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LA PRODUCCIÓN...
   "Del revés 2 (Inside Out 2)" de Disney y Pixar, vuelve a sumergirse en la mente de la recién estrenada adolescente Riley justo cuando la Sede central está pasando por una repentina demolición para hacer sitio a algo totalmente inesperado: ¡nuevas Emociones! Alegría, Tristeza, Ira, Miedo y Asco se las han arreglado muy bien hasta ahora, pero de repente no están seguras de lo que van a sentir cuando aparece Ansiedad. Y no viene sola.
  Según el director Kelsey Mann, dar la llegada de nuevas emociones en la mente de Riley era algo evidente, por decirlo de alguna manera. “Me había centrado en la idea de que Ansiedad fuera un personaje importante”, dice. “Es algo que empieza a aparecer con fuerza cuando nos convertimos en adolescentes. Así que todos podemos identificarnos con esa emoción. Recuerdo que desde el principio investigué profundamente lo que sucede en nuestros cerebros a esa edad y eso desencadenó la idea de una bola de demolición que atraviesa la Sede: un grupo de trabajadores amontonando y derribándolo todo. Es como reformar una casa. Es lo que siente un adolescente en esa etapa de su vida. Es puro caos”.
  Y para contribuir al caos, a Ansiedad se le une nuevas Emociones en la Sede Central, incluida la siempre admiradora Envidia, la mortificada Vergüenza y Ennui, que se parece mucho al "aburrimiento, el desdén o a ese sentimiento de indiferencia", dice Mann. “Si alguna vez le preguntas a un adolescente cómo ha pasado el día y te responde con un 'bien', eso es Ennui”.

PRIMERA INCURSIÓN DENTRO DE LA MENTE...
  El productor Mark Nielsen, que trabajó como productor asociado en "Del revés (Inside Out)”, ganadora del Oscar® en 2015, dice que cree que la película llegó al público porque era fácil identificarse con ella. “Personalizar cómo nos sentimos fue una idea fantástica, no sólo por el potencial de entretenimiento que conlleva, sino porque es algo con lo que todo ser humano puede identificarse", dice.
  La productora asociada Kim Collins está de acuerdo con él. "Creo que a todo el mundo le encanta que estos personajes transmitan la forma en que las familias pueden hablar de cómo se sienten y que todos los sentimientos son legítimos. Todos se pueden expresar y todos tienen valor, y no hay que enterrar algunos y quedarse sólo con los felices".
  Pete Docter, director creativo de Pixar y realizador de "Del revés", añade: "Creo que el concepto ha calado en la gente porque todos sabemos, al menos en nuestro subconsciente, que tenemos una vida emocional interior. Todos sabemos lo que se siente cuando te paraliza el miedo, te invade la ira o te consume la tristeza. Así que teníamos un concepto básico con el que era fácil identificarse y que resultaba interesante para la gente".
  El timing de la primera película resultó perfecto: la propia hija de Docter tenía más o menos la edad de Riley y estaba creciendo, lo que inspiró una historia que resultó universal para padres y niños de todo el mundo. "'Del revés (Inside Out)' nació de la unión fortuita de mi búsqueda de algo que aprovechara al máximo lo que la animación sabe hacer muy bien: las emociones como personajes, y el hecho de que en ese momento mi hija estaba atravesando un montón de cambios. Recuerdo que yo también cambié mucho en el instituto. Me volví más tranquilo, más consciente de mí mismo, menos alocado. Me preguntaba: "¿dónde está la alegría de la infancia? Y cinco años después del estreno de la película, Kelsey Mann me dijo que la película le había llegado al alma porque sus hijos también habían pasado por todo eso".
  Por supuesto, los hijos de Mann llegaron a la adolescencia, lo que inspiró una historia totalmente nueva que puede resultar igual de universal: los realizadores de Pixar no tardaron en contar sus experiencias como adolescentes o como padres de adolescentes. En palabras de Docter: " Nos pareció que se podía hacer más cosas con  estos personajes que hablaran de los retos y aventuras que conlleva hacerse mayor".
  En realidad, el escenario ya se había preparado años antes. "Del revés (Inside Out)" concluye con una provocadora frase de Alegría mientras un nuevo botón marcado "pubertad" aparece en la consola: "Después de todo, Riley ya tiene 12 años. ¿Qué podría pasar?". Dice Nielsen: "Nos dimos cuenta de que la primera película establece claramente la siguiente etapa de la vida de Riley".
  Al igual que la primera película, "Inside Out 2 (Del revés 2)" no tiene miedo de abordar sentimientos difíciles. Collins afirma: "Lo que me parece maravilloso de esta película es que reconoce que, a medida que los niños se convierten en adolescentes, aparecen emociones más complejas. Y hay una realidad científica detrás de esos cambios, así que sabíamos que teníamos entre manos una historia con la que podían identificarse los niños, los padres y todo el mundo".
  Y Mann añade: "Hemos invitado a un grupo de emociones complejas a entrar en la mente de Riley, abordando sentimientos como la envidia, la vergüenza y la ansiedad. La ansiedad está muy extendida hoy en día y debilita a muchas personas, pero la historia trata esta transición con amabilidad y empatía y, en última instancia, con alegría".

EMOCIONES ADOLESCENTES...
  La idea de que Riley entrara en la adolescencia proporcionó a los realizadores el lienzo perfecto. “Nos reunimos con expertos”, afirma Nielsen. “Leímos muchos libros y hablamos con psicólogos sobre lo que sucede en el cerebro de los adolescentes: la expansión de sus mentes que se produce en ese momento. Enseguida supimos que tenía un enorme potencial para el entretenimiento gracias a ese nuevo grupo de Emociones que llegarían e interrumpirían a las cinco principales que acababan de descubrir cómo trabajar juntas”.
  Docter añade: “Lo curioso es que, cuando investigamos para la película original, quedó bastante claro que hay más de cinco emociones. Pero el mundo y la historia eran tan complejos que necesitábamos simplificarlos.
  Esta secuela nos brindó la oportunidad de introducir algunas de las emociones que no habíamos podido utilizar. Obviamente, los niños más pequeños sienten cosas como la vergüenza y la envidia, pero creo que nuestro truco que consiste en que aparezcan más adelante funciona bien, dado la intensidad con la que se sienten en nuestra adolescencia. Ha sido una maravilla desarrollar personajes más divertidos, caricaturizados y con los que te puedes identificar. ¡Desde el principio, esa fue la única razón para hacer todo esto!”
  “Está claro que cuando entras en la adolescencia, surgen emociones más complejas”, continúa diciendo Nielsen. “Ansiedad ha formado parte de nuestra historia desde el principio, pero por el impacto que ha tenido los últimos años en todos nosotros, especialmente en los adolescentes, ahora parecía el momento adecuado para hablar de esta emoción en la historia”.

ALZAR LA VOZ...
  Amy Poehler, Liza Lapira, Tony Hale, Lewis Black y Phyllis Smith prestan sus voces a Alegría, Asco, Miedo, Ira y Tristeza, respectivamente. Y ahora que Riley es una adolescente, hay nuevas Emociones y un elenco de voces elegido para darles vida que incluyen a Maya Hawke como Asco, Ayo Edebiri como Envidia, Adèle Exarchopoulos como Ennui y Paul Walter Hauser como Vergüenza.
  Además, Kensington Tallman presta su voz a Riley Andersen, que está a punto de empezar el instituto. Los realizadores recurrieron a Lilimar para dar voz a Valentina “Val” Ortiz, una jugadora de hockey de instituto a quien todos admiran, incluidos Riley y sus amigos. Grace Lu y Sumayyah Nuriddin-Green proporcionan las voces de las mejores amigas de Riley; Diane Lane y Kyle MacLachlan retoman las voces de la madre y el padre de Riley; e Yvette Nicole Brown es la voz del Entrenador Roberts, que dirige un campamento de verano de hockey. El elenco de voces también incluye a Ron Funches, James Austin Johnson, Yong Yea, Steve Purcell, Dave Goelz, Kirk Thatcher, Frank Oz, Paula Pell, June Squibb, Pete Docter, Paula Poundstone, John Ratzenberger, Sarayu Blue, Flea, Bobby Moynihan y Kendall Coyne Schofield.

LA PANDILLA DE RILEY...
  Los realizadores querían asegurarse de que su historia sobre una adolescente y las nuevas Emociones que conlleva la adolescencia fuera lo más auténtica posible, por lo que echaron mano al recurso definitivo: chicas adolescentes.
  Se formó un grupo de nueve chicas conocido como la Pandilla de Riley a través de referencias de organizaciones y miembros del equipo del estudio. Las niñas tenían entre 13 y 16 años cuando comenzó la iniciativa en 2021; vienen de California, Washington y Luisiana.
  “Queríamos un grupo diverso de chicas con distintos orígenes e intereses", dice el productor Mark Nielsen. “A algunas les gusta la música, a otras el arte; algunas son estudiantes atletas. Nos han acompañado desde la primera proyección”.
  A lo largo de tres años, se enseñaba periódicamente la película a los miembros de la Pandilla de Riley. “Les enviamos a todas cuadernos para que tomaran notas”, dice Nielsen. “Luego nos reuniríamos con ellas por Zoom y les hacíamos preguntas: ‘¿Qué ha funcionado para ti?', '¿Qué te molesta?', '¿Entendiste el Sistema de Creencias?', ¿Este diálogo te ha parecido realista?’”
  La colaboración culminó con una invitación al estreno en Hollywood de “Al revés 2 (Inside Out 2)”.

