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NOTAS DEL AUTOR ERIC REINHARDT...
   “Cuando Valérie Donzelli y Audrey Diwan me preguntaron si quería participar en la escritura del guion, les dije que prefería no hacerlo y añadí que podían hacer lo que quisieran y que debían sentirse totalmente libres. Lo más importante para mí era que mi libro se adaptara a una gran película. Era consciente de que para lograr esto, Valérie debería poder tomar posesión total del libro para traerlo a su mundo, para traducirlo cinematográficamente. Confié en ella. “Solo para mí” no solo es una historia desgarradora con el estilo y la firma distintivos de Donzelli, sino que es una película políticamente comprometida. Esto fue muy importante para nosotros. Desde que se publicó mi novela en 2014, he estado recibiendo muchos mensajes de lectoras diciéndome que se identificaron con la historia de la heroína y que se dieron cuenta de que si no abandonaban su hogar conyugal, terminarían muertas al igual que ella. Me escribieron para decirme que mi libro les había salvado la vida. El principal desafío en la adaptación de la novela fue que la película tuviese el mismo impacto que obtuvo el libro entre el público femenino. Era necesario una película contundente en la que, una vez que las luces se volvieran a encender, las mujeres optaran por escapar de sus maridos controladores y abusivos y decidiesen actuar.
  Valérie y Audrey han delineado un camino brillante que creo que muchas mujeres recorrerán. Para alcanzar este objetivo, los personajes tenían que ser retratados con matices e intensidad. El total compromiso de Virginie Efira y Melvil Poupaud es realmente admirable. También debo decir que la película no sería tan cautivadora sin las interpretaciones veraces, en papeles secundarios pero cruciales, de Dominique Reymond, Bertrand Belin, Marie Rivière, Virginie Ledoyen y Romane Bohringer, quienes me conmovieron profundamente. Valérie Donzelli tuvo la amabilidad de invitarme al plató varias veces. Seguirá siendo una experiencia tan perturbadora como memorable.”

ENTREVISTA A LA DIRECTORA...
¿Cómo descubriste la novela de Éric Reinhardt y qué es lo que te inspiró a adaptarla a la pantalla?...
Leí “L’Amour et les forêts” mientras rodaba MARGUERITE & JULIEN. Inmediatamente tocó una fibra sensible en mí: pude relacionarme con nuestra inclinación a tomar siempre las cosas por nosotros mismos, a no expresar completamente lo que sentimos por miedo a no ser amados, a decepcionar a la gente… Pero lo que realmente me inspiró a adaptar el libro fue la escena en la que Grégoire Lamoureux admitió su culpa después de escuchar sobre un marido maltratador en la radio: cómo cambia la situación para aparecer como una víctima, y cómo esta malvada estrategia suya da en el blanco cuando la víctima real de sus maquinaciones cae presa de ellas. Pero como sentí que adaptar este libro sería un desafío, rechacé la idea sin abandonarla por completo. Luego hice NOTRE-DAME, una comedia desenfadada que me insufló nueva vida. Y pasé a hacer NONA AND HER DAUGHTERS, una serie que me enseñó mucho. Dirigir un programa de televisión con tantos personajes y protagonizarlo cuando tienes muy poco tiempo fue una experiencia que realmente me cambió la vida. No podía tener miedo de nada después de esto. Tenía ganas de volver a dirigir un largometraje, esta vez solo como directora, y adentrarme en un nuevo género.

¿Cómo llegaste a conciliar las “trampas” de "película de mensaje"?...
Cinematográficamente, me propuse hacer una película que fuese tanto cerebral como sensual. Fue un desafío, pero ese era el objetivo de la película. También cuestioné el guion. Normalmente escribo guiones imprecisos, porque para mí un guion es un trampolín para dirigir, algo que puedes dejar atrás. En cambio, el guion de SOLO PARA MÍ estaba muy estructurado. Lo escribí con Audrey Diwan, a quien considero una compañera maravillosa y tiene control sobre la escritura. Dicen que tienes que luchar contra el guon cuando filmas una película, es cierto en todas mis películas, y aún más en esta. Nuestro guion era intenso, era una base sólida, así que tuvimos que bailar y luchar, a favor y en contra. La “rompí”, la maltraté, especialmente en la sala de edición donde, como sentí que teníamos que darle un giro más cerebral a la película, la recorté y eliminé partes de la historia. Al igual que WE WON’T GROW OLD TOGETHER de Pialat, que se basa en saltos en el tiempo. Las elipses siempre te sorprenden: te pones al día con lo que te perdiste después, lo que te aleja de hacer una película de mensajes.

