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LA PRODUCCIÓN...
   “Si bien esta historia se llama 'Elvis', también es la historia del coronel Tom Parker, al menos la narración; él es nuestra forma de entrar, nuestro narrador, y uno poco confiable”, afirma el escritor/director/productor Baz Luhrmann, cuya extensa investigación sobre el ícono de la música Elvis lo ayudó a descubrir la extraña asociación detrás del éxito público y las luchas personales del artista. “Como me gusta decir, el Coronel Tom Parker nunca fue un coronel, nunca un Tom, nunca un Parker, pero de todos modos fue un personaje fascinante. Era un ladrador de carnaval dedicado a encontrar ese gran acto.
  “Elvis Presley, de diecinueve años, había vivido durante un tiempo en una de las pocas casas designadas para blancos en una sección negra de Tupelo, Mississippi”, continúa el cineasta, “donde, junto con un grupo de amigos del vecindario, él absorbió la música tanto de los juke joints locales como de las carpas de avivamiento pentecostal. A medida que creció, fusionó esto con su amor por la música country. Parker no tenía oído para la música en absoluto, pero quedó absolutamente impresionado por el efecto que todo el paquete de Elvis tuvo en el público joven. Como dice el Coronel en la película, ‘Fue el acto de carnaval más grande que jamás había visto’”.
  Lurhmann agrega además que, “A mediados de la década de 1950, en partes de Estados Unidos, los carnavales se estaban convirtiendo en música, principalmente country y western. Pero Parker siempre buscaba lo extraordinario: el que ganaba más dinero, tenía un gran disfraz, entusiasmaba a la audiencia, tenía un toque extraño... Simplemente algo especial, como Elvis".
  Luhrmann reclutó al ganador del Oscar Tom Hanks para interpretar el papel de Parker, afirmando: "Nunca antes había trabajado con Tom, pero solo le conté la historia y antes de llegar al video que traje para mostrarle lo que yo tenía en mente, dijo: 'Bueno, si me quieres, soy tu chico'. ¡Qué regalo!”.
  Hanks ha dicho del Parker de la vida real: “Era tanto un genio como un sinvergüenza. Era un hombre muy disciplinado, un hombre de negocios malvado e inteligente y un tacaño tacaño, pero también un pionero en un gran tipo de espectáculo que no existía hasta que apareció Elvis Presley. Instantáneamente supo que Elvis era un artista único, vio su gran potencial y supo que si él no ganaba mucho dinero con él, alguien más lo haría”.
  Como revela Luhrmann en la película, el dinero era un motivador clave y, como tal, Parker también fue posiblemente la primera persona en ver el potencial financiero más allá de la música: el merchandising. “Él ve cómo este chico, Elvis, tiene un efecto en la audiencia, un efecto como nunca antes había visto y ciertamente más allá de cualquier cosa que haya visto en el circuito de carnaval”, señala el cineasta. “Para Tom Parker, es el acto de carnaval más grande que jamás haya presenciado, y debe tenerlo”.
  Para dar vida al hombre cuyo arte e imagen electrizantes han impregnado los cuatro rincones del mundo durante más de seis décadas, los cineastas realizaron una búsqueda exhaustiva antes de encontrar a Austin Butler. Dice Luhrmann: "Sabía que no podría hacer esta película si el reparto no era absolutamente correcto, y buscamos a fondo a un actor con la capacidad de evocar el singular movimiento natural y las cualidades vocales de esta estrella sin igual, pero también el interior vulnerabilidad del artista. Había oído hablar de Austin Butler por su destacado papel junto a Denzel Washington en 'The Iceman Cometh' en Broadway, y luego recibí una llamada de Denzel, a quien no conozco, que se desvivió por decirme que este joven actor tenía una ética de trabajo como nadie más que había visto antes. A través de un viaje de extensas pruebas de pantalla y talleres de música y actuación, supe inequívocamente que había encontrado a alguien que podía encarnar el espíritu de una de las figuras musicales más icónicas del mundo”.
  Butler comenta: “Lo que siempre me fascina de cualquier icono es el hecho de que, ante todo, es humano. Elvis fue el primero de su tipo, en cierto modo: un niño que viene de la nada y luego se convierte en el hombre más famoso del planeta. Es el sueño americano. También encarnó tantas eras que parece que vivió 100 años; es increíble que solo estuvo aquí por 42”.
  El equipo de producción de Luhrmann en “Elvis” estaba formado por su colaboradora de toda la vida, Catherine Martin, quien, como lo ha hecho desde que se unieron para la película inaugural del director, “Strictly Ballroom”, también dirigió la producción y el diseño de vestuario, así como la veterana productora Gail Berman de el Grupo Chacal, Patrick McCormick y Schuyler Weiss.
  Martin relata: “Baz siempre ha estado interesado en Elvis, por lo que esto se había filtrado en un segundo plano antes de que realmente nos enfocara hace unos años. Creo que siempre admiré la forma en que Elvis le dio sentido a las canciones a través de la calidad de su voz. Comprendí su importancia cultural, pero una vez que Baz me contó su visión de la película, me di cuenta de que el ascenso a la fama de Elvis fue como Ícaro volando hacia el sol, una historia de advertencia extremadamente conmovedora y operística que muestra la explotación de la fama a toda costa”.
