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LA PRODUCCIÓN...
   El productor Seth Grahame-Smith tenía 12 años cuando se estrenó el MUÑECO DIABÓLICO original y recuerda estar absolutamente aterrorizado por él. Más tarde, no podía parar de verla. “He sido fan desde entonces”.
  Entonces, cuando MGM y Orion Pictures decidieron que querían actualizar la película original, Grahame- Smith y el productor David Katzenberg estaban inicialmente preocupados. “No queríamos simplemente rehacer la película de 1988, que es un clásico del terror que introdujo al mundo a uno de los mejores villanos de todos los tiempos”. Queríamos presentar algo nuevo, algo relevante para las audiencias de hoy en día”.
  Pensaron largo y tendido acerca de lo que podría ser. Vivimos en un mundo donde las cámaras y los micrófonos están en todas partes, y donde nuestros aparatos se comunican entre sí. Todo está interconectado.
  “Nos emocionamos con lo que significaría para Chucky, si no fuera solo un juguete infantil, sino un producto de inteligencia artificial de gama alta, como algo que verías en Apple o Amazon o Google, un compañero infantil. ¿Qué pasaría si algo con tanta potencia de computación y conectividad fuera mal, cuáles serían las posibilidades?”. Los productores se entusiasmaron con tener algo nuevo que decir, conscientes de la responsabilidad que tenían con los fans de toda la vida.
  “Al ver la original de nuevo, me atrajo la idea de que un juguete, algo que todos los niños tienen y adoran, genere tan rápido tantos sentimientos”, dice Katzenberg, “eso me asustó mucho. Me hizo ver cada juguete en mi dormitorio de manera diferente; hasta el día de hoy, creo que es espantoso pensar en ello”. Ahora, cuando se trata de la reencarnación actualizada de Chucky, el temor se expande:” Es aterrador pensar que algo que queremos y nos acompaña a todas partes puede potencialmente dañarnos”.
  El Chucky mejorado es mucho más avanzado, agrega Grahame-Smith, “tiene más formas de matarte”.
Ahora tiene la capacidad de acceder a otros dispositivos y mirar a través de ellos, y puede tomar el control de termostatos, vehículos y aspiradoras. “Puede usar cualquier cosa a su disposición para aterrorizarte y matarte”. Conoce al Chucky 2.0.
  Apenas seis semanas después de esa reunión inicial con MGM y Orion, Tyler Burton Smith había terminado de escribir el guion. “Después de revisar todas las películas de la saga se puso a trabajar y escribió un muy buen guion en un tiempo mínimo”, dice Grahame-Smith.
  Luego, fue crucial conseguir el director adecuado y pensaron en Lars Klevberg. “Alguien que realmente respondió al guion y tuvo tenía las ideas correctas, todas las referencias adecuadas, toda la energía necesaria”, dice Grahame-Smith.
  El agente de Klevberg le dijo que había una nueva versión planeada de MUÑECO DIABÓLICO y le preguntó si estaba interesado en el proyecto. Sin el conocimiento de Klevberg, sin embargo, el agente ya les había mostrado su película anterior, POLAROID, y los productores estaban entusiasmados.
  Katzenberg recuerda vívidamente su primer encuentro con Lars. “Me detuve a un lado de la carretera después de salir de una reunión en un estudio para hablar con Lars por teléfono. Pensamos que íbamos a tener una conversación de 15 minutos y se convirtió en una llamada telefónica de 2 horas”. En su épica conversación telefónica, Lars llegó a tocar música para una posible banda sonora y para establecer el tono de la escena. Su pasión llegó a través del teléfono. “Sabíamos que era nuestro chico”.
  Klevberg cree que tanto Grahme-Smith como Katzenberg personifican a los productores perfectos.
“Hay una gran diferencia entre las personas que sólo quieren producir y los productores que están creativamente involucrados y apoyan al director. La cantidad de apoyo y libertad que me han brindado, al mismo tiempo que me empujaban y revisaban y equilibraban, manteniendo mis pies en el suelo para que no saliera despegando”, dice Klevberg con una sonrisa. “Ha sido extraordinario trabajar con ellos y estoy muy contento. Me han dado tanta inspiración, saben exactamente lo que están haciendo y cómo manejarlo cuando las cosas no van tan bien durante la producción, y nada realmente llega a fallar. No son tímidos para saltar a ayudarte si hace falta. No podría pedir mejores productores”.