Lo que hace que la novela de Éric Reinhardt sea tan innovadora es también el hecho de que el propio escritor es el destinatario de la historia...
No tenía ganas de usar este dispositivo narrativo ya que este elemento "meta" habría sido engorroso en una película, que es un medio más estricto. Sin embargo, fue clave para mí filmar a la gente hablando y escuchándose unos a otros. Mostrar cómo se dice algo y cómo se percibe ese algo. Porque este mecanismo, hablar y escucharse, vence la vergüenza y la destrucción de la autoestima. Suceden cosas desagradables cuando guardas silencio y te encierras en ti mismo. Hablar y escucharse te libera de una situación insoportable. Es por eso que en la película tienes a intervalos regulares escenas con el personaje de Dominique Reymond que de alguna manera sustituye a la figura del escritor en la novela. Esas escenas también me ayudan a no mantener a la audiencia como rehén con el suspenso sórdido sobre el feminicidio: sabes que la historia tiene un desenlace, pero no sabes cuál.

Debido a que Blanche está contando su historia, aceptas su perspectiva de inmediato...
Sí, siempre estás con ella, en su mente, y puedes sentir que su percepción, su visión del mundo, está distorsionada por el control que Lamoureux ejerce sobre ella. En el cine, la representación perturbada, distorsionada y fragmentada de la realidad suele verse desde el punto de vista del tipo celoso que imagina cosas y escucha voces.
Porque los celos morbosos están cerca de la locura: tomemos HELL de Chabrol, por ejemplo. Aquí, hay una inversión: es la perspectiva de la protagonista femenina, que es el objeto de los celos y el deseo enfermizo del marido, la que está distorsionada, desde el principio. Porque está alienada de sí misma, de sus propios sentimientos, de su mundo interior. Estoy cautivada por este mecanismo de control, ya que tienes emociones muy complejas en juego, y es fácil que no estén fuera de tu alcance.

Abrazar esta complejidad implica representar sentimientos ambiguos, ¿No es así?...
Lo hace. Especialmente para un personaje como Blanche que no tiene una mente retorcida, que no está en una lucha de poder con la gente. Está enamorada del amor, quiere ser amada pase lo que pase. Ella acepta la idea de que te casas con alguien para bien o para mal.
Entonces, ¿Cómo lidias con tus sentimientos cuando las cosas comienzan a empeorar? Es por eso que tener personajes desarrollados es clave, ya que necesitas retratar física y orgánicamente la ambigüedad de las emociones. Hay algo en Grégoire que siempre atraerá a Blanche, y eso es lo que da tanto miedo. Quería contar cómo Grégoire y Blanche, al principio de su relación, conectan sexualmente. Quería mostrar que en las escenas de sexo él puede conectar con su cuerpo, darle placer y asegurarse de que el deseo sea mutuo. Pero poco a poco usa esta hermosa inclinación suya para ganar poder e influencia sobre ella mientras le muestra perversamente que ya no la desea tanto como antes, echándole en cara que es una mujer nada deseable. Blanche está excitada de una manera que la asusta, pero no se da cuenta de que Greg se está aprovechando de su poder.
El sexo es un escenario de peligro porque das y te entregas, te enajenas y atraviesas un territorio desconocido. Es hermoso experimentar ese tipo de peligro, pero lo difícil es aferrarse a la autoestima. En lo que respecta a Blanche, está indefensa porque anhela el amor. Tener a Gabriel Yared escribiendo la partitura fue fundamental para construir la narrativa. Me acerqué a él porque la partitura de BETTY BLUE me marcó de por vida. Le di el guion y le pedí “un tema para un romance que se deshace”. Me lo devolvió diciendo, con su elegancia innata, que estaba de acuerdo en escribir un tema para un romance que se desentraña pero que primero necesitaba el romance… Retiré mi guion y me fui, un poco inquieta. Pero tenía razón. Estaba demasiado concentrada en la oscuridad, tanto que olvidé que había un romance para empezar. Entonces, retomé la escritura y pensé más en desarrollar los personajes.
Naturalmente. Se caracterizan por sus cualidades sensitivas y cerebrales. Tuve que retratar estados mentales fugaces, un rostro ligeramente crispado, ojos que se desvían, una mala cara, todo eso revela nuestros sentimientos, nuestras emociones. Quería revelar cosas invisibles e indescriptibles a través de la actuación. Tanto la conexión amorosa entre dos deseos, como las puñaladas que duelen y de las que te olvidas demasiado rápido. Cómo Blanche, por ejemplo, se hace cargo y lo asume cuando Lamoureux menosprecia su nuevo corte de pelo.