EMOCIONES ENCONTRADAS...
  "Del Revés 2 (Inside Out 2)" de Disney y Pixar retoma personajes que hicieron famosos los sentimientos en “Del revés (Inside Out)” en 2015. Según el productor ejecutivo Jonas Rivera, que produjo la primera película, crear una secuela evoca una amplia gama de emociones para los realizadores. “Recuerdo haber entrado en una sala de proyección de 'Toy Story 4'”, dice.
  Ver a Woody en un test de animación me dio la sensación de volver a conectarme con la familia: es como un viejo amigo. La idea de volver a ver a Riley y regresar a la Sede con Alegría, Tristeza, Ira y todos los demás se parecía a un divertido reencuentro familiar.
  “Al mismo tiempo”, continúa diciendo Rivera, "cuando haces una secuela, sabes que el público vendrá al cine con sus propias expectativas porque está familiarizado con los personajes. Para nosotros, es una gran oportunidad para ofrecer algo que sorprenda a la gente".
  El director Kelsey Mann pudo abordar este desafío desde dos puntos de vista. “Tengo dos hijos y ambos adolescentes, así que estoy justo en medio”, dice Mann. “Pero me centré en la idea de que Riley fuera una adolescente porque esa época fue un momento difícil en mi vida. La primera película hizo mucho bien al mundo: proporcionó a la gente una nueva forma de hablar sobre sus sentimientos y si podemos hacer algo así para los adolescentes de todo el mundo, entonces cuenta conmigo. Quiero formar parte de todo eso”.
  El público asistirá a una especie de reforma en la mente de Riley cuando de repente aparece un equipo de construcción que deja entrar nuevas Emociones. Esto coge desprevenidas a Alegría y al resto de las cinco Emociones originales. Ahora no están seguras de qué hacer con las recién llegadas.
  La supervisora de personajes Ana Gabriela Lacaze dice que los personajes de las Emociones en el mundo de la mente no son sólidos sino que están hechos de muchos componentes semi-translúcidos diferentes.
   “La mirada etérea se logra combinando superficies, volúmenes y partículas”, dice Lacaze. “Las partículas de algunas Emociones, como Tristeza, Vergüenza o Envidia, son más suaves, más translúcidas y se mezclan perfectamente con los volúmenes. En otras Emociones (como Ira, Ansiedad y Ennui), las partículas son más opacas y se comportan casi como cristales de azúcar y el volumen de sus bordes es menos perceptible. Los volúmenes, visibles principalmente en los perfiles de los personajes, están teñidos de manera diferente según la dirección de la iluminación y sus ojos tienen destellos a excepción de Tristeza.
  “Alegría siempre brilla y tiene un gran volumen exterior de color azul suave que siempre la rodea”, continúa diciendo Lacaze. “Además, ella es el único personaje que tiene partículas que arrastra, pequeñas partículas que van quedando atrás y que se disipan a medida que se mueve”.
  Según la directora de arte de iluminación Rona Liu, la iluminación debía tener en cuenta la rica paleta de colores que los personajes aportaban al mundo de la mente. “Hay muchos personajes que se pueden identificar fácilmente por su color característico, así que la iluminación tenía que ser difusa y suave para que el color de cada personaje brillara”.
  Para complicar los esfuerzos del equipo de iluminación hay una consola actualizada que cambia de color dependiendo de la Emoción que haya que controlar. Liu dice: “Tuvimos mucho cuidado a la hora de controlar exactamente cuánto afectaba esa luz de color a los personajes. Por ejemplo, demasiado verde en un personaje rojo no parecería atractivo. Logramos reducirlo en un 50 por ciento para dar con un resultado bonito”.
  Los personajes, muchos de ellos diseñados hace años, tuvieron que ser recreados para encajar en los sistemas actuales de Pixar. El supervisor de tecnología global Patrick Coleman y su equipo se propusieron mejorar los originales. “Un gran objetivo de esta película era facilitar que nuestros artistas trabajaran más rápido, sobre todo teniendo en cuenta las nuevas Emociones”, dice Coleman. “Así que nos sentamos y estudiamos lo que habíamos hecho en 'Soul' y 'Elemental' y dijimos: 'A ver, ¿cómo podemos mejorar esto? ¿Cómo podemos hacer que sea menos una herramienta de ingeniería que apoya a los artistas y más bien un juego de herramientas refinadas y adaptadas a los artistas?’”
  Ese sistema se llama Hexport. Coleman afirma: "Es una combinación de una proceso que sabe cómo mover datos, así como una interfaz para trabajar con Houdini, que es el software de terceros que utilizamos”.
  Los personajes de la mente están hechos de volúmenes y partículas, que pueden resultar complicados de animar. “Cuando un animador posaba a un personaje, no podía ver con exactitud lo que estaba posando", dice Coleman. “Trasladamos una representación aproximada de eso a Presto, nuestro software de animación, para que los animadores pudieran ejecutar una versión con poco peso y tener así una mejor idea del aspecto del personaje”.
  A continuación se muestra la lista de Emociones (nuevas y antiguas), además de los personajes del mundo real.

ALEGRÍA está de regreso y lista para afrontar la adolescencia: los altibajos alegres, los altibajos con lágrimas, las frustraciones abrasadoras, los cambios nauseabundos y los momentos terriblemente incómodos. Todo un nuevo mundo para la adolescente Riley. La felicidad de Riley es la principal prioridad de Alegría así que está decidida a proteger la Conciencia de Sí Misma de Riley y ayudarla a seguir siendo la misma niña feliz que conoce y quiere. Optimista, alegre y rebosante de ideas brillantes para el futuro de su hija, Alegría tiene un plan para la Sede que nada descarrilará, es decir, hasta que lleguen las nuevas Emociones.
  Rivera dice: “A Alegría no le gusta que las cosas cambien. Ella diría: 'el verano pasado fue el mejor verano', ¿verdad? Siempre nos hizo mucha gracia que termináramos la primera película con Alegría olvidando las lecciones que acababa de aprender. Esta segunda película nos dio la oportunidad de mostrar a Alegría aprendiendo una nueva lección en una etapa diferente de la vida de Riley”.
  Según Mann, la Conciencia de Sí Misma de Riley corre peligro. “Y eso es lo que Alegría quiere proteger más que nada en el mundo”, afirma. “Lleva mucho tiempo trabajando duro para garantizar que Riley se centre en lo positivo. Alegría toma literalmente esos pensamientos negativos que todos tenemos, esos momentos en los que somos duros con nosotros mismos, y los envía al fondo de la mente de Riley”.
  Es muy fácil identificarse con eso. Amy Poehler, que regresa a la Sede Central como la voz de Alegría, dice que Pixar sabe cómo conectar a las personas. “Encuentran unas formas preciosas, artísticas y animadas de recordarnos nuestra propia humanidad y eso resulta asombroso", dice la actriz. “En 'Del revés 2 (Inside Out 2)', nos piden que emprendamos un viaje dentro de nuestras propias mentes, nuestros propios corazones. ¿En qué creemos? ¿Qué es lo que nos importa? Todas esas grandes preguntas existenciales se condensan en esta película tremendamente enérgica y profundamente divertida”.
  Según Poehler, el público asistirá a la entrada de Riley en la adolescencia. “Cuando volvemos a ver a Riley en esta película, ella acaba de emprender ese viaje”, dice la actriz. “Es más torpe. Lleva aparato en los dientes. Sus amigos son más importantes que su familia. La brutal realidad que conlleva ser adolescente consiste en que prestas mucha más atención a cómo te ve la gente. Y debido a todo eso, llegan un montón de Emociones nuevas para causar el caos. Y Ansiedad desafía a Alegría, que se aferra a una versión antigua de Riley”.
  Lacaze dice que el pelo de Alegría (y el de todas las Emociones) está construido de una manera "muy interesante". “Los mechones se ven y se comportan como cabello desde lejos en cuanto a iluminación, pero tras una inspección más detallada, ves que los mechones están hechos de puntos. Los puntos son brillantes y tienen una apariencia de halo que le otorga una sensación etérea”.
  Alegría también tiene una característica única que demuestra el papel especial que desempeña en la mente de Riley. “Ella brilla, emite luz”, dice la supervisora de iluminación Charu Clark, que explica la estructura de valores dentro de una secuencia. “¿Qué es lo más brillante? ¿Y cuál es la segunda cosa más brillante? Queremos que se vea bien. Jugamos con Alegría hacia arriba o hacia abajo dependiendo de detalles como la hora del día y la emoción de la escena”.