  Berman afirma: “Esta película es mucho más que una película biográfica; se lo debemos a la profunda comprensión y aprecio de Baz por Elvis no solo como ser humano, sino también como una figura cautivadora y épica a través de la cual contar la historia de Estados Unidos. Baz mismo es excepcionalmente capaz de contar una historia que se aferra a su superficie mientras explora verdades más profundas y resonantes. La historia de Elvis está repleta de mucho más de lo que mucha gente sabe, y Baz, con su estilo inconfundible y su dominio tanto del cine como de la música, es realmente el único artista que conozco que podría llevar esta vida a la pantalla”.
  McCormick encontró a Luhrmann claramente adecuado para el tema, y ​​observó: “Contar esta historia implicaba una cierta cantidad de talento para el espectáculo, no solo el talento para el espectáculo de Parker o el de Elvis; Baz como director también tiene esos dones excepcionales, especialmente en lo que respecta al elemento musical. Baz está profundamente involucrado en la industria discográfica y conoce a los artistas, y siempre tiene ideas frescas sobre cómo recrear y redescubrir la música de cualquier época e infundir sus películas con ella de una manera que la gente nunca antes había escuchado. Él encuentra una manera de entrelazar todas estas cosas en un flujo cinematográfico que es exclusivo de Baz”.
  Weiss, que ha trabajado estrechamente con el director durante muchos años y en numerosos proyectos, ofrece información adicional: “Baz siempre dice que Elvis es como un papel tapiz, se ha vuelto tan ubicuo que todo el mundo sabe algo sobre él o su música. Pero creo que realmente no entendí el viaje de Elvis y las diferentes fases de la carrera de Elvis, y cuánto ha servido como una especie de prisma para la música y la cultura en el sentido de que atrajo tantas influencias y luego irradió e influenció tanto. muchas personas a su vez. Esas fueron las cosas que comencé a descubrir una vez que profundizamos en este proyecto y esos descubrimientos me emocionaron y me dieron ganas de aprender más”.
  Filmando íntegramente en la Australia natal de Luhrmann, los cineastas se sumergieron en la riqueza de talento de la región para completar los papeles principales en el reparto. “Trajimos a la brillante Helen Thomson, un pilar del teatro en Sídney y Melbourne, para que interpretara a la madre de Elvis, Gladys, además de actores con los que he trabajado durante años, como Richard Roxburgh, que interpreta al padre de Elvis, Vernon, y David Wenham, quien interpreta a Hank Snow. Eso es algo que me encanta de este trabajo, continuar esas colaboraciones a largo plazo”, dice Luhrmann.
  Para retratar a una de las personas más importantes en la vida de Elvis, los realizadores eligieron a Olivia DeJonge, quien nació en Melbourne y vivió gran parte de su juventud en Perth.
  "Con Elvis y Priscilla, creo que al principio hubo una especie de romance delicado e inocente", conjetura Luhrmann. “Cuando se conocieron, a Elvis le había resultado casi imposible conocer a alguien que no tuviera algún tipo de agenda oculta, por lo que él y Priscilla rápidamente formaron un capullo protector. Ella también estuvo allí al final como una amiga, una verdadera amiga, y creo que esa conexión y apoyo estuvieron allí durante toda su vida. Entonces, tenía que encontrar a alguien que, como Austin, fuera más maduro para su edad y pudiera interpretar a este personaje durante un largo período de tiempo. Olivia es solo eso; es muy inteligente y tiene un gran dominio de sí misma”.
  DeJonge cuenta: “Mis conversaciones iniciales con Baz fueron sobre la naturaleza colaborativa del proyecto, la visión general de la historia y cómo encaja el personaje de Priscilla en eso. En la película, y creo que en la vida real, ella era algo así como el hogar de Elvis, algo así como ese respiro colectivo que tomas para equilibrar una vida que puede ser tan loca”.
  Por supuesto, ninguna película de Baz Luhrmann estaría completa sin la experiencia auditiva singular que el público anticipa: una combinación de música y artistas de época y modernos de una manera que solo él puede imaginar. Con el compositor/productor musical ejecutivo Elliott Wheeler y el supervisor musical Anton Monsted—este último una asociación que comenzó incluso antes de “Romeo + Juliet”—la película no solo presenta las voces de Butler (que vocaliza las presentaciones en vivo del joven Elvis), el propio Elvis Voces icónicas en la última parte de la película, y ocasionalmente una mezcla de las dos voces, pero también varios de los creadores de éxitos de hoy, incluidos Yola, Shonka Dukureh y Gary Clark, Jr. como las leyendas de Beale Street Sister Rosetta Tharpe, Big Mama Thornton y Arthur. Crudup. Una variedad de artistas tan poderosos como Doja Cat, Kacey Musgraves, Jazmine Sullivan, Jack White, Måneskin y más también se muestran en la banda sonora.

EL DISEÑO DE PRODUCCIÓN...
  Para hacer retroceder al público en el tiempo a través de la vida de Elvis, las diseñadoras de producción Catherine Martin y Karen Murphy se centraron en combinar la referencia histórica con la narración visual más grande que la vida de Luhrmann. Con la excepción de algunas ubicaciones del área, todo se lograría en los escenarios de sonido masivos y el backlot en Village Roadshow Studios en Gold Coast de Australia.