  Para Klevberg, era importante para la historia tener una conexión humana auténtica y un aspecto emocional que resuene en la audiencia más allá de las amenazas. Debía tener algo que decir en un nivel más profundo. “Para ser honesto, cuando leí el guion, me pareció realmente bueno. La forma en que abordaron la manera en que Chucky piensa y cómo se convierte en el Chucky que conocemos es muy interesante porque profundiza en el contexto emocional entre los personajes de Andy y Chucky”.
  A diferencia de sus predecesoras, en esta versión de Chucky somos muy conscientes de por qué se convierte en malvado, entendemos su motivación, y eso es algo que Klevberg encuentra particularmente atemorizante.
  “Estamos tratando con un antagonista que realmente conoces y realmente entendemos por qué se comporta de la manera que lo hace, y se percibe realmente posible y real. La forma en que Chucky cambia está muy bien hecha y es aterradora. Siempre he visto este guion como una tragedia griega”.
  La película evoluciona hacia una confrontación muy real entre Chucky y Andy, en la que entiendes ambos puntos de vista, e incluso podría sentir más que un tinte de compasión por el muñeco asesino.
  “Chucky se vuelve malvado porque está interactuando con las personas y aprendiendo cómo se están comportando. Quiere hacer algo que cree que es bueno, pero su manera de comportarse se basa en el impulso [y en una comprensión limitada del mundo] “. Ahí es donde las cosas adquieren un tinte oscuro.
  La original asustó a Klevberg porque trataba de algo que estaba destinado a estar allí para consolarte.
“Cuando eres niño, te imaginas que [los muñecos] están vivos y hablas con ellos, y te protegen a ti y todas esas cosas divertidas. Pero MUÑECO DIABÓLICO nos mostró que podía hacer lo contrario, así que eso me asustó bastante de niño”.
  Al igual que Grahame-Smith y Katzenberg, Lars siente la gran responsabilidad de hacer lo correcto por Chucky. “Tienes que ser capaz de respetar su origen, pero al mismo tiempo debes hacer de ella tu historia y la historia que un escritor brillante ha puesto en las páginas. Es tu responsabilidad crear esa historia y al mismo tiempo tratar de mantener algo de lo que hizo tan popular al original”. Cita ET, la versión sueca de DEJAME ENTRAR, FRANKENSTEIN de Mary Shelley, e incluso PINOCHO, como algunas de sus influencias para la película.
  Nueve meses más tarde, después de esa reunión inicial, el equipo de MUÑECO DIABÓLICO estaba en Vancouver, Columbia Británica, rodando: “Realmente surgió de una manera fortuita y me hace sentir agradecido”, dice Katzenberg.
  Por supuesto, asegurarse de que la película sea aterradora fue parte integral de la ecuación y no siempre es fácil entender cuándo se supone que un tiempo o una escena estén correctamente equilibrados porque estás filmando fuera de secuencia y la película está siendo construido pieza por pieza, por lo que era importante tener en mente la visión general.
  “Hay muchas cosas de la película que van a asustar al público”, insiste Grahame-Smith, “Los momentos de miedo, el muñeco asesino psicopática y también la verosimilitud de la misma. Cuando lleguen a casa se darán cuenta de que gran parte de esta tecnología ya está en sus hogares y en sus vidas, y si se volviera contra ellos y decidiera ir a matar, esa es la diversión y la relevancia de la misma... Lo que sí es cierto, es que el Chucky que tenemos hoy en realidad puede matarte “.
  Grahame-Smith espera que las audiencias continúen pensando en ello y se asusten mucho después de que regresen a casa. “Queremos que esta película sea divertida, oscuramente divertida, aterradora, repugnante y sorprendentemente emocional a veces. Estamos haciendo esta película para una experiencia de cine repleta que todos puedan compartir juntos”.

TECNOLOGÍA SINIESTRA...
  “Tengo algo para ti”, dice Plaza como Karen a Andy en una escena. Pero mientras que el Chucky original era un asesino en serie que aterrorizaba a través del cuerpo de un muñeco, el Chucky de 2019 es uno que juega con nuestros miedos de hoy.
  “Realmente damos nuestras vidas a estas máquinas, todo está en la nube ahora y estamos poseídos por estas pertenencias”, dice Tyree Henry. “Eso es algo fascinante acerca de la renovación de la idea detrás de muñeco diabólico, incluso los adultos son susceptibles de su efecto... somos prácticamente esclavos de la tecnología”.
  Recuerda una historia que había leído sobre como las primeras palabras de un niño habían sido “Siri” porque el niño lo había escuchado continuamente a los padres. “Probablemente pensó que significaba te quiero”, dice Tyree Henry. “Siempre siento algo raro ver a un niño diciendo “hola google, haz esto, ok google, dale la vuelta a esto... “: tienen más relación con estas máquinas que con los seres humanos reales”.