ANSIEDAD es un montón de energía que está en las últimas. Pero asegura con entusiasmo que Riley esté preparada para cualquier resultado negativo. Para proteger a la nueva adolescente de peligros que no es capaz de ver, Ansiedad quiere a toda costa que Riley encaje con sus compañeros de instituto. Armada con listas meticulosamente organizadas y planes para asegurarse de que Riley nunca cometa un error, Ansiedad va 10 pasos por delante y no tiene reparos en compartir los peores escenarios. Ansiedad sabe que tiene mucho con lo que lidiar, pero sabe que empujar a Riley hacia la perfección significa estar mucho más cerca de lograr sus objetivos.
  Ansiedad juega un papel importante en la vida social de Riley. Mann dice: "Para asegurarse de que Riley esté a salvo, protegida y, en última instancia, aceptada por los demás, Ansiedad empuja a Riley a cambiar. Creo que muchos adolescentes hacen lo mismo. Lo sé porque yo también lo hice. Cambiamos quiénes somos, nos transformamos un poco para lograr esa aceptación. ¿Pero deberíamos cambiar quiénes somos solo para agradar a los demás?”
  La supervisora de la historia McKenna Harris insiste sin embargo en que, a pesar de que Ansiedad es la antagonista, no es el enemigo. “Desde el principio siempre tuvimos muchas ganas de afrontar esa batalla contra el perfeccionismo a los que se enfrentan muchas chicas jóvenes y también todos nosotros”, dice Harris. “Nos pareció que la ansiedad no siempre es mala. Ayuda a encontrar sentido a nuestras vidas, así que en nuestra historia tratamos a Ansiedad con empatía y compasión para asegurarnos de que el personaje no sea el clásico 'malo' de la película. Ella quiere lo mejor para Riley”.
  Maya Hawke, que presta su voz a Ansiedad, se metió en el personaje (con todas sus imperfecciones) e hizo los deberes para conseguirlo. “Hay un libro titulado 'El poder positivo del pensamiento negativo', y pensé mucho en ese libro mientras trabajaba en Ansiedad", dice Hawke. “La idea es que la ansiedad, el estrés y los pensamientos negativos son malos, pero pueden protegerte; porque si estuvieras demasiado alegre todo el tiempo, nunca te acordarías de coger el paraguas”.
  La actriz se quedó maravillada cuando el personaje cobró vida durante la producción. “Es increíble ver tu interpretación en clave animada", dice Hawke. “Pude ver una imagen de Ansiedad incluso antes de aceptar el papel. Me enamoré de esta pequeña y loca bola de masa color naranja. Y me encanta la forma en la que animan con tanto cariño tu voz. De hecho, veo partes de mí en este dibujo y es una sensación increíble que nunca había experimentado. Es como un sueño hecho realidad”.
  Según el supervisor de personajes Michael Comet, Ansiedad es “prácticamente una boca con globos oculares pegados en la parte superior”. El equipo de Comet empezó con la base habitual de boca y dientes. “Además, añadimos una segunda capa de flexibilidad para que el equipo de animación pudiera controlar la boca de forma independiente, así como la silueta exterior del personaje. De hecho, hay un doble sistema de controles. También hemos conseguido que se puedan ocultar o mostrar los dientes en función de la pose que utilice el animador".
  El equipo de modelado también creó brazos delgados en forma de tubo para Ansiedad, que los animadores podían moldear formando curvas suaves. "El sistema de brazos de fideos nos permite acertar con esas formas -suavizar el codo- o convertirlo en una manguera de goma", dice Comet.
  Incluso el pelo de Ansiedad tiene la facultad de emocionar, una primicia en Pixar. "El pelo de Ansiedad se parece mucho a las plumas y podemos conseguir un movimiento realista del pelo mediante la simulación", afirma Comet. "Pero también hay una serie de controles de animación que consiguen formas esculpidas que pueden accionarse hacia arriba y hacia abajo: ¿el pelo está triste y caído? ¿Emocionado y eléctrico?”
  Y como Ansiedad es un aspecto muy importante de la experiencia de Riley, los realizadores querían encontrar una forma de indicar si la Emoción está al mando cuando el público está con Riley en el mundo real. Adam Habib, director de fotografía (layout), dice: "La cámara se vuelve más activa y portátil cuando Ansiedad está al mando, así que nos sentimos algo desubicados o desequilibrados. También utilizamos lentes gran angular para deformar un poco la perspectiva. Cuando estás en un estado de ansiedad, a veces las pequeñas cosas empiezan a parecer un problema enorme, así que mostramos eso con una visión desmesurada y exagerada del mundo".
  La animadora Amanda Wagner afirma que la forma y las características de Ansiedad crearon un sinfín de oportunidades para los animadores. “Sus ojos saltones y su forma tan divertida hacen que destaque entre el resto de los personajes", dice Wagner. “Ansiedad habla muy deprisa. Su cuerpo ejecuta movimientos cortos y entrecortados, y los ojos se mueven con rapidez porque está pensando constantemente en lo siguiente. Tiene poses muy dinámicas y divertidas, siempre pasa algo con ella”.
  Exaltado y testarudo, Ira está listo y dispuesto a luchar por lo que es justo cuando se trata de Riley. Es muy apasionado, pero a veces reacciona de forma exagerada, incluso explosiva. Ira cree que los límites son necesarios, pero no tiene miedo de saltar por encima de los obstáculos si es lo mejor para Riley. “En esta película, lo divertido de Ira es que ha tenido que salir de su mundo", dice el productor Mark Nielsen. “En la Sede Central está fuera de su zona de confort y se enfrenta a algunas situaciones bastante frustrantes. Su primer instinto es dar un buen puñetazo pero, al igual que ocurre en todas las Emociones, es algo más que eso. Alegría puede sentirse triste e Ira puede sentirse feliz”.
  Una vez más, el inimitable Lewis Black presta su voz a Ira, y dice que su Emoción toca la fibra sensible por una buena razón. “La ira suele ser un sentimiento que tenemos tendencia a reprimir”, dice. "Por eso, escuchar cómo se expresa Ira intriga a los fans, ya que ese tipo de sentimientos rara vez se expresan en voz alta".
  Según Comet, Ira ya planteó un desafío en “Del revés (Inside Out)” y esta vez el personaje tampoco fue fácil. “Es muy bajito, macizo y algo grueso", dice el supervisor de personajes. "Esa peculiaridad o se convierte en un auténtico reto para hacer que el personaje se mueva de forma que no se cruce consigo mismo y parezca que está roto. Su boca también tiene que servir para mover su ropa: cuando abre la boca, se le caen automáticamente la corbata y la camisa".
  Laura Meyer, la directora de arte de gráficos, ayudó a decorar las habitaciones de las Emociones en la Sede Central. "Ira tiene un tarrito donde echa dinero cuando dice palabrotas", dice Meyer.

MIEDO protege a Riley y la mantiene a salvo de peligros visibles, grandes y pequeños, desde discos de hockey asesinos hasta recortes de papel. Miedo es una señal de precaución con patas que aleja diligentemente a Riley de situaciones de riesgo, peligros inminentes y amenazas graves. Así que es lógico que sea sobre-protector. Alguien tiene que cumplir con los protocolos de seguridad. “Miedo es esa sensación que se tiene ante una amenaza conocida", dice Mann, "mientras que Ansiedad tiene que ver con la amenaza percibida”.
  La guionista Meg LeFauve añade: "Miedo admira un poco a Ansiedad; le impresionan las innovaciones que puede aportar al sistema de alerta”.
Tony Hale es la voz de Miedo. Hale dice que el personaje capta muy bien cómo se desarrollan las emociones en el interior, aunque no siempre resulten evidentes en el exterior. “Todos experimentamos miedo”, afirma. “Es un hecho. Y ojalá todos pudiéramos gritar y asustarnos de la misma manera que lo hace Miedo”.
  Según el director de animación Shaun Chacko, Miedo puede parecer un diseño simple y poco complicado, pero a la hora de animar al personaje, es todo menos simple. “Miedo es un personaje divertido pero difícil de animar”, afirma. "Es el más reactivo: siempre está en alerta máxima, con los ojos muy abiertos en busca de posibles peligros y una boca que puede pasar de pequeña a realmente enorme. La característica de su diseño es que sólo queda bien en determinados ángulos. Nunca vemos a Miedo de frente debido a la relación entre sus ojos y su nariz. Los animadores tuvieron que tratarlo de forma gráfica, casi como un dibujo, para que siguiera teniendo el aspecto que debía tener Miedo. Queda muy bien con el pecho fuera y los ojos entornados; una vez que lo conoces, puedes divertirte mucho con Miedo".