  Martin ha estado interpretando la visión de Luhrmann desde su primera incursión en el cine. “La forma en que trabajamos es algo que hemos hecho durante mucho tiempo”, dice Luhrmann sobre el socio Martin, a quien llama CM. “No hay mecánica, es casi como nuestro propio idioma. Empiezo con mis garabatos y collages y baberos y bobs y hojas de lágrimas y muchas palabras. Y sé que mis garabatos y mis bocetos y mis pizarras son prácticamente ilegibles, lo sé”, se ríe, “pero puedo transmitirle cómo veo las cosas. Y tiene muchos dones, pero uno de sus dones extraordinarios es que puede tomar todo ese revoltijo y ejecutarlo a un nivel que es bastante raro. Estoy involucrado en el proceso todo el tiempo; Si bien puedo obsesionarme con el dobladillo de un disfraz o los colores de una pared, somos una verdadera asociación: existe una conexión espiritual y creativa que es realmente especial. Desde el momento en que nos conocimos, siempre hemos tenido un diálogo continuo y esa conversación nunca se ha detenido”.

  “Intentamos recrear Graceland en ciertos períodos con la mayor precisión posible, sin embargo, no estábamos haciendo un documental”, dice Martin. “Y, por supuesto, hay una perspectiva única porque la historia la cuenta el coronel Tom Parker. No pretendía ser una recreación detallada de la vida de Elvis y su mundo porque no solo hay una perspectiva cinematográfica, sino que también está la perspectiva del coronel Tom Parker. Él está contando la historia, así que estamos viendo sus recuerdos de sus experiencias”.
  Dicho esto, Graceland existe hoy y se ha preservado para los fanáticos y turistas que tendrían una idea definitiva de cómo se habría visto durante la vida de Elvis. Martin admite que, a pesar del filtro narrativo de Parker, "queríamos recrear Graceland en sus períodos específicos tanto como posible. Todos nuestros detalles arquitectónicos se basaron en planos a los que tuvimos la suerte de acceder desde la propiedad de Graceland. Tuvimos un apoyo tan dedicado de la archivista principal Angie Marchese y su equipo. Para nosotros, Graceland fue en gran medida el símbolo y la expresión del éxito de Elvis. Lo vemos desde el exterior cuando llega por primera vez a Graceland con sus padres después de que acaba de comprarlo.
  “Luego vemos el interior y es como era cuando Elvis compró la casa por primera vez”, continúa. “Por ejemplo, cuando se mudaron por primera vez, tenía tablas en el piso. Pero luego lo cubrieron todo con alfombra roja, por lo que era importante mostrar ese cambio. Luego, durante los años 60 y 70 hubo muchos cambios en la decoración de interiores. Y Baz sintió que era muy importante que mostráramos la casa como se ve ahora, abierta al público y en exhibición, ya que esa es la forma en que más se recuerda hoy en día”.
  Para Martin, el proceso de diseño y ejecución se trata de colaboración y trabajo en equipo. “Cuento con algunos lugartenientes increíbles que realmente ayudan a lograr este cuerpo de trabajo. Tuvimos tres directores de arte en el departamento de arte que se encargaron de cada set individual y lo dirigieron hasta su finalización”. Para los interiores y exteriores de Graceland, esa lista incluía al director de arte Matt Wynne.
  “También tuvimos un gran decorador de escenarios que dirigió toda la decoración”, agrega Martin. “¡Es una máquina increíblemente bien engrasada, donde todos trabajan juntos para lograr lo inalcanzable!”
  La decoradora de escenarios Bev Dunn dice que su enfoque nunca está en una mesa o una silla, sino en la habitación como un todo. “Es toda la sala, o todo el salón de baile, o dos bloques de escaparates, no solo uno. Entonces, haces tu mejor esfuerzo para hacerlo bien, mezclando lo viejo con lo nuevo. No podía salir y comprar todos los muebles antiguos de estilo de mediados de siglo, así que fabricamos muchas cosas y uso tiendas de segunda mano antiguas”.
  Inicialmente, el exterior de Graceland fue una construcción de 10 semanas, pero con el cierre de la pandemia, el set permaneció envuelto en plástico durante casi un año. Sorprendentemente, solo requirió una actualización de 10 días antes de la sesión final. Todos los greens y plantas establecidos tuvieron que ser reubicados y almacenados, regados y cuidados durante el descanso, al igual que el césped y el césped inmediatos alrededor de la mansión y los caminos de entrada. La ubicación real era bastante única, ya que tenía que estar cerca de los estudios y ofrecer la ubicación geográfica correcta más una opción de retroiluminación.
  Si bien todas las ubicaciones exteriores tenían requisitos muy específicos, uno de los más importantes era la privacidad, que proporcionaron tanto Guanaba, una localidad semi-rural, como Suntown Landfill en Arundel. Los cinéfilos sin duda apreciarán el exterior de Graceland, donde gran parte de la acción de la casa tiene lugar en la película, gracias en gran parte a la afición de Elvis por los automóviles, incluido el famoso Cadillac rosa.
  El director de arte sénior Damien Drew fue responsable de la imagen del departamento de vehículos adquisición de más de 300 coches y motos. Elvis era un gran coleccionista de autos y bicicletas, lo cual está bien documentado. Dice Drew: “El equipo de Graceland fue de gran ayuda al brindarnos una gran lista de los autos que Elvis tuvo a lo largo de su vida. Era un fanático de los vehículos. Algunos solo los tuvo por un corto período de tiempo, y luego los regalaba a familiares o amigos. Y compró bicicletas desde muy joven. Comenzamos a ver lo que podría estar disponible para nosotros en Australia y lo que tendríamos que comprar en los EE. UU. Inicialmente, nos preocupaba que no encontraríamos versiones con volante a la izquierda de nuestros autos héroes en Australia, pero cuanto más indagábamos, más salía de la madera.