  Una cosa a la que Tyree Henry realmente se identificó en el guion fue lo mucho que nosotros y la audiencia terminamos enfatizando con Chucky. “Me importa mucho Chucky en esta película. Es un producto, pero también es una víctima de la programación y eso es lo que es tan triste. Este muñeco ha sido programado para ser el mejor amigo de este niño; de alguna manera es una historia de amor”, dice riendo, “Chucky tiene muchas emociones y está aprendiendo, cuando comienza a aprender, es cuando comienza a volverse aterrador”.
  Es el mensaje de la película con el que también coincide Plaza. “Tengo un disgusto muy personal por la tecnología y los dispositivos a los que todos somos adictos”, dice, “ahora no es muy evidente qué tipo de efecto está teniendo en la sociedad, pero al final creo que miraremos hacia atrás y diremos wow, eso realmente se salió de control”.

DISEÑANDO UN MUNDO CON TEXTURAS...
  Cuando Klevberg se embarcó en Muñeco diabólico, se propuso crear un mundo que en gran parte se viera y se experimentara a través de los ojos de un niño. “Una de las primeras instrucciones de Lars fue que se trata principalmente de una película para niños y que quería hacer referencia a las películas de Amblin de los 80”, dice el diseñador de producción Dan Hermansen (Deadpool 2) “Tiene un toque de nostalgia a pesar de que estamos tratando con tecnología contemporánea, o incluso más avanzada”.
  Hermansen buscó crear un mundo más vivido, con un verdadero sentido de la historia y una textura envejecida. “Nuestro mundo es un mundo más viejo donde las cosas están un poco más cansadas y románticas.
  Nada es realmente nuevo y brillante “, dice,” todo tiene carácter y cierta pátina”.
La calidez de los espacios contrarresta la tensión del horror que se produce en la historia de la película.
  “Para mí es muy importante encontrar los lugares y las cosas que transmitan la emoción [correcta]”, dice Hermansen, “Así que siempre estoy buscando lo que me emociona, lo que provoca algo cuando lo ves.”.
  Cuando Andy y su madre Karen se mudan a un viejo edificio de apartamentos, se tiene la sensación de que una vez fue un lugar grandioso que ha estado allí durante mucho tiempo y ha pasado por momentos difíciles. El papel de la pared se está despegando, los avisos, las alfombras gastadas, la luz tenue y, como podría imaginarse, los vecinos malhumorados, o algo peor.
  Zed-Mart, la tienda que vende de todo y donde Karen trabaja en la rutina diaria, está ubicada en un edificio más viejo y de aspecto cansado de los años 60 con una arquitectura algo rancia. “Es una tienda que ha visto mejores tiempos económicamente. No se va a sentir tan prístino. No es un mundo perfecto”.
  En el almacén de Zed-Mart, que también es uno de los conjuntos favoritos de Klevberg, Hermansen amplió el factor terrorífico con muñecas y juguetes desmembrados, sombras y mucho humo. “Es un ambiente que se experimenta a través de los ojos de un niño, por lo que es un poco horrible”, dice, “Mundo roto, juguetes rotos”.
  Se trata de encontrar pequeños toques para ayudar a crear esa sensación de presentimiento, como las máscaras inquietantes en la habitación de Andy. “Lars está muy atento a los detalles orientados. Él presta atención a todo. “Tiene una gran visión definida de lo que quiere, por lo que es más fácil llegar allí y hacer que su visión cobre vida”.

ENCONTRANDO EL ESTILO...
  El director de fotografía Brendan Uegama no era ajeno a la iluminación tenebrosa, ya que anteriormente había trabajado en programas como “Las aventuras de sabrina” y “Riverdale”.
  El dúo sacó imágenes de referencia de muchos lugares, mirando cientos si no miles de fotos. Un punto importante de inspiración se convirtió en algunas de las películas de Spielberg en los años 80, ET y otras.
  “En la habitación de Andy hay mucho color”, explica Uegama, “Empujamos la luz a través de la ventana, haciendo que su habitación se sienta un poco más segura y tenga un ambiente mágico, mientras que cuando sales a las calles y otras áreas, debería sentirse más desapacibles”.
  Al crecer, la habitación de un niño es uno de sus lugares favoritos. “Para mí, hice que mi habitación fuera un poco especial al poner cosas que me gustaban, que formábamos parte de mí y creo que lo hacía sentir un poco más seguro”. En la película, es un lugar importante donde Chucky y Andy se unen y se convierten en buenos amigos desde el principio. Así que siempre fue el lugar donde Andy cuando se siente incómodo fuera o en la casa con Shane [el novio de su madre], puede volver a su habitación y sentirse un poco más seguro “.