TRISTEZA estaba acostumbrándose a las cosas antes de que llegara un grupo de nuevas Emociones. Todos reconocen la importancia de su papel en la vida de Riley y por eso estos días Tristeza se siente más cómoda con su actitud melancólica. Aunque puede que no tenga demasiadas energías, está dispuesta a ayudar a su niña a soportar los cambios que se avecinan, incluso si eso significa asumir una misión crucial. “Alegría entiende el valor de Tristeza, tanto es así que fue idea suya confiar a Tristeza un trabajo importante”, dice Nielsen. "Se trata de la visión de Tristeza para convertirse en un héroe de acción".
  Phyllis Smith vuelve a prestar su voz a Tristeza. “Sé que Tristeza tiene un poco más de confianza y conciencia de sí misma pero, como siempre, la máxima prioridad de Tristeza sigue siendo el bienestar de Riley. Así que, con el apoyo de Alegría, Tristeza emprende la misión de ayudar a Riley a lidiar con sus nuevas emociones”.
  Según la directora de animación Amanda Wagner, Tristeza actúa sobre todo de forma intuitiva. “Es un personaje sencillo”, dice Wagner. "Está hundida, todo tira de ella hacia abajo y aunque hace todo lo posible por mantenerse en pie, no puede. Casi siempre la sujetamos, así que aunque se mueva mucho, lo hace dentro de los límites de su cuerpo. Tirarse al suelo es el movimiento más significativo que vayamos a ver”.
  Ahora que Riley es una adolescente, el radar de ASCO para detectar lo que no es guay es más exacto que nunca. Obstinada, tremendamente sincera y comprometida con mantener a Riley alejada de todo lo desagradable, Asco se apresura a despreciar el primer olor a comida rara o comentarios de mal gusto y se niega a participar en cualquier actividad que pueda resultar en una muerte social segura. Según el guionista Dave Holstein, Riley no es la única que cambia. “Asco descubre que es increíblemente perspicaz”.
  Liza Lapira es la voz de Asco. "Es divertido interpretar a alguien tan tajante, sarcástico y que siempre tiene razón al cien por cien", dice Lapira. “La verdad es que he conseguido interpretar a un adolescente”.
  Lapira dice que Asco juega un papel importante en la mente de Riley: tiene buenas intenciones a pesar de esas miradas de repulsión. “Lo único que hace es prevenir posibles desastres sociales y físicos”, afirma Lapira. "Estos incluyen, entre otros, el brócoli, decir cosas embarazosas y lo que está prohibido por la moda".
  Según el supervisor de personajes Michael Comet, Asco tiene algunas características distintivas que la hacen particularmente memorable. “Curiosamente, sus pestañas son partículas del mundo de la mente: pueden atravesar su cabello  y otras cosas. Y tiene una sonrisa característica y es muy importante saber capturarla”.

ENNUI es una de las nuevas Emociones de Riley, pero no le importa lo más mínimo. Aburrida, pasota y con una mirada muy estudiada, Ennui añade la dosis perfecta de apatía adolescente a la personalidad de Riley, cuando le apetece claro. ¿Lo mejor? Ni siquiera tiene que levantarse del sofá: Ennui puede controlar la consola de forma remota mediante su aplicación móvil.
  Según el supervisor de historia John Hoffman, Ennui le resultará muy familiar al público. “Es ese sentimiento adolescente de no importarte nada o de no querer ponerte las pilas", dice. “Yo me sentía así de adolescente. Ennui tiene una postura lacia y solo le importa su tecnología”.
  LeFauve señala que, a pesar de que Ennui parece estar fuera de juego, está siempre ahí para ayudar a su niña proporcionándole un mecanismo de protección que permite a Riley pasar del máximo dramatismo a no sentir nada. “Ennui también cumple una función importante al crear un poco de distancia entre Riley y sus padres”, dice LeFauve. “Sé que eso no es nada divertido cuando eres padre”.
  Adèle Exarchopoulos presta su voz a Ennui. “Ya era una gran fan de Pixar, pero la creatividad de 'Del revés (Inside Out)' me pareció increíble”, dice la actriz. La actriz francesa recuerda que el director Kelsey Mann compartió una serie de fotos de su propia fiesta de cumpleaños para ilustrar la historia de Riley: esa alegría en estado puro que sientes cuando cumples 13 años y te conviertes en adolescente. “Conocí al director, me encantó todo lo que dijo sobre la secuela y vi fotografías de sus cumpleaños a diferentes edades; en realidad todos seguimos el mismo patrón de evolución en la vida”, dice Exarchopoulos. “Es ese momento en el que pasas de la inocencia de la infancia a la complejidad y la ansiedad de la adolescencia”.
  Con su actitud cansada, aburrida y una evidente falta de interés, Ennui fue todo un desafío para el equipo de personajes. La supervisora de personajes Ana Gabriela Lacaze dice: “Por lo general, está recostada en el sofá o inclinando la cabeza hacia un lado o hacia otro. Queríamos que su look reforzara esa sensación de desconexión y falta de energía, así que creamos un look muy específico para su pelo. Es largo y le pesa. Hay muy poco movimiento, casi como si fuera una cascada”.
  Ennui fue la última Emoción en tener un color oficial. El diseñador de producción Jason Deamer dice: “Lo gracioso es que no quedaban más colores en la caja de ceras. Pero creo que el verdadero problema fue que nada parecía funcionar con este personaje. Ennui no se molesta en levantar la cabeza, está siempre tan aburrida. Al final optamos por este tono oscuro, desaturado, azul grisáceo; si tuviera que darle un nombre, sería 'bueno.’”

Puede que ENVIDIA sea pequeña, pero seguro que sabe lo que quiere. Está siempre celosa de todo lo que tienen los demás y no le da miedo suspirar por ello. Las ilusiones y la fascinación de Envidia por lo más nuevo y lo más guay hacen que se fije en todo y anhela lo que Riley no tiene. Mann dice que Envidia representa ese sentimiento de "desear" que los adolescentes conocen muy bien; en última instancia, ella formará parte de los esfuerzos de Riley para establecer metas. “A esa edad nos gusta mucho compararnos con los demás”, afirma. “Y como Envidiar es diminuta, surge de la idea de que siempre está deseando ser tan alta como los demás”.
  El productor Mark Nielsen añade: “El Dr. Dacher Keltner, profesor en Berkeley, psicólogo y escritor, fue un excelente colaborador para nosotros en la primera película y trabajamos mucho con él: Los celos surgieron muy a menudo y acabaron convirtiéndose en Envidia porque nadie quería dedicar tiempo a los celos como si fueran un personaje".
  Ayo Edebiri presta su voz a esta diminuta Emoción. “De hecho, me cuesta mucho sentir celos”, dice, “¡lo que no quiere decir que no me pase! De niña, mi madre siempre me preguntaba por qué tenía celos de alguien o de algo. ¡Así es como empecé a pensar en ese tipo de sentimientos! Y de pequeña, tenía tanto apetito por la vida. ¡Esperaba mucho del mundo y de mí misma!”
  La montadora Maurissa Horwitz dice que la actriz realizó una actuación matizada. “Ella nos dio muchas ideas fantásticas con las que trabajar", dice Horwitz. “Contribuyó en gran manera a dar forma al personaje gracias a su interpretación, porque logró un equilibrio perfecto y divertido entre ser adorable y un poco loca. Y esa es la dualidad que vemos en Alegría, Ira y Miedo. Quieres que no sólo sean sus Emociones, sino que también tengan personalidad propia".
  Encontrar el look de cada personaje siempre es un desafío y la inspiración puede venir de los sitios más inesperados.
Según la directora de arte de personajes, Keiko Murayama, el personaje de Envidia era complicado porque en los primeros diseños su aspecto era bastante desagradable. “Nos llevó meses y meses resolver esta anomalía", dice Murayama. “Después de muchos debates, Kelsey [Mann] nos dio un boceto de Envidia y dijo: '¡Dios mío, eres increíble! Ojalá yo fuera…' A partir de ahí, todo creció como una bola de nieve. A continuación me dedique a ver un montón de fotos de cachorros. Y encontramos la foto de un cachorro de Cocker Spaniel mojado y muy triste y todos dijeron: '¡Ese es!’”

A VERGÜENZA le gusta pasar desapercibido, lo que no es nada fácil teniendo en cuenta que es un tipo corpulento con una resplandeciente tez rosada. Tímido y reservado, Vergüenza está dispuesto a dejarse caer sobre la consola de la Sede Central a la primera situación social que le incomode.
  Vergüenza es tranquilo y usa su sudadera con capucha para esconderse. Según el supervisor de historia John Hoffman, puede que Vergüenza sea tímido, pero tiene mucha marcha. “Vergüenza es a menudo un signo de exclamación ante las interacciones que Riley tiene con otros personajes”, dice Hoffman. “Pero cobra vida cuando surge su relación con Tristeza. Ella reconoce a Vergüenza. Hay un parentesco entre ellos. Vergüenza es un personaje muy sensible y un poco outsider como lo era Tristeza en la primera película”.
  Según Adam Habib, director de fotografía (layout), el enorme tamaño de Vergüenza no fue tan problemático como uno podría pensar, incluso si lo colocamos a un lado de Emociones mucho más pequeñas. "Parte de su gracia es que no siempre encaja en el encuadre", dice Habib. "En lugar de intentar equilibrar un personaje grande o uno pequeño, decidimos adoptar esa diferencia de escala".
  El director de animación David Torres supervisó las actuaciones de Vergüenza. “Tiene forma de bombilla, con una cabeza grande y hombros anchos”, dice Torres. “Su cuerpo se estrecha a medida que bajas y tiene dedos de paloma. Cuando aparece Vergüenza, sus mejillas y su nariz se sonrojan. Añadimos controles para que los animadores pudieran activar el rubor todo lo que quisieran. Decidimos que su sudadera con capucha podría ser una extensión de Vergüenza (es la Emoción más grande en pantalla y no quiere que lo vean), pero es demasiado grande para esconderlo. Puede subirse la cremallera de la sudadera con capucha, ajustarse la capucha y meter las manos en los bolsillos. Él elige no hablar, lo que lo hace aún más sorprendente”.
  Los realizadores eligieron a Paul Walter Hauser para dar voz a Vergüenza, alguien que dice mucho sin muchas palabras. “A veces menos es más, ¿no?", dice el actor. “Como nos pasa a muchos, él debe lidiar con la inseguridad y la indecisión y al mismo tiempo intenta descubrir su lugar en su esfera social. Así que es fácil identificarse con él. Y ojalá sea tan divertido y bonito como aparecía en el guion.
  "Grabarlo fue muy divertido porque se convirtió en un ejercicio interpretativo que consistía en crear vida a partir del sentimiento y el sonido, en lugar de hacerlo con la facilidad y la inmediatez del diálogo", continúa diciendo Hauser. "También hubo cierta libertad para fracasar, porque cada toma se convirtió en un estallido de lluvia de ideas más que en una actuación calculada".