  “En Queensland, donde estábamos filmando, había un gran volumen de coleccionistas de autos”, resume. “La gente tenía autos escondidos en cobertizos que nunca soñamos que encontraríamos. Al final, solo tuvimos que comprar unos 15 autos, y solo media docena más o menos vinieron de los EE. UU. El resto lo pudimos arrendar a estos coleccionistas australianos. Muchos de los propietarios estaban felices de dejarnos arrendar los autos por un período prolongado de tiempo porque sabían que los íbamos a mejorar, retapizar y reparar, agregando así valor”.

  Un escenario temprano y vital en la historia es el carnaval donde Parker, habiendo presenciado previamente el efecto de Elvis en la multitud en Shreveport, Louisiana Hayride, se acerca a Elvis para que sea su manager. Gracie, quien trabajó de cerca con el director de arte Tuesday Stone, dice de la enorme build, “Todos los elementos, incluidos los letreros, las carpas, los espectáculos secundarios, los puestos de comida, los espectáculos de fenómenos, la carpa del héroe, el Hank Snow Show, los puestos de comida, los vagones y carruajes, Madam Zeena y más, fueron diseñados y construidos dentro del departamento de arte. Solo la rueda de la fortuna, el carrusel y el columpio, todos los cuales tenían un grado decente de adornos del departamento de arte, eran elementos existentes adquiridos por nosotros”.
  El set también tenía que funcionar para dos ritmos de historia diferentes: una noche en Florida y la otra, durante el día en Texas. Con solo un día para cambiar entre los dos, los elementos (celdas de tormenta, lluvia torrencial y granizo) causaron estragos en el set.

  En la película, Parker asegura una extensa carrera para Elvis en Las Vegas en el nuevo International Hotel, lo que requiere un lujoso escenario que abarque un gran escenario y un área para el público. Dunn afirma que uno de los elementos más significativos para ella fue “una cortina dorada increíble, completamente operativa, que era enorme. Cuando empecé, se hablaba de que era un efecto visual, porque era muy grande. Fue maravilloso que finalmente pudiéramos obtener el material, teñir la tela de oro, importarla a Australia y coserla, ¡todo en menos de ocho semanas! Pero valió la pena permitir que los actores interactuaran con esa cortina y crearan esa escena por completo”.

EL VESTUARIO...
  Puede ser difícil imaginar un artista cuyo vestuario fuera más emblemático que Elvis. Además de eso, la película abarca al menos tres décadas, durante las cuales la moda evolucionó radicalmente. Martin y su equipo aceptaron el desafío.
  Ella comenta: “En términos de diseño de vestuario, tuvimos que unir tres décadas: las décadas de 1950, 1960 y 1970. Necesitábamos entrar en el corazón de cada década para que hubiera un cambio distintivo en el aspecto entre todos los períodos. También ayudó a posicionar a las personas en los momentos estrella icónicos: Priscilla, por ejemplo, era un ícono de estilo contemporáneo; la forma en que usaba su cabello, su ropa, es icónica. Era muy importante para nosotros llegar a esos marcadores en particular”.
  “¡Austin, que se ve bien en todo, tiene más de noventa cambios de vestuario!” ella exclama. “Y debido a que el vestuario es una gran parte del proceso de ayudar al actor y al director a crear el personaje, es muy importante hacerlo bien”.
  Butler se entusiasma con la diseñadora de vestuario y su equipo y observa: “Catherine Martin tuvo mucho que ver con todo lo que uso en la película, y tenía un equipo absolutamente brillante. Ayuda enormemente cuando te miras en el espejo y comienzas a ver la transformación que solo un disfraz puede hacer”.
  Ninguna película que presente tantas de las actuaciones icónicas de Elvis estaría completa sin una amplia gama de sus famosos monos, de los cuales hay varios, pero para Butler el verdadero descubrimiento llegó con el atuendo "cotidiano" del artista, así como con algunos diseños sorprendentes. “¡Nunca había usado tantas camisas con cordones! Me encantaron esos y las chaquetas bolero. Y el traje azul de los años 50, con la camisa de encaje azul, me gustó mucho”.
  En ese momento de la carrera de Elvis, a mediados y finales de la década de 1950, compraba la mayoría de su ropa para usar dentro y fuera del escenario en Lansky Bros. en Beale Street en Memphis, Tennessee. “En la década de 1950, Lansky Bros. era el lugar para comprar el espléndido estilo sartorial preferido por los artistas de la región; representaba un aspecto aspiracional para los aspirantes a artistas musicales, incluido el joven Elvis Presley”, relata Martin. “Una de las cosas maravillosas de nuestros viajes de investigación a Memphis fue el tiempo que pasé con Hal y Julie Lansky, quienes continúan con la tienda Lansky Bros. fundada por el padre de Hal, Bernard”.
  Pero volvamos a los monos... Martin y su equipo tuvieron el privilegio de colaborar con Kim y Butch Polston de B&K Enterprises en Charlestown, Indiana, quienes recrearon fielmente la icónica vestimenta de escenario de Elvis en la década de 1970 con el permiso expreso del diseñador de vestuario de Elvis, Bill Belew. A través de los Polston, Martin no solo pudo encargar monos para la película que se hicieron exactamente de la misma manera que los originales, sino también con el espectacular y complejo bordado de punto de cadeneta, todo hecho por Jean Doucette, quien personalmente bordó los monos de Elvis. . Martin dice: "Fue realmente significativo no solo para el equipo de vestuario, sino también creo que para Austin, poder llevar estas piezas a la pantalla con una autenticidad personal tan conmovedora".
