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ENTREVISTA A DAVID OELHOFFEN...
¿Dónde se originó la idea de Enemigos íntimos?...
Tengo un amigo abogado que tiene traficantes de drogas bastante importantes entre sus clientes. Pensé que sería interesante reunirse con ellos para tratar de entender cómo se desarrollan sus vidas de manera realista. La mayoría accedió a hablar conmigo. Resultó que la brecha entre la forma en que usualmente entendemos la vida criminal y lo que realmente sucede era enorme. Hay muchas expectativas, mucho miedo y poco romanticismo. Me hizo querer ver esta misma realidad desde el "lado opuesto", dentro de la policía.
El proyecto nació. En ese momento, me ofrecieron coescribir El caso SK1, una película dirigida por Frédéric Tellier sobre Guy Georges, el primer asesino en serie que se identificó en Francia. Esta co-escritura me permitió ampliar mi conocimiento sobre la institución. Entender lo que significaba esta profesión. Y forjar enlaces inesperados. Así que tenía una documentación bastante única de ambos lados acerca del tráfico de drogas y comencé a construir esta historia sobre el tema.

¿Cómo enfocaste el hecho de que la acción tenga lugar en los suburbios, una localización tan típicamente cinematográfica?...
Lo que quería hacer desde el principio era filmar los suburbios tal como son y no filmar fantasías suburbanas. Justo como quería rodar también el mundo de la policía y la vida del crimen. No quería imitar las cosas que había visto en otras películas para reciclar imágenes. Este es el marco que establecimos desde el principio con Marc du Pontavice, el productor. La única manera de darle vida a nuestra historia en este género de película ahora difícil de financiar es garantizar de manera constante su singularidad. Durante el proceso de escritura, con la ayuda de la coguionista Jeanne Aptekman tratamos de llevar a estos personajes los mismos matices y la misma complejidad que en cualquier drama. Los conflictos privados, políticos y familiares probablemente se desarrollen de diferentes maneras en áreas desfavorecidas o en guetos, pero tienen la misma intensidad en todas partes. En todas y cada una de mis películas, trato de no simplificarlas.

¿Qué te animó a ponerle cara a cara con Matthias Schoenaerts?...
Tuve mucha suerte porque es un dúo de actores extraordinario. Para mí, los personajes son casi como gemelos. Los veo como dos caras de una misma moneda. Matthias tiene un atractivo físico increíble, irradia una gran fuerza. Es muy impresionante físicamente, pero no teme en absoluto mostrar delicadeza. Manuel, el personaje que encarna, está perfectamente adaptado a esta vida violenta, inspira respeto y, al mismo tiempo, su identidad se basa en grietas que descubrimos progresivamente. Creció solo y encontró refugio en un clan marroquí en el que encajaba perfectamente, aun siendo distinto a él.
Sus dudas y su ingenuidad nos son reveladas. Matthias aporta una confianza física, una bestialidad y una personalidad muy sensible.

¿Qué nos puede contar sobre el personaje de Imrane interpretado por Adel Benchérif (visto en Un profeta de Jacques Audiard)?...
Adel Benchérif es un actor radiante, extremadamente incandescente. Lo volví a ver en un cortometraje, La fugue de Jean-Bernard Martin y me impresionó su presencia cálida y agradable. Se necesitaba a alguien como él para encarnar a Imrane, el amigo y compañero de Manuel. La muerte de Imrane necesitaba ser un shock para el espectador.

Tu película incluye un papel para el rapero Sofiane. ¿Qué te interesó de él? ¿Eres fan de su música?...
Para ser honesto, mis hijos escuchan su música, yo no. Descubrí su música después y me gusta su flujo, su energía. Justine Léocadie, mi directora de casting, me lo presentó.
Luego, disfruté de su capacidad de actuación en un cortometraje llamado Terremere de Aliou Sow.
Realmente confirmé su presencia por sus cualidades actorales, me parece que sería suicida contratar a alguien solo para sacar el máximo provecho de su fama o comprar una especie de credibilidad suburbana. Lo encontré extremadamente sutil en su forma de actuar, motivado, y disfruté sus sugerencias, que a menudo me llevaron a modificar los diálogos para adaptarlos a la realidad de la calle que él conoce bien. Esta fue una oportunidad para poder confiar en su historia personal. Hice lo mismo con Adel. Confié mucho en ellos para cambiar detalles y también para evitar clichés. Así es como trabajo. Me gusta involucrar a los actores. Apoyo su libertad. A veces trae una dosis de caos, pero odio congelar las cosas con los ensayos. No hablo de películas con ellos para que sus mentes no se contaminen con otras imágenes.
También me gusta sorprenderles.

Se mantuvo fiel a su director de fotografía, Guillaume Desffontaines. ¿Cómo funciona esta relación?...
Guillaume es un socio esencial. Enemigos íntimos es tan diferente visualmente a la película anterior, Lejos de los hombres, que fue una apuesta para nosotros. La idea era estar dentro de un grupo. Optamos por una cámara encima del hombro. Guillaume logró filmar con la pequeña Alexa colocando lentes Leica que se estaban usando por primera vez en una película. Así que, gracias a eso, teníamos una pequeña cámara de alto rendimiento.