¿Cómo surgió la pareja Virginie Efira-Melvil Poupaud?...
Elegí a Virginie incluso antes de comenzar a escribir: solo podía verla a ella en el papel. No puedes evitar empatizar con ella, sin importar lo que haga, sea cual sea el personaje que interprete. Incluso si interpretara al monstruo más malvado, también te gustaría, al menos un poco. La empatía fue clave en la manera en que la audiencia podía relacionarse con ella. Justo antes del confinamiento, le di la novela y le dije que me encantaría adaptarla. A ella le gustó y accedió de buena gana a interpretar el papel.
Por otra parte, no tenía a nadie en mente cuando escribí el personaje de Lamoureux.
Entonces, un día, apareció el nombre de Melvil Poupaud y me pareció una opción obvia. Miré algunas de sus fotos, pensé que era guapo y recordé lo genial que estaba en BY THE GRACE OF GOD de François Ozon. Se lo conté a Virginie e inmediatamente se entusiasmó con la idea. Pensé que Melvil como Grégoire Lamoureux era una opción inesperada, nunca había interpretado un papel como este. Estuvo de acuerdo y se enfrentó con entusiasmo a este personaje "monstruoso" de frente, un personaje del que no podía estar más lejos.
No fue difícil. Sabía que ambos habían entendido perfectamente el guion, la película, que no tendría nada que explicarles, que podría concentrarme en el proceso de realización. En realidad, no hicimos ninguna lectura completa antes del rodaje. Melvil es asombrosamente preciso: entiende de inmediato lo que se le pide y lo lleva a cabo a la perfección. Si necesita entrar en el plano en un momento difícil, sabes con certeza que lo logrará hasta el segundo. El enfoque de Virginie es muy diferente: es más una actriz instintiva y orgánica. No estoy segura de cómo lo logra, pero su actuación es mágica, sigue siendo un misterio para mí. Ella es asombrosamente fotogénica. Es resistente, exigente y se conoce muy bien. Ambos se complementan el uno al otro realmente bien. Nunca tuve que hacer otra toma por culpa de los actores, si la hice fue solo porque estaba buscando algo diferente.

Junto a Virginie, ha elegido a actrices que no vemos mucho en estos días: Virginie Ledoyen, Romane Bohringer, Laurence Côte, Nathalie Richard, Dominique Reymond, mientras que Virginie Efira está en muchas películas...
Definitivamente quería que Virginie, que es una estrella de nuestro tiempo, interpretara junto a actrices de su calibre. Quería que Blanche estuviera rodeada solo de actrices que aparecían en grandes películas, actrices que pudieran reconfortarla y protegerla.

Mientras uno mira la película, también se tiene la sensación como si quisieras jugar con las texturas, la iluminación, la imagen, la textura…
Siempre me ha rondado por la cabeza la idea de hacer una película experimental, y en esta película mis primeros impulsos fueron experimentales: pensé en rayar la película o rodar en blanco y negro... Pero lo que me impidió hacerlo es que no quería hacer esto apresuradamente en la edición. Necesito disfrutar de lo que veo en el plató, decir: "Lo veremos en la edición" no es una opción. En SOLO PARA MÍ, todos los efectos están en la cámara. Quería rodar en película, pero era difícil, así que teníamos una combinación de Super-16 y digital. Me gusta trabajar con limitaciones. Al final, resultó ser aún mejor, ya que me permitió tener dos aspectos diferentes de la historia. Una es Rohmer-like: Normandía, el verano, la luz, Melvil Poupaud que parece salido de A SUMMER’S TALE, Marie Rivière, un poco de elegancia pasada de moda, una casita junto al mar, el amor loco y Blanche con aspecto de cordero. Y luego cambias al lado hitchcockiano: tonos más oscuros, una casa grande, como en REBECCA, cosas bajo control, perversión, Lamoureux como un lobo que atrae al cordero a su territorio. Inmediatamente me gustó la casa en Metz: es una casa de diseño construida en los años 70 cerca de una carretera. Realmente parece un set de película de Hitchcock y ayudó a comunicar el estilo visual y la atemporalidad de la película, lo cual fue inestimable ya que no quería ubicar la película en un momento específico, sin importar cual.