RILEY ANDERSEN es oficialmente una adolescente! Riley va a entrar en el instituto y su mundo está a punto de cambiar de arriba a abajo. Si Alegría y el resto de las Emociones de Riley pensaron que sus años de infancia fueron difíciles, les espera una aventura absolutamente desenfrenada. Nuevos amigos, pruebas y grandes cambios, todo mientras hace frente a un juego complejo de nuevas emociones. ¿Qué podría salir mal? Por dentro, Riley sigue siendo esa niña eternamente feliz que sus amigos y familiares conocen y adoran, pero como la Conciencia de Sí Misma está cambiando rápidamente, debe luchar por encontrar un equilibrio ante los desafíos que le plantea su nuevo mundo. “Físicamente”, dice el director.
  Kelsey Mann, “ha crecido mucho, lleva aparato en los dientes y tiene acné. Está en ese momento en el que es más alta que mamá, lo que también me pasó a mí. El día que mi hija fue más alta que mi mujer fue un momento memorable”.
  Según la supervisora de historia McKenna Harris, Riley es la misma chica que el público adoró en la primera película. “Es una niña buena que saca buenas notas", dice Harris. “Sobresale en los deportes, tiene buenos amigos y está muy bien adaptada. Pero la adolescencia llega literalmente como una bola de demolición y cambia todas esas suposiciones que teníamos sobre Riley”.
  Según la supervisora de sets Amy Allen, la evolución de Riley es perceptible de muchas maneras. “Ella sigue teniendo sus Islas de Personalidad, pero la Isla de la Amistad se ha hecho cada vez más grande mientras que la Isla de la Familia se va haciendo proporcionalmente más pequeña. Pero no queríamos que fuera demasiado pequeña. Así que la ampliamos y la redujimos para encontrar esa zona de Ricitos de Oro en la que no resultara demasiado patética para sus padres y para todos los padres que la miraban”.
  Kensington Tallman presta su voz a Riley. “Retratar a la adolescente Riley en 'Del revés 2 (Inside Out 2)' ha sido una experiencia que me ha cambiado la vida”, afirma la actriz. "Leer el guion y ver las nuevas Emociones cambió por completo mi perspectiva de la vida y la salud mental. Llevo varios años luchando contra la ansiedad. Ver a Ansiedad en la mente de Riley ha reafirmado mis sentimientos y me ha dado la confianza para saber que no estoy sola. Ser adolescente puede ser muy duro. Asignar personajes tangibles a sentimientos abstractos me ha dado las herramientas para reconocer mis emociones, distinguir entre hechos y pensamientos y aceptar quién soy. Estoy deseando que la gente vea esta increíble película para que sepan que Alegría, Ansiedad, Tristeza, Envidia, Ira, Vergüenza, Asco, Ennui y Miedo son reales y que no estamos solos en esto. 'Del revés 2 (Inside Out 2)' me ha enseñado que todos compartimos inseguridades y miedos y que si nos unimos podemos aprender a querer a los demás y a nosotros mismos, por dentro y por fuera. También me encanta que esta película aborde experiencias reales de la adolescencia, como hacer nuevos amigos y mantener el contacto con los antiguos, encajar, la inseguridad y las dudas. Me alegro mucho de que "Del revés 2 (Inside Out 2)" se centre en la salud mental de los adolescentes, porque muchos de ellos lo están pasando muy mal en este momento. Me tranquilizó saber que, en cierto sentido, todos nos enfrentamos a problemas de salud mental, y creo que esto animará a todos los espectadores, sin importa su edad".
  La directora de arte de personajes Keiko Murayama fue la encargada de convertir al personaje de "Del revés" en una adolescente. "Trabajé para envejecerla", dice Murayama. "Fue todo un reto. Ahora es tan alta como mamá, pero se siente incómoda con su altura, así que se encorva un poco. Pasamos por muchas variaciones de su cara -algunas demasiado jóvenes, otras demasiado mayores- porque queríamos capturar esa adolescencia y asegurarnos de que seguía pareciéndose a Riley. Hablamos de lo roja que debía ser su espinilla y de dónde debía colocarse. Y creo que le queda muy bien el aparato dental".

VALENTINA “VAL” ORTIZ es esa chica, a la que todos admiran, incluidos Riley y sus amigos. Capitana del equipo universitario de hockey, segura de sí misma y encantador con todos, luce sin esfuerzo un mechón de pelo rojo. Así que todos están impresionados u obsesionados con Valentina. Lo mejor de todo es que ve el potencial universitario en Riley, y Riley se vuelve loca.
  Según Mann, la admiración de Riley por Val forma parte de ser un adolescente. “A esa edad, de repente, empiezas a compararte con los demás”, dice. “Estás obligado a encajar. Valentina representa esa persona con la que te comparas, quien desearías ser pero que no eres. Recuerdo a un chico en particular cuando era joven: tenía mucho talento para el fútbol, era súper divertido y encantador. Quería ser como él con todas mis fuerzas. Así que quería que Riley tuviera a alguien así”.
  Hoffman dice que para los realizadores era importante que Val fuera amable con Riley. “Éramos muy conscientes de que Val y sus compañeras no correspondían al patrón de chicas malas”, dice. “No es que esas chicas malas no existan en el instituto, pero Val es un personaje con categoría de modelo”.
  Lilimar, que pone voz a Val, se alegra de que el personaje sea positivo. "Personalmente, siempre me he sentido un poco decepcionada cuando las chicas mayores, guays y ambiciosas se convierten en villanas en los medios, en lugar de destacarlas como las hermanas mayores a las que admiramos", dice. Todavía recuerdo a la chica de quinto que me daba consejos y me traía caramelos cuando yo estaba en tercero, a las chicas mayores de la clase de modelaje que caminaban como locas pero nunca perdían la oportunidad de darme bombo, y a las empresarias mayores que yo que han creído en mi visión, me han introducido en sus círculos íntimos y me han ofrecido su orientación". Val puede ser muy potente, pero también destacamos su bondad, su empatía y su lucha por sentir que no hace lo suficiente. La película no sólo homenajea a las chicas que admiramos, sino que también nos muestra su humanidad y todo lo que las hace tan especiales".
  Según el animador Shaun Chacko, los realizadores se fijaron en las ligas femeninas de hockey para inspirar a los personajes deportistas de la película, como Val, y se fijaron en la interpretación de la actriz para encontrar el estilo de Valentina. "Lilimar es superguay en sus grabaciones y se convirtió en Val por su forma de ser. Queríamos que el personaje fuera una chica tranquila y relajada, con un estilo sencillo y elegante. No trata de estar a la moda, ella marca las tendencias. Y cuando Riley va encorvada, Val va erguida, con los hombros hacia atrás y la cabeza un poco inclinada".
  A los artistas les gusta dotar a los personajes de un rasgo identificable al instante para ayudar al público a reconocerlos rápidamente. En el caso de Valentina, es su pelo. Según Ana Gabriela Lacaze, supervisora de personajes, "tiene unos rizos increíbles, que nos resultan bastante difíciles de hacer, y los lleva a un lado con la icónica raya roja".

BREE y GRACE son las mejores amigas de Riley, sus compañeras de equipo, sus confidentes, sus chicas favoritas, sus mejores amigas absolutas desde que se mudó a San Francisco. Así que, cuando a regañadientes le dicen que, de hecho, van a ir a otro instituto, dejando a Riley sola en el momento socialmente más estresante de su vida, el pánico se apodera de ella.
  Sumayyah Nuriddin-Green presta su voz a Bree; Grace Lu es la voz a Grace.
En palabras de la montadora Maurissa Horwitz, "Sumayyah, Grace y Kensington han grabado juntas como trío un par de veces para nosotros y ha sido maravilloso sentir esa auténtica energía adolescente cuando están en la misma habitación. Hicieron un buen trabajo asegurándose de que cada uno de sus personajes se sintiera único de una manera honesta y auténtica".