  Aunque sería difícil elegir un favorito entre tantos disfraces, Butler admite: “El atuendo de cuero que usé para el '68 Special me empoderó. Se sintió genial usar eso”.
  Para la fashionista Priscilla, Martin dice: “Tuve la suerte de reavivar mi colaboración con Prada y Miu Miu. Pensé que era una manera maravillosa de aprovechar el estilo icónico de Priscilla y encontrar una manera de conectarlo con los diseñadores icónicos y sus diseños. Priscilla tiene ropa hermosa en la película, una de mis favoritas es un vestido blanco sin mangas que usa para una cena, un hermoso vestido de Miu Miu que es una sinfonía de encajes, organza y gasa. Es un vestido verdaderamente hermoso”.
  Olivia DeJonge comenta: “Uno de los aspectos realmente emocionantes de esta película para mí fue el vestuario de Priscilla. La moda de Priscilla, su look, es por supuesto muy conocido y documentado. Poder usar esos disfraces y el cabello y el maquillaje fue un gran privilegio. Definitivamente fue un aspecto emocionante de la película, ¡aunque tomó unas tres o cuatro horas de maquillaje, dependiendo del día!
  ¿Y su favorito personal? “Si tuviera que elegir, mi favorito sería el disfraz que usó Priscilla en el concierto de Las Vegas. Era un traje pantalón enjoyado a juego. En ese momento, ella tenía el pelo largo, muy largo y oscuro con estas pestañas gruesas. Fue simplemente increíble y me hizo sentir como una reina. No creo que vuelva a usar algo tan increíble como eso. Algo como eso realmente se suma a tu desempeño”.
  El abastecimiento de los trajes resultaría extenso, lo que daría como resultado una combinación de trajes antiguos y ropa antigua, trajes comprados de colecciones y trajes diseñados y hechos internamente, complementados con algunas prendas alquiladas de América y Europa. Pero la gran mayoría fueron diseñados y fabricados por el departamento de vestuario.
  “Tuvimos un taller muy hábil que hizo una gran cantidad de nuestros disfraces, desde trajes para Elvis hasta delantales para las criadas”, relata Martin. “También tuvimos una gran cantidad de público y artistas de apoyo, desde escenas callejeras en Beale Street en Memphis en los años 50 hasta una gran sala de exposición para un concierto de Elvis en los años 70, y todo lo demás. Esos artistas secundarios y extras crean una gran parte del contexto en el que ves a Elvis evolucionar como actor, por lo que los disfraces de esos extras eran tan importantes como cualquiera que usara Elvis”.

LOS EFECTOS ESPECIALES...
  Cuando se abre "Elvis", se presenta a la audiencia a su narrador, el coronel Tom Parker, cerca del final de su vida. Por lo tanto, para retratarlo durante los más de 40 años que cubre la película, Tom Hanks pasó muchas horas en la silla de maquillaje todos los días bajo la mirada creativa del supervisor de prótesis Jason Baird y su equipo de artistas.
  Baird describe el proceso y detalla: “El punto de partida de cualquier gran maquillaje protésico son los moldes reales de la cabeza del actor y el escaneo digital del cuerpo del actor. A partir de ahí, se elaboran los trajes corporales y se preparan diferentes variaciones de cada look”.
  Para Parker había tres versiones diferentes: de mediados a finales de los 40, la edad que tenía cuando descubrió a Elvis; hasta la mediana edad, sus 60 años; y Parker a los 87 años. Baird dice: "A finales de los 60.
  La versión era un poco más gruesa en la garganta para distinguir el salto de edad, junto con un cambio de peluca y manchas de edad adicionales en su tez. Como un hombre de 87 años, estaba muy pálido y enfermizo; La cabeza de Tom estaba completamente cubierta con prótesis para esta versión de Parker, y agregamos una peluca diferente con cabello más blanco y ralo, un par de dientes protésicos e incluso más manchas de la edad y el sol.
  “La aplicación total de los dos primeros looks envejecidos tomó tres horas y media todos los días; la versión anterior y fantasmal tardó unas cinco horas en aplicarse”, continúa. “Tom fue increíble durante todo el proceso de solicitud. Más o menos se iba a dormir y, a las dos horas, se tomaba un descanso para estirar las piernas”.
  Hanks dice: "Estábamos trabajando con lo mejor de lo mejor: Jason, Sean [Genders] y Brittany [Jones] eran mi equipo estrella, y pasaba hasta cinco horas con ellos todas las mañanas antes de que saliera el sol, así que logramos conocer los ritmos de los demás.”
  Baird agrega que “la mayoría de las veces vemos al Coronel Parker con su abrigo puesto, pero hubo algunas escenas en las que tenía los brazos desnudos, así que tomamos moldes de los brazos de Tom y esculpimos secciones gruesas para sus antebrazos y brazos. Cada juego de aparatos para los brazos requería un punzonado, el proceso en el que se insertan pelos individuales en las pieles de silicona de los brazos, una disciplina que requiere mucho tiempo pero es vital para crear realismo”.