Esta fue su primera vez trabajando con el director de fotografía Laurent Tangy...
Para esta película sentí que necesitaba un nuevo comienzo y decidí traer nuevos colaboradores. Laurent ha filmado películas que tienen poco en común con mi trabajo, pero también filmó HAPPENING de Audrey Diwan, que está hermosamente encuadrada y filmada, todo cámara en mano. Inmediatamente nos llevamos bien, tiene mucho talento, es muy instintivo. En el set necesito tener un compañero en el que pueda confiar, alguien que pueda responder en el lugar, porque el tiempo es limitado y Laurent siempre está listo para hacerlo.
Te proporciona muchas herramientas que se pueden utilizar en cualquier momento cuando se te ocurre una idea, o que pueden ayudar a encontrar una solución visual a un problema cinematográfico. Pruebas cosas, experimentas, pruebas algo y luego algo más, y a veces una escena no funciona, así que intentas usar un filtro, un espejo, un reflejo, y luego, ¡bam, lo logras! Te arriesgas cuando lo haces todo en la cámara porque no puedes volver atrás y deshacer nada en la edición. Pero te permite capturar momentos de verdad sin adornos....
Un set realmente tiene que ser un lugar divertido, el proceso de filmación debe ser alegre, incluso si estás filmando un melodrama psicológico. Nunca me había sentido tan libre como cuando estaba filmando SOLO PARA MÍ, aunque era la primera vez que hacía un drama sin alivio cómico. La idea era hacer todo lo posible, pero nunca a expensas de los personajes, nunca en detrimento de la emoción o la verdad interior de los personajes. Quería tener emociones identificables, sin ser visualmente realista. La estilización abarca el problema de la película y, sin embargo, lo mantiene a raya. Impulsa la narrativa hacia adelante, una narrativa que, cuando se llega a eso, es muy simple, muy clásica y que se desarrolla en un crescendo.

Precisamente, ¿cómo decidiste hasta dónde te permitías llegar?...
Quería evitar ser didáctica, pero no quería tan solo tocar el tema por encima. Se trataba de ser intransigente con lo que me parecía importante: mostrar el funcionamiento de la culpa y el abuso y cómo se puede destruir la autoestima. Se trataba de usar herramientas cinematográficas para mostrar cómo se desarrolla la opresión cuando reclamas la propiedad de otra persona, y es un hecho conocido que los feminicidios a menudo ocurren cuando las personas se separan. Se trataba de contar cómo está montado este engaño. La maldad de Lamoureux, un hombrecito frustrado, consiste en descargar su propia culpa sobre Blanche, quien la asume. Es un hombre inteligente y lo suficientemente sensible como para sentir las debilidades de su pareja y explotarlas. Entonces, ¿hasta dónde podría llegar en la acumulación de tensión? Tomé cierta distancia de la novela, que es de alguna manera más violenta, pero mantuve la escena en el bosque con Bertrand Belin sin cambios. Encontré a Belin increíble en TRALALA de los hermanos Larrieu. Enfaticé su timidez, su fraseo, su ternura, para convertirlo en un personaje extraño: es lo suficientemente extraño como para que no puedas asumir que Banche podría enamorarse de él. Porque no quería que la secuencia del bosque apareciera como una nueva oportunidad en su vida, solo como un soplo de aire fresco que le da fuerza y confianza renovadas, tanto es así que es capaz de mentir, lo que no podía hacer hasta ahora. Sin embargo, no quería que ella fuera “salvada por amor” y terminara en los brazos de su salvador. Tenía que salvarse a sí misma y tenía que pasar a través de un enfrentamiento. Por último, quería un epílogo, ya que la salida más fácil habría sido terminar la película en el umbral de un futuro brillante. No es porque vayas a juicio que todo ha terminado. Grégoire es también el padre de los hijos de Blanche, por lo que ella tendrá que aguantarlo toda su vida. Su relación con él cambiará: evolucionará, no caerá en sus trampas y tal vez dejará de sentirse víctima de él. Tal vez él también encuentre su lugar. Pero en la escena final, no están en el mismo lugar. Porque la autoestima es tan preciosa y tan frágil que a veces se necesita toda una vida para reconstruirla.