ENTRENADORA ROBERTS es una estricta entrenadora de hockey que invita a Riley y a sus amigas a participar en un campamento de élite de verano antes de que empiecen el instituto. La entrenadora no tolera las tonterías y no tiene miedo de castigarlas. Sus jugadoras la respetan y se esfuerzan por impresionarla.
  Yvette Nicole Brown presta su voz a la Entrenadora Roberts.

LANCE SLASHBLADE es un dramático héroe de anime con pelo largo, ojos penetrantes y una actitud muy angustiosa. Riley estaba enamorada en secreto del personaje del videojuego, que tiene carisma y la habilidad de hacer poses impactantes, pero carece de un movimiento de poder viable. Es un "guerrero maldito con un ataque débil", se lamenta el oprimido tropo.
  Según el supervisor de personajes Michael Comet, Lance recuerda a un héroe de videojuegos de la vieja escuela. "El modelado, incluida su topología, se inspiró en varios juegos de un género similar", explica. "Los UV y las texturas se limitaron para intentar conseguir ese aspecto de juego de menor resolución, y luego se utilizaron trucos de composición para que los bordes del personaje parecieran alias. Además, su pelo se mueve constantemente con el viento".
  David Torres, animador y director, añade: "Queríamos que pareciera un personaje de videojuego antiguo, pero es difícil convencer a un animador de que no lo haga perfecto según los estándares actuales. Tuvimos que esforzarnos y hacer que se moviera como un personaje de videojuego: sus pies resbalan un poco, su sincronización labial no es del todo correcta y está renderizado con menor calidad".
  Yong Yea presta su voz a Lance Slashblade. “Ha grabado muchas voces para videojuegos”, dice Torres. “Fue genial que hiciera este papel”.

BLOOFY es una explosión del pasado de Riley. El perrito de dibujos animados presenta "La casa de Bloofy", una serie que a Riley le encantaba en preescolar y que, en secreto, le sigue gustando. Bloofy habla como si se dirigiera a todos los niños que lo ven desde casa y no tiene reparos en entonar la canción principal de la serie. Ron Funches presta su voz al personaje.
  Bloofy es un cachorro animado en 2D. "Descubrir el proceso de integración de animación por ordenador y animación 2D fue un gran proyecto", dice Sudeep Rangaswamy, supervisor de efectos visuales. " Solemos empezar con diseños 2D para los personajes, pero en este caso el personaje seguiría siendo en 2D. Queríamos el estilo de los dibujos animados del sábado por la mañana para Bloofy, que interactuaría con personajes creados por ordenador. Hicimos muchas pruebas para encontrar el estilo adecuado, la cantidad justa de movimiento para que pareciera fiel a ese tipo de serie de televisión. Para implementarlo, introdujimos un figurante y diseñamos la escena en torno a él, y luego sustituimos al figurante por la animación 2D".

LOCALIZACIÓN, LOCALIZACIÓN, LOCALIZACIÓN...
  Los realizadores se aventuraron a crear el mundo de "Del revés 2 (Inside Out 2)" con el patrón consistente que les proporcionaba "Del revés (Inside Out), la película de 2015. El director Kelsey Mann afirma: “Es muy divertido jugar con este mundo porque podemos utilizar conceptos que todos conocen y darles una forma visual, lo que es fascinante a la vez que muy intimidante, entonces y ahora. La idea de expandir ese mundo nos pareció maravillosa”.
  Y sí que se expandieron, y no solo añadiendo nuevas Emociones. Mann afirma: "Decidí desde el principio que quería un formato más ancho, con una relación de aspecto de 2:39, porque el mundo de Riley se está expandiendo literalmente. Con las nuevas Emociones y una consola ampliada para acomodarlas, un formato de pantalla más ancha tenía mucho sentido".
  El aspecto de la película adopta lo que los artistas establecieron en la primera cinta, asegurándose de que el público reconozca la ambientación a la vez que la lleva a nuevos niveles. Esas oportunidades de expansión y mejora tienen su origen en la historia. El guionista Dave Holstein lo explica: “La primera película trataba sobre recuerdos y en la segunda queríamos llegar más lejos y de forma más profunda. La idea de las creencias parecía una progresión natural para Riley, de 13 años. ¿Y de qué están hechas las creencias? ¿Cómo afectan la mente? ¿Cómo conforman la conciencia de nosotros mismos? Todas esas preguntas tenían una gran riqueza emocional”.

DOS MUNDOS:
  Al igual que su predecesora, "Del revés 2 (Inside Out 2)" presenta dos escenarios: el mundo real, donde Riley interactúa con su familia, amigos y jugadoras de hockey; y el mundo de su mente, donde las Emociones ayudan a Riley a sortear los nuevos retos a los que se enfrenta como adolescente.
  Los artistas y técnicos responsables de los decorados de la película emplearon una variedad de tácticas para garantizar que la mente y el mundo real fueran distintos. “Cada mundo tiene un lenguaje muy concreto en lo que se refiere a las formas", dice el director artístico de decorados, Joshua West. “Las formas mentales suelen ser muy redondas y suaves. Yo las describiría como vidrio pulido, en términos de textura. Los bordes exteriores suelen estar desgastados y ser más blandos; Los bordes interiores son más afilados. No hay muescas ni astillas en el mundo de la mente. En el mundo real, hemos exagerado algunas de las rectas y los bordes duros. Verás muchas líneas paralelas y destacamos algunas cosas que resultan realistas. Tanto los maquetistas como los atrezzistas lo hicieron muy bien añadiendo pequeños detalles que te dicen que es un lugar real. Hay chicle en las aceras, arañazos y pintadas. La suciedad del mundo real lo aleja de la limpieza y las formas suaves y agradables de la mente".
  La diferenciación de los dos mundos se aplicó a todos los equipos responsables del aspecto de la película, incluida la iluminación. Jonathan Pytko, director de fotografía (iluminación), afirma: "Iluminamos el mundo real con más luz natural y adoptamos más contraste en las sombras. Además, tuvimos en cuenta la contaminación lumínica de la imagen con destellos y halos para añadir más textura a la imagen. En esta película nos dimos cuenta de que las imágenes del mundo humano crecían con Riley. Intentamos mantener el tema del contraste y el color en todo el mundo humano y buscamos la manera de incorporar sombras y añadir color. Siempre que podíamos, infundíamos un poco de color de la Emoción en la iluminación o el decorado para vincular el mundo humano a la emoción que se estaba experimentando. Especialmente en el caso de Ansiedad, donde evitamos el naranja hasta que aparece Ansiedad. Luego lo utilizamos para acentuar o como color claro a medida que su influencia crece sobre Riley.
  “En el mundo de la mente optamos por imágenes más limpias y vibrantes”, continúa diciendo Pytko. “Emociones saturadas y un tratamiento de iluminación más suave en la Sede Central que resultó agradable y atractivo. Y, por supuesto, muchas fuentes de luz procedentes de las esferas de la memoria, los personajes, la pantalla y la nueva Conciencia de Sí Misma. Una parte importante de la iluminación en la Sede Central consistía en crear una jerarquía de luminosidad para todos los elementos iluminados que ayudara a atraer la mirada y a componer las tomas".

UN TRABAJO INTERNO... LA MENTE DE RILEY:
  Según la supervisora de decorados Amy L. Allen, en la primera película, la idea del mundo de la mente es la sencillez gráfica. "Cuando intentas trasladar conceptos muy abstractos a las formas físicas, a veces simplificarlos gráficamente ayuda al público a entender lo que ve", afirma Allen.
  Sin embargo, la adolescencia conlleva una mentalidad complicada, abrumadora y desordenada, por lo que los realizadores tuvieron que buscar la forma de transmitirla dentro del mundo mental sin competir con los detalles del mundo real. Y eso viene aparejado de una serie de nuevos escenarios que el público puede explorar además de esos lugares que estamos deseando volver a ver.

• La Sede Central es el corazón del funcionamiento de la mente. Es donde se encuentra la consola, un panel de alta tecnología con botones y palancas diseñados para ayudar a Riley a desenvolverse en cualquier situación junto a la Emoción más adecuada para esa tarea. “En la primera película ya existía un decorado para la Sede Central", dice West. "Pero a los pocos minutos de empezar la segunda película, llega un equipo de demo, así que tuvimos que averiguar exactamente qué se había modificado".
  Una novedad de la Sede Central, al menos en lo que respecta al público, es el dormitorio de las Emociones. Es donde las cinco Emociones principales descansan por última vez antes de la gran demo y la llegada de Ansiedad y las demás. Los artistas diseñaron literas temáticas para cada una y el atrezzo ayuda a definir cada zona, dice West. “Ira tiene un tarrito donde echa dinero cuando dice palabrotas; Alegría tiene una tacita de ceras amarillas; Tristeza tiene sus pañuelos y algunas carpetas porque todavía está estudiando. Miedo tiene un detector de humo y muchas luces nocturnas; y Asco tiene un difusor de incienso”.