¿Tenías un modelo en mente?...
Un modelo, no. Referencias e influencias, sí. Enemigos íntimos busca resueltamente lo que ha sucedido en Francia en 2018, con las características
inherentes que contiene y con el menor sesgo posible. En términos de enfoque, me inspiré en Gomorra de Matteo Garrone. Es una película sobre la realidad italiana que no imita una violencia que provendría de las películas estadounidenses. Aporta una visión singular y aguda sobre una realidad realmente específica y local. Y se vuelve universal gracias a eso.

Usted construye sus películas en torno a la búsqueda de la identidad ...
Mi primera película, Reencuentro, ya trató este asunto a través del interrogatorio de un joven que tiene que crecer en oposición a su padre. En Lejos de los hombres, los dos personajes deben resistir el aislamiento de la comunidad. En Enemigos íntimos, los personajes luchan con el grupo que se supone que los define y les da su identidad. El policía también se enfrenta a su propia identidad. De alguna manera rechaza sus orígenes norteafricanos. El matón es casi un personaje gemelo, ya que encontró su identidad en una familia que no es la suya. Me gusta hablar de esta tensión entre la libertad personal y los grupos a los que pertenecemos: la familia, el amor, el entorno social y político. Un área geográfica disfuncional como el gueto puede ser tanto una protección como un aislamiento. Es un refugio y una prisión al mismo tiempo.

Has filmado de nuevo con Reda Kateb. ¿Cómo evolucionó tu relación desde Lejos de los hombres? ¿Era obvio verle en el papel de policía?...
Sí, era obvio. Desde Lejos de los hombres, hemos seguido hablando mucho y hemos viajado juntos a raíz de la película. El guion evolucionó a la luz de nuestras conversaciones. Lo escribí imaginándolo como Driss, su experiencia me inspiró.
Quería mostrar la tensión que preocupa a alguien que quiere ser visto a través de sus cualidades, pero que siempre recuerda sus orígenes. Si Reda logró construir su libertad, miles de otros jóvenes no lo harán. Driss está pasando por esta tensión entre aceptar ser etiquetado y el deseo de deshacerse de esa etiqueta. La única manera de que él suba en la jerarquía policial es aceptar esta etiqueta y aceptar esta promoción al escuadrón antidrogas, porque es el único lugar donde se valora su experiencia. Conoce los suburbios y los narcotraficantes. Esto es a veces lo que uno se ve obligado a hacer como actor.

¿Qué habilidades artísticas de Reda Kateb destacas?...
Tiene increíbles habilidades de encarnación. Pero no se conforma con su atractivo físico. Es delicado, inteligente y abierto. Para interpretar, cambia
constantemente de inteligencia a intuición. A menudo confío en sus instintos para tratar de afinar en lo que sería más preciso. Supo encarnar a este policía que regresa al gueto y debe comenzar a investigarse a sí mismo.

Hay un cierto tono lírico también en la dirección...
De hecho, Guillaume y yo queríamos que las imágenes de los suburbios expresaran el hecho de que, para las personas que viven allí, también es una envoltura, una protección. Los suburbios no solo son preocupantes, pueden ser hermosos. Algunas perspectivas desde los techos son realmente cálidas. Y entiendo que uno puede identificarse con este lugar, con esta torre gigantesca que sirve como amplificador para los personajes. Puede gustarte el gueto, identificarte con él, encontrarlo hermoso y odiarlo al mismo tiempo. Pero Guillaume no es el único con quien pensé que era importante colaborar. Más allá de Marc du Pontavice, que ya produjo Lejos de los hombres, o Reda Kateb, también es el caso del diseñador de producción Stéphane Taillasson, el mezclador de sonido Emmanuel Croset, el ingeniero de sonido Martin Boissau, y también actores como Nicolas Giraud o Yann Goven. Ellos representan un núcleo artístico muy valioso para mí.

La música es una parte importante en la película. ¿Qué buscabas y por qué llamaste a Superpoze?...
Estaba buscando algo que acompañara los estados emocionales de los personajes. No quería que la música se adaptara a la acción ni añadir tensión a la película. Después de todo, las escenas violentas carecen de música. La editora Anne-Sophie Bion y yo queríamos hacer que la narrativa funcionara sin música. Quería un sonido moderno, electro de 2018. Mi amigo y supervisor musical en la película Eric Karnbauer hizo varias sugerencias. Desde el principio, cuando nos reunimos con Gabriel Legeleux (cuyo nombre artístico es Superpoze), coincidimos en el papel que la música debería tener en la película. Me gustan sus sonidos melódicos y él entendió rápidamente lo que me convenía, y compuso una música mucho más oscura, más atormentada de lo que suele hacer.

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