ENTREVISTA A VIRGINIE EFIRA...
¿Qué te pareció la novela de Éric Reinhardt y luego el guion? ¿Qué te impulsó a asumir el papel de Blanche?...
En primer lugar, quería trabajar con Valérie Donzelli o debería decir que tenía el presentimiento de que lo haríamos desde que nos conocimos en el plató de MADELEINE COLLINS. Vino a mí con el libro como si quisiera sondearme, sin saber a ciencia cierta si adaptaría el libro en ese momento. Encontré la novela cautivadora, pero podías adaptarla a varias películas y tenías que elegir una dirección. Hablamos y de nuestras conversaciones salieron dos cosas: la confianza -el hecho de abrirse a alguien- y el mecanismo de control. Luego me pidió que leyera el guion y me di cuenta de que había tomado decisiones y había guardado cosas del libro. Lo que me impulsa a asumir el papel es principalmente una cuestión de confianza con la directora. Abrazas la certeza de que eres la única que puede interpretar al personaje.
Entonces, acepto el papel porque entiendo la visión de la directora, no tanto en función del personaje.

¿Cómo te preparaste para el rodaje?...
No tengo ideas preconcebidas, así que antes que de comienzo el rodaje, pruebo muchas cosas diferentes. A veces trabajo con un entrenador, y eso es lo que hice en esta película. Es como un compañero de entrenamiento: tiro la pelota, jugamos uno contra el otro y él observa. Es todo un proceso al principio al que no puedes acceder en el set, pero eso se queda contigo. Y continúa en el rodaje, donde nada está escrito en piedra. Necesito deshacerme de la idea de hacerlo bien y del hecho de que solo hay una opción de actuación. No quiero correr el riesgo de decirme a mí misma: "así es como es el personaje, así es como debo interpretarlo", de lo contrario, cada toma puede tener éxito o no, y es una fuerte presión.

Entonces, ¿en qué te basaste para interpretar a Blanche?...
Para empezar, tuve que deshacerme de cualquier cliché o idea preconcebida de lo que es una “víctima” e intentar darle una identidad específica y única al personaje. Entonces, te inspiras en tu propia vida pero sin darte cuenta, sin expresarlo y sin tratar desesperadamente de incorporar tu experiencia personal a tu actuación. ¡Sería terrible si, como actriz, no tuvieras otra opción que emular cosas que has experimentado! Al final del día, las historias de fondo de todos, actores y personajes por igual, no importan tanto. Tus emociones, tus recuerdos, la memoria de tu cuerpo: tal vez todo sea una pequeña parte de cómo interpretas un papel, pero siempre vale la pena y genera muchas formas de abordar al personaje. Cuando actúas te alimentas de lo que reconoces en ti, en los demás, en el personaje. Cualquier cosa que puedas usar.

¿Qué usaste de Blanche?...
La representación del personaje en la película es muy sutil: cualquiera puede sentir cosas en Blanche que conoce o reconoce, y que se mezclan por ella. Todo la hace a la vez fuerte y vulnerable, al igual que su hermosa y peligrosa tendencia a aceptar sus emociones. Tomemos, por ejemplo, la escena marginal en la que su deseo de estar con este hombre gana sobre sus sentimientos heridos: no es tan malo, el cabello siempre vuelve a crecer...
La película cuenta una historia muy fuerte, extraordinaria, pero se alimenta de temas cotidianos que nos son familiares. Porque todos hemos experimentado una falta de confianza y autoestima y la sensación, cuando terminas una frase, de que ya te arrepientes de haberla dicho en primer lugar. Interpretar a Blanche implicó jugar frente a otros porque es un personaje sin impulso, sin espontaneidad, y se va adaptando a las situaciones, a lo que la gente diga y piense. Es introspectiva, resistente, armada por la literatura, tiene un lugar donde esconderse, un lugar donde es muy tolerante con otras personas, demasiado tolerante tal vez.
Como cualquier otra persona, está equipada con un mecanismo de resistencia. ¿Ahora lo activará? ¿O qué le impide hacerlo? ¿Cuándo empiezas a mentirte a ti mismo? ¿Dejas entrar a alguien en el espacio íntimo que tienes en el fondo? Hay algo en ella que tiene que ver con la vergüenza, pero también con la cortesía, una especie de cortesía radical que te obliga a comprometerte con las situaciones. Son cosas que me conmueven y que hablé con Valérie.
Entonces, juegas con todo eso, te alimentas de todo lo que te afecta, conscientemente o no.