  El coprotagonista Richard Roxburgh, que interpreta a Vernon, recuerda: "Cuando llegué por primera vez, caminé hacia mi tráiler y vi un letrero en el siguiente tráiler que decía 'Tom Hanks, Coronel Parker' y sentado afuera había un tipo grande y calvo comiendo su almuerzo Pensé que debía ser un asistente o alguien, pero por supuesto era Tom con su peluca calva puesta, su doble papada, su traje gordo. La transformación fue bastante notable”.
  Debido a que Austin Butler interpreta a Elvis Presley a lo largo de las tres o más décadas que tiene en cuenta en la historia (Elvis murió mucho antes que Parker), Butler tendría que pasar de un adolescente de 17 años a un Elvis mayor justo antes de morir a los 42. Aunque ninguno como Tan extensa como la transformación de Hanks requería, Butler también fue adaptado para muchas variaciones protésicas.
  El diseñador de prótesis Mark Coulier comenta: “Una de las cosas que tuvimos que considerar con Austin es cómo lo llevaríamos de los 17 a los 42 años y si eso podría hacerse. Para la primera parte de la vida del personaje, tuvimos que lograr el ligero cambio de peso que obtienes a medida que te desarrollas desde mediados de los 20 hasta finales de los 30. Pero eso tiene que ser sutil, no algo que sea demasiado notorio. Luego, para su concierto final, Elvis era muy pesado y no lo habían visto por un tiempo, así que obviamente quieres mostrar una progresión, mostrar el cambio, para que la audiencia pueda ver cómo se ve realmente no solo con sobrepeso sino también insalubre. Ese fue el desafío”.
  Ese aspecto final tardó cerca de cinco horas en aplicarse, pero Butler, al igual que Hanks, lo tomó con calma, con la mirada puesta en el resultado final y en cómo ayudaría a su desempeño. “Tuvimos el equipo de prótesis más increíble”, dice. “Cuando comienzas a ver la transformación, te hace sentir diferente, realmente lo hace. Cuando tienes un poco de peso, caminas de manera diferente, respiras de manera diferente y realmente ayuda. Esa actuación final de Elvis es desgarradora. Ves al niño pequeño en Elvis, brillando a través de este cuerpo grande y enfermo, y sabes que solo vivió un corto tiempo después de eso. Es muy emotivo.
  “Cuando tenía puesto ese traje gordo, se sentía como si tuviera mucho peso extra”, recuerda. “Luego me ataron el mono y mis pulmones se sentían contraídos, solo podía respirar superficialmente y hacía mucho calor. Se sentía muy claustrofóbico y sentí una gran tristeza porque estoy seguro que Elvis se sentía de la misma manera, que casi no podía respirar. Y, sin embargo, su voz aún se elevaba”.

LA FOTOGRAFÍA...
  Para enfocar la producción masiva, Luhrmann recurrió a su colaboradora frecuente Mandy Walker, con quien ha desarrollado una taquigrafía a lo largo del tiempo: una relación invaluable entre el director y el director de fotografía en cualquier producción, pero más especialmente en una de este alcance, escala y precisión.
  Por ejemplo, hubo varios momentos durante la producción en los que la filmación se convirtió en lo que Luhrmann llama "avistamiento de trenes". Walker explica: “Trainspotting es una reproducción completa de imágenes existentes, como Elvis `68 Special, las actuaciones de Elvis en Las Vegas y sus actuaciones en los espectáculos de Steve Allen y Milton Berle. Había tanto material de referencia disponible para todos esos espectáculos y para este metraje de 'trainspotting', reproducimos cada evento con mucha exactitud, desde la iluminación hasta la filmación, incluidos los momentos en los que acercábamos y alejábamos el zoom. Fue un gran desafío para nosotros hacerlo”.
  Debido a que la historia cubre un largo período de tiempo, todo en un período, desde el comienzo mismo de la preproducción, Luhrmann y Walker trabajaron de cerca con Dan Sasaki, quien está a cargo de Ingeniería Óptica en Panavision. Sasaki creó dos juegos de lentes originales y completamente diferentes para capturar la fotografía en la película. “Primero, las lentes que nos llevan hasta que Elvis se va a Las Vegas, que eran de 65 mm y tenían una paleta de colores más suave y una sensación de menos contraste”, comparte Walker. “Y tienen una sensación más suave para crear ese elemento histórico o referencia a un tiempo anterior.
  “Luego, cuando Elvis va a Las Vegas, nos volvimos anamórficos porque representa los años 70, la forma en que las lentes se ensanchan y distorsionan. Estos lentes se construyeron desde cero e incluso tienen pequeños símbolos de Elvis y se mejoraron para tener un color más saturado con un poco más de contraste. Entonces, cuando la película va y viene de diferentes períodos de tiempo, sientes la transición y ayuda a que la audiencia regrese a ese momento”.
“Mandy está loca por una lente hecha a mano”, sonríe Luhrmann.
  Walker también usó una gran cantidad de nueva tecnología LED, proporcionando: "Teníamos todo en un interruptor de atenuación, de modo que si girábamos la cámara, podíamos girar la iluminación al mismo tiempo y podía cambiar el color de las luces. muy rápido y todo desde un iPad. Incluso hicimos algunas luces suaves LED que tenían dos metros y medio de largo; dan una hermosa luz suave, pero podrían ocultarse en el techo”.