  Sin embargo, la magia cobra vida una vez que Chucky comienza a mezclarse con el ambiente mundano de la vida cotidiana del personaje. “Este juguete cobra vida y se convierte en amigo de Andy”, dice Uegama. “Dejar que la amistad florezca realmente hizo que esa habitación tuviera su propio carácter”.
  No hay escasez de humo en la película y si le preguntas a Lars, nunca hay suficiente humo en el set. “Soy un gran fanático de los viejos pintores italianos y del cine negro”, dice, “Me encanta el contraste y la película seguramente tendrá sus momentos oscuros, pero también tiene otros matices que creo que son muy interesantes”.
  El humo ayudó a Uegama a crear una textura que ayudó a la película a sentirse más tridimensional y viva, y menos como un escenario. “Simplemente lo hace sentir más tangible”, explica, “Le da profundidad y capas y complejidad a la imagen”.
  Se trataba de crear capas. Aunque eso signifique que el desorden y las paredes sean menos evidentes, o usar la iluminación para crear docenas de sombras que podrían estar ocultando algo para generar tensión.
  Hay algo que siempre está al acecho en las sombras. “A veces se basa más en la iluminación, como el conjunto que se ilumina con solo unas pocas lámparas en la escena”, explica el diseñador de producción Dan Hermansen, “Hay mucha luz y oscuridad en esta película. Muchas sombras.”
  La cámara, también, fue un cómplice cuando se trataba de construir suspense. “El elemento de la película de terror se haría cargo y nosotros simplemente arrastramos la cámara un poco más para aumentar la tensión, o ajustar el ritmo del reparto”, dice Uegama, “Lars haría que se movieran un poco más lento, hablar un poco más lento... ” Durante las escenas en las que los niños sólo estaban jugando, la cámara también se movía un poco más rápido, girando un poco más libremente.
  Trabajar con el muñeco Chucky presentó su propio conjunto de desafíos. Por un lado, toma tiempo adicional, y la producción siempre estuvo compitiendo contra el reloj. “No es un actor que simplemente puede entrar y moverse”, sugiere Uegama, “tienes que colocarlo y caminar, así que todo tomará un poco más de tiempo”. hay varios titiriteros debajo del cuadro moviendo diferentes partes de su cuerpo, que a menudo dictarían cómo se enmarcaría un plano.
  Al mismo tiempo, dice Uegama, fue especial ver a Chucky cobrar vida. Y al igual que Pinocho, quien era una referencia de personaje para Lars, a medida que avanzaba el rodaje, Chucky se volvió más avanzado y capaz. “Este muñeco comienza un poco más rígido e imperfecto, pero luego se vuelve un poco más vivo y adquiere más personalidad”.
  Después de leer el guión, Klevberg se dio cuenta rápidamente de cómo le gustaría que se viera y trabajó con un artista conceptual en los meses previos a la producción, refinando el aspecto del muñeco, considerando cómo se vería el embalaje y cómo reflejaría la cara que se está vendiendo en 2019. En última instancia, dice Katzenberg, Chucky tiene que ser lo suficientemente agradable como para que los padres quieran comprarlo para sus hijos y tiene que ser lo suficientemente bueno para que los niños lo quieran.
  “Estás tomando algo tan icónico y quieres aportar algo nuevo, pero al mismo tiempo respetar el legado de Chucky”, dice Grahame-Smith, “¿Qué tendría que hacer y cómo se vería para que los niños quieran comprarlo? Eso es lo que realmente impulsó este proceso de diseño”. Aunque la versión final del muñeco se modificará en VFX y se mejorará digitalmente, siempre que fue posible se usó la animatrónica.
  Para Klevberg, la narración visual se remonta a las viejas películas de Hitchcock, de las cuales es un gran fanático. “Y, por supuesto, cada escena de Chucky es interesante para mí desde el punto de vista de un director, porque estoy tratando con un antagonista que se vuelve lentamente hacia su lado oscuro”.

LA GUERRA DE BROMAS...
  Todo comenzó inocentemente. Aubrey Plaza decidió levantarse temprano y esconderse en la furgoneta de Gabriel Bateman, su hijo en pantalla, en un intento de asustarlo. Para su disgusto, el intento de broma no fue bien. “No tengo miedo”, dijo Bateman tranquilo después de que Plaza saltó, “Ni siquiera un poco”. La próxima vez, sugirió, ella debería advertirle para que pueda fingir estar asustado. Las apuestas tenían que ser subidas. Y así, comenzaron las guerras de bromas.