Y todo queda grabado en el cuerpo del actor...
Sí, pero más allá de la actuación del actor, vives el proceso de realización. A veces, lo más interesante no es el llanto del actor, sino lo que queda de él: la piel enrojecida, independientemente de lo que capture la cámara. Como todos los actores, soy sensible a la luz, a la piel, a los rostros, y me gustó el enfoque de Valérie y del director de fotografía Laurent Tangy. La forma en que miras una cara y la filmas es hacer cine, dice algo. Empezamos el rodaje con las escenas más violentas. Por lo general, no me gusta escuchar a los actores decir que experimentan el rodaje como una prueba en la que se ponen "en riesgo", etc. ¡pero debo decir que esta vez fue como dar un paseo en un tren del terror! Esto es tanto más cierto en cuanto que Valérie filma largos planos secuencia con una precisión asombrosa, centrados en los actores. Sabes que todo es un acto, especialmente con un compañero en el que confías, pero sigues realizando los movimientos, se arraigan en la memoria de tu cuerpo. Terminas con saliva real en tu cara. Por suerte, estaba jugando frente a Melvil y sé lo amable que es. Pero es una clase de violencia muy íntima. Se arraiga en tu cuerpo durante el resto de la sesión. Entonces, cuando terminas el rodaje en Normandía, la parte brillante de la película, todavía sientes algo. En tu cuerpo, en tu rostro, en tus expresiones. Cualquier cosa que desarrolle esta historia.


ENTREVISTA A MELVIL POUPAUD...
¿Cómo te preparaste para el personaje?...
Como siempre hago. Primero, me aprendo mis líneas a fondo, luego elijo minuciosamente mi vestuario con el diseñador de vestuario y un sastre cinéfilo que me lo hace a la medida.
Me ayuda a sentirme cómodo y lo más importante, ayuda a dar forma al personaje, como con una escultura. Le da al personaje un contorno, una postura, un andar. Ya sea que use un traje de gran tamaño o ajustado, zapatillas o zapatos de cuero, envía un mensaje muy diferente. Así es como, para mí, se desarrolla un personaje. No puedo encontrarlo solo en mi habitación; lo encuentro en el plató cuando uso el disfraz adecuado, cuando sé dónde está la cámara y qué tipo de lente se está usando. Prepararse para mí se trata
principalmente de hacer una investigación visual.

¿Qué buscabas exactamente para interpretar a Grégoire Lamoureux?...
Estaba buscando una cualidad estricta y rígida. Lo que Valérie se refiere a la cualidad de “hombrecito” de Lamoureux. Pensé en los personajes de Chabrol, incluidos Jean Yanne y especialmente Michel Bouquet en THE UNFAITHFUL WIFE. Quería crear un villano de película. Un tipo pulcro, brusco y tenso. Un hombre aparentemente tranquilo pero extremadamente oscuro en el fondo. Cree que puede controlarlo todo: cree que es dueño de su esposa, al igual que es dueño de su automóvil y sus hijos. Esto estaba en línea con lo que Valérie tenía en mente, así que conectamos rápidamente. Quería que Lamoureux se viera elegante, no amable, porque la película también es un cuento de hadas que se vuelve amargo: se casa con el Príncipe Azul, pero el Príncipe Azul resulta ser un lobo disfrazado.
La atmósfera, los efectos de claroscuro, las tomas de seguimiento, la casa aterradora: había una sensación irreal en el set. Nos ayudó a Virginie y a mí a separarnos de la actuación naturalista y seguir la dirección de Valérie, ya que ella también buscaba alejarse del naturalismo a través de su estilo visual y su decisión de mezclar géneros: drama romántico, thriller hitchcockiano, cuento de hadas, drama claustrofóbico…