• Imaginalandia 2.0 es, según el guionista Dave Holstein, "es como Imaginalandia pero sumergido en todo lo relacionado con las cosas que crecen”.
  Laura Meyer, directora de arte de gráficos, añade: “Quería asegurarme de que Imaginalandia no estuviera estancada en el pasado. El cerebro de Riley está creciendo. Ya no le interesa el rompecabezas de preescolar que había en la primera película. Hemos añadido juegos actualizados y material apto para adolescentes”.

• El Sistema de Creencias de Riley se concibe en la película, según el diseñador de producción Jason Deamer. “Para lograr lo que habíamos imaginado para el Sistema de Creencias, nueve departamentos diferentes unieron fuerzas para trabajar en la misma secuencia al mismo tiempo", dice Deamer. “Fue muy inspirador formar parte de una hazaña tan gigantesca. El Sistema de Creencias se compone de elementos translúcidos brillantes en un entorno azul oscuro tremendamente potente: un delicado equilibrio técnico y creativo. Queríamos que fuera impresionante; queríamos crear una sensación de asombro cuando las Emociones llegan allí”.
  Según Adam Habib, director de fotografía (layout), los realizadores se inspiraron en la lógica narrativa. "Hablamos de la idea de que las creencias nos ayudan a movernos por el mundo", dice Habib. "Pero quizá algunas de nuestras creencias no nos estén ayudando realmente, o simplemente no sean ciertas. Creo que eso se aplica a niños y adultos. Y la historia sugiere que esas creencias evolucionan: no nos quedamos atrapados en ellas. Fue muy emocionante visualizar ese espacio y pensar en cómo sería crear una Creencia. Para nuestros personajes, el Sistema de Creencias es como un espacio sagrado. En esa secuencia, la cámara es muy poética, intencionada y elegante para poder comunicar lo especial que es ese lugar. Después, cuando la Ansiedad va creando Creencias, utilizamos la cámara de otra manera. La desviamos con ángulos altos y bajos para sugerir que las cosas están cambiando y es posible que no lo hagan en el buen sentido. Queremos que el público se dé cuenta de lo que está en juego en esa lucha que se produce en el Sistema de Creencias”.
  Las creencias de Riley están representadas por hilos que se van desde los recuerdos de sus experiencias vitales hasta su Conciencia de Sí Misma. Toca una cuerda y esa creencia se puede escuchar en la voz de Riley. El aspecto de esa zona es sereno, afirma Pytko, cuyo equipo se ha encargado de la iluminación. “La falta de luz y de tonos profundos y fríos crearon un espacio misterioso pero pacífico”, dice Pytko. "Queríamos que las cuerdas fueran el punto de atención, así que sólo tenemos una indicación del espacio más grande para resaltar las corrientes que fluyen hacia el sistema. Para mejorar el aspecto etéreo de las cuerdas, colocamos capas de bengalas brillantes y auroras para indicar que las cuerdas afectan al aire que las rodea. Es una especie de cueva mezclada con un cielo nocturno etéreo. Siempre tuve la sensación de que ver menos era mejor que ver todo el espacio. El elemento estilizado del agua ayudó a unir todos los elementos y nos dio libertad para utilizar el color y la luz donde era necesario y prescindir de ellos para crear imágenes impactantes.
“Los personajes se iluminan sobre todo con la luz de las cuerdas”, continúa diciendo Pytko. "Queríamos que se sintieran inmersos en el espacio, por lo que las cuerdas priman en luminosidad incluso cuando Alegría está presente. A medida que las cuerdas crecen, nosotros reaccionamos ante el asombroso trabajo de efectos y lo complementamos con luz y resplandor para realzar aún más el efecto. Fue una gran colaboración entre los departamentos de efectos especiales e iluminación para crear el aspecto que tiene el crecimiento de las cuerdas”.
  El director de arte de iluminación, Noah Klocek, añade: "Queríamos que el Sistema de Creencias pareciera mágico con todos esos azules y morados. Pero en una escena en la que hay esferas de memoria multicolores flotando en el agua, hay demasiados colores que al fundirse se asemejarían casi al beige. El truco consiste en representar todos los colores de forma que no parezcan descoloridos. Trabajamos incansablemente para encontrar equilibrios sutiles entre el color y la luz y lograr así una sensación general de armonía”.

• La Cámara Acorazada es un lugar de alta seguridad con un propósito importante: Como es natural, ser adolescente conlleva tener secretos así que los realizadores debían encontrar un lugar donde guardarlos. "Fue muy divertido hacer este decorado porque fue el primer decorado original del mundo de la mente que construimos", dice la supervisora de decorados Amy L. Allen. “Es como la cámara acorazada de un banco o la Fábrica de la Moneda de Estados Unidos: muy seguro e imponente y con sus suelos de mármol. Queríamos que el público supiera al instante lo que representa”.
  Cuando las cinco Emociones principales se encuentran atrapadas en La Cámara Acorazada, dejando a Ansiedad al mando en la Sede Central, el equipo de iluminación quiso subrayar lo que estaba en juego. "En cuanto se cierra la pesada puerta y se dan cuenta de que están encerradas en una habitación oscura, apagamos toda la luz de Alegría", explica Charu Clark, supervisora de iluminación.

• El Fondo de la Mente es donde las Emociones envían cosas que Riley no necesita pensar en ese momento. "Siempre puede ocuparse de ellas más tarde", dice la guionista Meg LeFauve. "Pero Alegría se entusiasma demasiado enviando lejos, muy lejos, todo lo que es mínimamente incómodo con el fin de proteger a Riley. ¿Pero eso la ayuda de verdad?”
  Pytko dice: “Logramos crear imágenes muy emocionantes en el Fondo de la Mente. Nubes estilizadas impregnadas de atmósfera, tonos fríos y profundos a medida que la luz se desvanece en la Sede Central, ayudan a mostrar esta nueva faceta del mundo de la mente".

EL TOQUE HUMANO... EL MUNDO DE RILEY:
  A Riley le espera una aventura totalmente nueva en “Al revés 2 (Inside Out 2)”. Aunque San Francisco sigue siendo su hogar y el de su familia, la película se aventura a salir de la ciudad, donde Riley jugará mucho al hockey y hará malabarismos para relacionarse con nuevos y viejos amigos.
  Según el diseñador de producción Jason Deamer, el mundo en el que vive Riley contrasta con el mundo limpio y prístino de su mente. “En el mundo real todo es complicado", dice Deamer. “La pintura está desconchada. Los materiales tienen más textura. El mundo real es más crudo, un poco más sucio. Queremos que la gente se sienta conectada con este mundo. En el mundo real hay excrementos de pájaros y pintadas”.
  Según el productor ejecutivo Jonas Rivera, la primera película utilizó el entorno para imitar lo que estaba sucediendo en la vida de Riley. “Nos sumergimos en esos elementos de diseño y construimos un mundo que sirviera de eco para la historia", dice Rivera. “Esta vez, Riley sale de San Francisco. Está literalmente fuera de su elemento. Eso significa sentirse extraña e incómoda”.

• La habitación de Riley, que no es nada incómodo, es perfecto para un adolescente. El director de arte de decorados, Joshua West, dice: “Queríamos que la habitación de Riley fuera un lugar en el que ella se sintiera cómoda. Kelsey [Mann], que tiene una hija adolescente, siempre estaba señalando dónde debía había que situar el desorden".
  La directora de arte de iluminación, Rona Liu, añade: “Es una adolescente normal, con ropa tirada por todas partes, pósters en las paredes y sus cosas favoritas. Eso nos dio la oportunidad de poner luces por todas partes. Tiene guirnaldas de luces al lado de su cama y una ventana que deja entrar la preciosa luz de la luna por la noche”.