  La paleta de colores también era muy específica para el período de tiempo de la película. La luz de color no aparece hasta más tarde en la vida de Elvis; la primera parte de su vida en Memphis es, como Luhrmann lo denominó, "color blanco y negro", que es la referencia fotográfica del renombrado fotógrafo estadounidense del siglo XX Gordon Parks de la fotografía en color en ese momento: la fotografía en color temprana.
  Walker explica: “El color blanco y negro es una versión del color similar a un pastel, pero aún con un blanco y negro fuerte, algo que busqué para reproducir en las escenas de Beale Street. Para Beale Street durante el día, estudiamos muchas de esas primeras imágenes de Gordon Parks y Saul Leiter y siempre las tenía en mente cuando estábamos iluminando y componiendo, para poder recrear referencias de la época y las imágenes que la gente está familiarizada con ese período de la vida de Elvis”.
  Luhrmann aconseja: “A Mandy y a mí nos encantan los fotógrafos y las fotografías, y la forma en que un ojo capta algo familiar, así que recurrimos a fotógrafos icónicos como Parks que usamos como referencia. Mandy está absolutamente al servicio de la historia, y las referencias que elaboramos desde el principio evitaron que la apariencia y la sensación se inclinaran demasiado a la nostalgia, sino que se sintieran muy en el momento”.
  Walker también dice que Luhrmann frecuentemente “hablaba conmigo sobre la historia, sobre el viaje emocional, y yo revisaba el guión y tomaba notas sobre lo que me había dicho en términos de lo que estaba pasando con cada personaje en el momento”. tiempo, o cómo quería que se sintiera la audiencia, o la emoción que se retrata en cada escena. Una vez que tuviera eso, comenzaría a pensar técnicamente sobre cómo podríamos lograrlo y expresarlo fotográficamente. La mayor parte del tiempo filmábamos con al menos dos cámaras y, a veces, tres, incluso hasta cinco cámaras para las escenas de los conciertos. Baz se sentaba con todos los monitores encendidos y hablaba con todos en las cámaras todo el tiempo. Es como un director de orquesta”, sonríe.    Tenía todas las opciones disponibles para él, muy rápidamente, por lo que pudimos hacer ajustes fácilmente en el momento”.

LA MÚSICA...
  Cualquiera que haya visto una película de Baz Luhrmann, sin importar el tema o el estilo de narración, sabe que se toma la partitura y la banda sonora tan en serio como cualquier escena, actuación o fotograma de la película. “Considero la música, el guión y el lenguaje visual como uno solo”, afirma. “Tengo el mismo tipo de profundidad de colaboración con mi equipo de música que con la cámara: Anton Monsted es el supervisor musical de 'Elvis', Elliott Wheeler es el compositor y productor musical ejecutivo, y he trabajado con ambos antes. . El guión musical, la palabra escrita y el guión visual, en cierto punto con esos colaboradores, lo combino todo en una síntesis, de modo que cuando los actores entran en mi mundo, ya hay una visualización. Ya hay 'musicalización', que sé que no es una palabra”, se ríe, “lo uso pero lo inventé. Porque para mí, todos los elementos, todos viven a la vez. No entro y digo ahora que hay un guión, pensemos en la música. La música no es un fondo”.
  Especialmente con “Elvis”, asegura el cineasta. “Para acceder a la vida interior de Elvis… No era una persona particularmente verbal, pero cuando abre la boca y canta, sientes que lo conoces. Siente que lo comprende. Lo sientes. Es solo un regalo muy particular”.
  Por lo tanto, las actuaciones en la película, aunque muchas, tuvieron que ejecutarse de la misma manera. “Todo mi equipo y yo somos adictos a la investigación”, revela el director. “Seguimos un proceso tanto académico como de campo, anecdótico. Pero, por supuesto, estamos haciendo un drama de largometraje de una vida de 42 años, por lo que se debe comprometer la "licencia artística" para comprimir el tiempo y tomar múltiples eventos históricos y combinarlos en un solo momento. El concierto de 1956 en Russwood Park es un buen ejemplo. El incidente de la multitud alborotada en realidad ocurrió en un concierto en Canadá poco después, pero lo convertimos en un evento dramático”.
  Dice Butler, “Interpretar a Elvis fue una experiencia tan increíble y aleccionadora. Hubo muchos momentos, desde el principio, en los que tuve que caminar hacia el fuego. Por ejemplo, antes de comenzar a filmar, fuimos a Nashville y Memphis, y grabamos en RCA, donde Elvis realmente grabó, en el Estudio A allí. Teníamos la máquina real que grabó 'Heartbreak Hotel' en. ¡Era mi primera vez en un estudio de grabación y estaba tan nerviosa! Baz le pidió a toda la gente de las oficinas de RCA que salieran y estuvieran en la audiencia, y tuve que cantarles 'Blue Suede Shoes'. ¡Acababa de ser elegido y ahora estaba cantando estas canciones icónicas frente a toda esa gente!”.
  Y, sin embargo, entendió la lógica detrás de esto. “Lento pero seguro, momentos como ese me sacaron tanto de mi zona de confort que el miedo seguía ahí, pero se convirtió en una experiencia diferente”, reconoce el actor. “Y supe que así se habría sentido Elvis cuando subió al escenario por primera vez”.