Antes de convertirse en un lobo, Lamoureux es un personaje atractivo...
Sí, la ambigüedad que desencadena una persecución mortal está en el centro de la narrativa. Ahora que lo pienso, estas son cosas muy familiares. Todos hemos conocido personas que son a la vez atractivas y espeluznantes. Todos hemos experimentado sentirnos atraídos por alguien que no deberíamos sentirnos atraídos. Puede sentirse abrumado por la atracción, al igual que puede ser abrumado por un impulso malvado, cuando, por ejemplo, tiene ganas de hacer un comentario hiriente: lo retiene hasta que finalmente aparece por sí solo. La película es muy sutil sobre esos lugares oscuros que a todos nos han atraído a pesar de que no somos psicópatas como Lamoureux. De la misma manera, estamos tentados a aceptar algo que sabemos que no está bien porque proviene de alguien atractivo. Entonces, necesitas endurecerte y ser capaz de decir que no en el momento adecuado, de lo contrario, cuando el lobo ponga el pie en la puerta, estás jodido. De eso trata la película, así es como nos desafía a todos. Para contar esta historia, debe encontrar los puntos de inflexión tanto en la actuación como en la edición.
Es un equilibrio difícil ya que no debes mostrar tus verdaderos colores y parecer demasiado amenazador antes de cambiar. Una vez que hayas cambiado, es más fácil: no hay restricciones, ya que revelas el lado oscuro del personaje y dejas que el villano se haga cargo.

¿Cómo supiste que habías encontrado al personaje?...
Después de un tiempo en el plató me di cuenta de que, durante las tomas, no estaba mirando a Virginie, que es una amiga, como suelo mirarla. La miré con odio y desprecio.
No era solo la expresión de mi rostro, la forma en que me movía y el diálogo, era mi mirada. En ese momento, realmente sentí que estaba actuando, y podía sentir al villano dentro de mí. Estaba emocionado... ¡y estaba igual de emocionado cuando dimos por finalizado el día!

Esto requiere una gran confianza entre los actores...
Naturalmente. Conozco a Virginie desde hace mucho tiempo y habíamos actuado juntos en VICTORIA de Justine Triet, así que estábamos muy felices de trabajar juntos de nuevo. Valérie probablemente nos unió por nuestra conexión, y para Virginie fue reconfortante. No había áreas grises entre nosotros, por lo que podíamos llegar muy lejos en nuestras escenas, que a veces eran muy violentas. Tanto más cuanto que
Valérie filma principalmente en planos secuencia. Una discusión de 6 minutos es como una tormenta: ¡tienes que superarla! Esto fue posible porque somos amigos y sentimos que estábamos en una especie de misión contando esta historia. Fue un set divertido y desenfadado aunque hubo mucha violencia visible e invisible.

¿Cómo te dirigió Valérie Donzelli?...
Para mí, no se trata tanto de dirigir actores como de confiar. Tengo suficiente experiencia para saber cuándo puedo confiar en alguien al 100%, y en este proyecto sentí desde el principio que Valérie estaba inspirada, impulsada por su película, y que tenía un activo clave para un director: es capaz de tomar su elenco y equipo junto con ella y mantener a todos enfocados en el set. Puede ser bastante mandona, pero en su mayoría es instintiva y muy flexible: si algo no funciona, encontrará otra cosa, una nueva idea que rompa el punto muerto. Te ayuda a mantener el ritmo y estar alerta. En este contexto, podía confiar en sus instrucciones y seguirlas al pie de la letra, sin cuestionar las intenciones de actuación. Porque a medida que envejezco, más me doy cuenta de cuánto es mi cuerpo el que está actuando: se trata de la figura, el ritmo del habla, la postura, la voz, la forma de andar, la expresión de tus ojos. Cuando confías en tu director, cuando conoces bien tus líneas y has descubierto el aspecto técnico de las cosas (dónde colocar la cámara y el micrófono boom, la distancia focal, etc.), las intenciones de actuación se vuelven irrelevantes. Simplemente te sueltas, no piensas en nada, sigues la corriente.

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