• El hockey es la pasión de Riley y una parte importante de su historia en esta ocasión, por lo que las localizaciones y los decorados eran importantes para los artistas y técnicos de Pixar. La montadora Maurissa Horwitz dice: "Volví a ver todas las películas que pude sobre hockey -creo que más de una docena- y tomé notas de lo que me parecía que funcionaría para esta película en las escenas de hockey". . La única escena en la que fui muy egoísta a la hora del montaje fue la del partido inaugural porque el equipo de narración había hecho unas tomas de acción magníficas con una energía desbordante. Fue muy divertido trabajar en esa escena en la que el equipo está en su mejor momento. Riley también está en su mejor momento. Toda la animación, los efectos y la iluminación consiguen que la escena parezca muy real y, al mismo tiempo, muy divertida, porque las Emociones dirigen todo el espectáculo".
  Ese partido inaugural requería una iluminación específica, dice Jonathan Pytko, director de fotografía (iluminación). "Empezamos la película en la misma pista de hockey en la que dejamos a Riley en 'Del revés (Inside Out)'. Pero en este caso, nos centramos en crear un partido inaugural emocionante y con grandes dosis de energía. Iluminamos el espacio con un enfoque casi de concierto que rendía homenaje a Riley. Queríamos que la iluminación no tuviera tanto que ver con los típicos efectos aéreos de una pista de patinaje y crear más dramatismo y emoción con una luz directa y potente, color y sombras profundas. Unos focos fríos recorren los bordes de la pista, creando un contorno y una atmósfera fríos, mientras que utilizamos el hielo para hacer rebotar la luz en los rostros de los personajes y conseguir una lectura clara y mantener la calidez de los matices de la piel".
  Construir una o dos pistas de hielo fue un ejercicio complicado. "Hubo que investigar mucho sobre pistas de hielo, su estructura y funcionamiento, para que nuestra pista pareciera auténtica", dice West. “¿Dónde encaja la máquina Zamboni? Tuvimos que estudiar los asientos, las barandillas de las escaleras, la anchura de los pasillos, la iluminación superior, el sistema eléctrico, las pasarelas y la zona de los jueces. Como artista, te toca investigar el cumplimiento de la normativa que indica dónde instalar las bocas de incendios y las luces estroboscópicas que alertan de los incendios. Todo para que el lugar parezca real".
  En el caso concreto de la pista del campamento, los realizadores querían que resultara intimidatoria para Riley, tanto por su tamaño como por sus materiales. “Optamos por una pista del tamaño de la NHL en términos de tamaño, escala y estructura", dice West. "Aunque en algunas partes de Estados Unidos las pistas tienen mucho acero pesado, aquí en California hay ventanas grandes y preciosas. A Kelsey [Mann] le encantaba la pista Yerba Buena en el centro de San Francisco. La luz que entra y se refleja en el hielo era algo con lo que podían jugar los encargados de la iluminación”.
  Noah Klocek, director artístico de iluminación, dice que los artistas se inspiraron en pistas de hockey reales, "pero nosotros fuimos mucho más allá", afirma. "Parece real: el cristal parece cristal, el hielo parece hielo, los uniformes parecen uniformes, pero todo está magnificado. Hay momentos en los que la pista es tremendamente intimidante y otras veces es súper genial. Utilizamos mucho la luz del día: Riley practica sola a primera hora de la mañana, así que suavizamos los colores, con pocas luces. Cuando aparecen sus futuros amigos, iluminamos el ambiente haciendo que salga el sol, y entre un poco de luz rosada. Cuando Riley se siente a gusto, el sol está por encima del horizonte y la luz anaranjada atraviesa el estadio de hockey. Además, podemos ir más lejos incidiendo en la forma en la que la exponemos. Aunque parece naturalista, está muy estudiado para capturar la emoción”.

ESCENIFICAR EL JUEGO...
  Los realizadores reunieron un grupo de hockey dentro de Pixar Animation Studios formado por gente que había jugado al hockey, algunos que siguen haciéndolo, gente aficionada a este deporte y padres que entrenan a los equipos de sus hijos. El grupo evaluó el estado de forma de los jugadores, las jugadas en equipo y la forma de manejar los palos. Los realizadores también estudiaron equipos juveniles de hockey femenino en busca de inspiración.

TÓCALA OTRA VEZ...
  Divertida, graciosa y repleta de drama y aventura, "Del revés 2 (Inside Out 2)" es, por definición, una película que funciona a base de emociones. Se pidió a la compositora Andrea Datzman que creara una música convincente que resaltara la ansiedad, profundizara en la alegría y celebrara la vergüenza mientras Riley se abre paso por primera vez en el complicado mundo de la adolescencia.
  Datzman se inspiró en el pasado y el presente. "Para mí era importante que la música pareciera vivir en el mismo mundo de 'Del revés (Inside Out)' que nos encanta, pero que también evolucionara y creciera, como le ocurre a Riley. Cuando utilizo un tema preexistente, intento reservarlo para cuando encaje de verdad en la narración; de esa forma no pierde su fuerza y sigue siendo una herramienta narrativa eficaz. Lo primero que hice cuando descubrí nuestro nuevo tema principal -Sense of Self Theme- fue tocarlo junto con el tema principal original de Michael Giacchino para averiguar cómo se darían la mano musicalmente".
  Según la compositora, la música contiene una amplia gama de influencias, desde el punk rock hasta la música clásica moderna, pasando por música comercial vintage. “"La película también me permitió divertirme de lo lindo con técnicas de composición lúdicas, como realzar la acción en pantalla y, al mismo tiempo, hacerme la seria ante la acción tremendamente divertida que se desarrolla en pantalla. Es una música orquestal moderna mezclada con influencias de las tendencias musicales actuales y del pasado".
  Al igual que las Emociones, el papel de la música es, en gran medida, conectar al público con lo que siente Riley sobre lo que está ocurriendo en su vida, con un intencionado punto de vista adolescente. "Al ver la historia de Riley con las Emociones en la Sede Central a veces adquiría una sensibilidad pop o rock más moderna, ya que intenta desenvolverse en su vida de la forma más guay y segura", dice Datzman. "Se escuchan más guitarras y baterías, algo más parecido a lo que a Riley le gustaría escuchar o, lo que es más importante, sentir".
  En el caso de las escenas ambientadas en la mente de Riley, Datzman empleó una música orquestal más tradicional. Al igual que la primera película, en “Del revés 2 (Inside Out 2)” presenta temas para Emociones e ideas concretas. Dice Datzman: "Por supuesto, a todos nos encantan los temas de nuestro equipo original de emociones, como es el caso de Alegría: inocente, ingrávida, sentida y enérgica en cualquier escenario, pasando de una tonalidad a otra en el espacio de unos pocos compases que te mantienen en vilo y te provocan una sonrisa muy sincera".

La música presenta nuevos temas. Entre ellos se encuentran:
• Ansiedad: "Imagínate un cable en tensión que da un chispazo y un pinchazo hiperlocalizado y persistente en el cerebro, representado con una nota repetida de violín solista", dice Datzman. Es un chispazo de energía que te atrapa de inmediato y luego, con una astuta y dulce transición a un suave oleaje de cuerdas, te adormece hasta confundirte antes de pasar a la siguiente frase vibrante modulada con un acorde diferente. Todo esto tiene el efecto de desbaratar tus expectativas y obligarte a prestar atención".

• El tema de Envidia incluye campanillas, arpa y cuerdas pulsadas "como un velo centelleante que te cosquillea la cabeza y los hombros", dice la compositora.

• El tema de Vergüenza es tímido como él. Para Datzman, "es como ver a una criatura majestuosa en libertad que se retira rápidamente en cuanto se da cuenta de que la han visto". Suenan unos bonitos y tímidos acordes, luego vienen los vientos y los metales que rompen en una rápida carrera que señala una retirada inmediata".

• Es posible que Ennui ni siquiera se dé cuenta de su tema. “Tiene esa energía que dice 'Venga, lo que sea'", afirma Datzman. “El bajo y las guitarras grunge expresan un gemido increíblemente distante y desconcertado”.

• El tema de la Conciencia de Sí Misma funciona como un nuevo tema principal para Riley a medida que va madurando. “Quería un tema que representara el núcleo de tu verdadero yo interior y la energía y autenticidad que provienen de asumir todo lo que eres", dice Datzman. “Ya sea que lo toques en su versión punk de guitarra o con un piano suave, el tema Sense of Self siempre está ahí para recordarte quién eres”.

• Riley Protection System es “como un anuncio antiguo que nos cuenta la vida ideal del sueño americano de los años 50”, dice la compositora. Al principio, este tema suena como salido de "Leave It to Beaver", pero poco a poco se convierte en el tema del viaje de nuestra heroína, a medida que las Emociones perseveran en su búsqueda para proteger la Conciencia de Sí Misma de Riley".

VAMOS A JUGAR AL HOCKEY...
  Escribir la música para las secuencias de hockey exigía un sonido fresco y rítmico que acertara en los momentos clave de la acción. “Fui a un evento de patinaje al aire libre justo antes de empezar a escribir esta música y el DJ me transmitió un montón de energía”, dice Datzman. “La experiencia más cercana que tenía de jugar al hockey era patinar y ver un roller derby. Quería que pareciera rápido y ágil, como si pudieras girar y estrellarte en cualquier momento, pero  al mismo tiempo te diera alas y sintieras alegría, motivación y energía. ¡En mi opinión, eso significaba batería y bajo! Utilicé un ritmo de batería de swing rockabilly con un bajo potente y guitarras eléctricas para acelerar los temas. La batería acabó siendo una forma estupenda de marcar todos los momentos cruciales de la historia del partido, al tiempo que nos mantenía en sintonía con la acción y el ritmo. Las guitarras oscilaban entre contribuir a la naturaleza rítmica de la música y ocuparse del material más emocional y temático. Todos estos instrumentos de rock tradicionales eran increíblemente versátiles para este tipo de narración”.
  Una orquesta de 83 músicos grabó la música en Warner Bros. Eastwood Scoring Stage en Burbank. "La música también incluía sonidos punk, pop, rock e incluso metal en algunos momentos, así que tuvimos sesiones separadas con guitarras, bajo, teclados, batería y percusión para conseguir un auténtico ambiente de banda", dice Datzman.
  La banda sonora original de "Del revés 2 (Inside Out 2)", compuesta por Andrea Datzman, estará disponible el 14 de junio a través de Walt Disney Records en todas las plataformas digitales.

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