  La preparación resultó aún más útil el primer día del rodaje. “Empezamos a filmar con el Comeback Special, con alrededor de 300 extras, y tuve que caminar con el traje de cuero completo el primer día de filmación y convertirme en Elvis”, revela Butler. “Superó mi mente consciente a veces. Fue aterrador y, sin embargo, también muy emocionante y estimulante. Y luego, una vez que esas primeras tomas terminaron, y creo que Elvis diría esto también, entonces te das cuenta de que está bien, nadie me va a tirar una piedra. Y empiezas a sentir una conexión con la audiencia, ves un brillo en los ojos de alguien, haces reír a alguien. Sientes esa relación. Es lo más cercano que podía sentir a la realidad y había días en los que no quería que terminara. Fue todo tan conmovedor”.
  Dice Luhrmann: "Hubo un puñado de momentos de 'nunca me había pasado antes en una película'. Mientras Austin estaba interpretando las escenas de Las Vegas, y no me refiero solo a las canciones, incluso cuando las cámaras estaban apagadas, estaba jugando con la audiencia, cantando pequeñas piezas. Un camarógrafo con el que he trabajado durante muchos años se acercó y me dijo: "Es un gran privilegio ser parte de esto".
  “En otra ocasión”, prosigue, “un apretón, con humor irónico, que me había sostenido escaleras y aprendido a bailar con la cámara pero que era hombre de pocas palabras, me reconoció que habíamos visto muchas cosas. , pero cuando vio a Austin encarnar a Elvis en esas actuaciones, dijo: 'Nunca había visto algo así'”.
  A lo largo de la filmación, Butler estaría rodeado de artistas que sin duda han tenido esa primera experiencia. “Fuimos muy afortunados con los músicos que se involucraron”, dice Wheeler. “Yola vino a nuestras sesiones de música en Nashville y tenía una de las voces más fenomenales que he escuchado, tiene un talento increíble. Gary Clarke Jr. es otro de esos raros talentos en los que simplemente le apuntas con un micrófono y se va; él es simplemente sensacional. Y estaba muy emocionado de poder rendir homenaje a Arthur Crudup.
  “Shonka Dukureh vino a una de las sesiones de grabación e hizo un montón de canciones de Big Mama y fue simplemente increíble, tuvimos mucha suerte de encontrarla”, continúa. “Shannon Sanders, Lenesha Randolph y Jordan Holland son cantantes de gospel absolutamente increíbles.
  El día que grabamos la sesión de gospel en la iglesia pentecostal fue una de las experiencias musicales más conmovedoras que he tenido. Y luego, Alton Mason, quien interpreta a Little Richard, es uno de los artistas más singulares que he visto. Tuvimos la suerte de encontrarlos a todos”.
  El canon de Presley es vasto; grabó más de 700 canciones. Luhrmann y su equipo tuvieron que tomar decisiones difíciles en cuanto a lo que podía y no podía incluirse en la película, no en función de la popularidad, sino únicamente en lo que contaría la historia de manera más efectiva. Además, Luhrmann dice que su misión en la narración de historias, “ya ​​sea que esté llevando material clásico de Romeo y Julieta a El gran Gatsby, o un cantante icónico como Elvis, siempre es decodificar no lo que fue, sino lo que sintió la audiencia. en mis tiempos. Por ejemplo, cuando Big Mama Thornton canta: "No eres nada más que un perro de caza...", en realidad es la historia de una mujer que le dice a un hombre infiel e indigno que "salga a la carretera" en lo que habría sido confrontar la lengua vernácula de la calle. en el momento. Contraponer la pista de Thornton con un rap de Doja Cat traduce la letra y el sentimiento para una audiencia contemporánea, y especialmente para una audiencia más joven”.
  Los cineastas ofrecen: “Un ejemplo similar sería cuando Elvis actúa en vivo por primera vez en la película en el Louisiana Hayride. Austin canta 'Baby Let's Play House' y nos adherimos con bastante precisión al estilo de la época. Pero para subrayar cómo se sentía el público joven en ese momento, la intensidad electrizante y punk, empleamos anacrónicamente un riff de guitarra desgarrador (proporcionado amablemente por Gary Clark Jr). Utilicé esta técnica a lo largo de la película y tuve el privilegio de relacionarme con artistas invitados, desde jóvenes hasta leyendas vivientes”.
  La música, ya fuera de Elvis o de cualquiera de los otros artistas, tuvo un efecto en todos en el set. Butler recuerda: “Los actores de fondo y los extras fueron verdaderamente asombrosos. Terminaríamos un día de 18 horas y me estaría quitando el maquillaje, y los actores de fondo estarían todos en estos autobuses, volviendo a la base, cantando 'Suspicious Minds' o 'Burning Love', lo que fuera. sido ese día, en la parte superior de sus pulmones. Fue algo hermoso que todavía tuvieran esa energía”.
  Esa reacción duradera, ese impulso innegable de continuar la experiencia después de que el director pidió "Cortar" por el día e incluso mucho después de que terminó la producción, es exactamente lo que Baz Luhrmann espera que impregne el teatro cuando el público se reúna para ver a "Elvis" en el gran pantalla: “Espero que reciban todo el alboroto de los altibajos, la música, el amor, la apariencia, la moda, pero sobre todo que salgan y sigan hablando de eso cuando se vayan. Esa es la forma en que veo esta película y es por eso que hago películas, para crear, para celebrar, esa experiencia singular que podemos tener juntos en el cine y que podemos llevar con nosotros mucho después de que aparezcan los créditos. Definitivamente es un sentimiento que creo que Elvis entendería y celebraría”.

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