de casting fue larga para esta película y sólo con gente de la isla de São Miguel. Hubo más de mil reuniones y la fase de selección duró más de 8 meses. Hablé con cientos de jóvenes y tuve acceso a sus mundos íntimos que, la mayoría de las veces, estaban llenos de tristeza y soledad.ç
Escuché historias de rechazo, acoso, agresiones físicas. Había tantas historias sobre esta violencia.
Había tantos testimonios sobre esta violencia que cuando hablé con mi asistente me di cuenta de que necesitábamos ayuda para ayudarles. Así que, en pleno proceso de casting, llamé a un grupo de psicólogos y trabajadores sociales de la isla para que me ayudaran a crear un espacio que diera una respuesta profesional a la población LGBTQI+ de estas islas. São Miguel forma parte de un archipiélago de 9 islas y ninguna de ellas contaba en aquel momento con un espacio de apoyo de este tipo.
Así nació el centro (A)MAR, un lugar para escuchar y apoyar a los jóvenes LGBTQI+ y a sus familias.
No lo hice por razones puramente altruistas. También lo hice porque necesitaba ayuda para construir la película. No podía hacer una película con ellos y pretender ignorar lo que estas personas estaban viviendo en sus vidas. El cine, cuando trata de personas que no son actores profesionales, se enfrenta a la realidad en un sentido político. La creación de este centro fue una prolongación de nuestro trabajo y una contribución social. Me alegro de que el centro, después de más de un año, haya podido apoyar a muchos jóvenes y de que funcione de forma autónoma, al tiempo que ha creado muchos vínculos con entidades políticas locales.

¿A qué se refiere el título Wolf and Dog?...
El título procede de un poema portugués Sá de Miranda que evoca la relación entre el lobo y el perro.
El perro podría ser el animal asociado a Ana, más asignada a su papel, y Luis sería el lobo, el peligro y lo salvaje. ¿Les convienen estos papeles? ¿Se parecen realmente a lo que se les asocia o son todo lo contrario? O son la encarnación de todo lo que puede existir entre estos dos opuestos, sin tener que definirse.
Lo que existe entre dos opuestos como el día y la noche es el crepúsculo, una luz que he intentado seguir en la película: este azul insular y nostálgico. Este azul es un momento fugaz, como la juventud misma, que está entre la infancia y la edad adulta y que permanece en nuestras vidas como un recuerdo y, la mayoría de las veces, como una fase de libertad. Vivir entre dos opuestos, sin miedo a la infinidad de matices, es el ideal de la diversidad humana. Me gusta contemplar este mundo intermedio y poder ser quien quiera.

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