  Brian Tyree Henry no pudo resistirse a unirse. Durante una toma, mientras los niños salían del ascensor, se escondió en las sombras, saltando en un momento oportuno, causando algunos gritos de sorpresa. El equipo y el director ayudaron.
  Las cosas siguieron escalando. Se dejaron objetos y notas espeluznantes en los remolques, los miembros del elenco se escondían en los armarios, y en Halloween, Plaza se vistió con un atuendo espeluznante, caminando con un cuchillo y la banda sonora de Psicosis. Al descubrir que no tenía escena en Hollow´s eve, Bateman no pudo resistirse a hacer una aparición totalmente disfrazado por el talentoso equipo de maquilladores en un Chucky real. La maestra en el set de los niños incluso hizo una piñata Chucky, que todos procedieron a romper alegremente en pedazos, con los ojos vendados.
  “Trabajé en sets durante muchos años como PA y 3rd AD y siempre quise trabajar en sets donde este tipo de cosas estén permitidas, así que soy un fan de ello”, admite Klevberg. “Este es un grupo de niños y adultos que cautivarán a los espectadores y se asegurarán de que la audiencia se conecte con ellos para relacionarse con la historia. Es importante que tengan una buena química y que hagan bromas y que pasen un buen rato en el set, que los acerque a todos “. Katzenberg comenta que” hay una camaradería entre los actores que sigue fuera de los escenarios y nuestros sets y parece que hay una guerra de bromas en curso. Siempre y cuando se lo pasen en grande y sirva para unirlos, nos ayuda”.

CASTING...
  Cuando pensaron en el casting de la película, Grahame-Smith dice que “querían hacer una película mejor de lo que nadie esperaba, de lo que tenía derecho a ser”. Parte de eso fue encontrar actores talentosos e inesperados que realmente pudieran brindar la resonancia emocional para dar vida a sus papeles.
  Para Aubrey Plaza, que es mejor conocida por sus habilidades de comedia, este fue su primer viaje en películas de terror, esas que su hermana mayor le obligaba a ver cuando era niña. Plaza admite que le gusta estar asustada, pero que muchas películas de terror no la atraen porque son sólo violencia, tortura y asesinatos de personas. Es por eso por lo que ya ha rechazado muchas películas de terror en el pasado. “No estoy realmente interesada en huir de alguien que va a tratar de apuñalarme”, dice, “pero si es un muñeco, cuentas con mi interés”. Su primera toma involucró una escena intensa que la tenía atada y colgada con una soga alrededor de su cuello en un almacén espeluznante, cubierto de sangre y estiércol. O como ella lo llama: “un día normal en una pesadilla”.
  La película también le brindó la oportunidad de profundizar en un tipo de personaje diferente al que solía hacer. “Cuando leí el guion, estaba muy emocionada por interpretar el papel de Karen porque es una parte muy diferente de mí”, recuerda. “Todavía no he interpretado a una madre, por lo que la idea de interpretar a una mama soltera joven fue muy atractiva para mí”. La propia madre de Plaza era joven cuando la tuvo, lo que aportaba una capa adicional de conexión con la relación en la película.
  “Fue una oportunidad para profundizar un poco más y crear una persona en el mundo de la película que te gustaría y apoyarías. “Alguien que tiene sentido del humor, pero también está deprimido y tratando de sobrevivir”.
  Cuando los productores escucharon que Plaza estaba interesada en el proyecto, fue una obviedad para ellos. “Nos emocionamos”, recuerda Grahame-Smith, “No creo que hayamos elegido a Aubrey Plaza.
  Creo que nos eligió a nosotros”. Esta fue una elección de casting inesperada. Por un lado, era un papel aparentemente diferente para ella, por el otro, era tan fácil de imaginar. “Ha sido una de mis cosas favoritas de la película, verla actuar y dar vida a este personaje de Karen. Hemos sido fans de ella durante mucho tiempo. Ella ha aportado una cantidad increíble de energía intelectual y emocional a la película”.
  En la película, Plaza interpreta a Karen, una madre soltera trabajadora que hace todo lo posible por cuidar a su hijo Andy. No siempre es fácil, ella trabaja duro y trata de estar ahí para él. Ella quiere que experimente la vida y haga amigos. Cuando consigue un juguete popular que ha sido devuelto y puede dárselo a su hijo, algo maravilloso se convierte en una pesadilla.
  El hijo de Karen, Andy, es interpretado por Gabriel Bateman, con quien Plaza formó un vínculo muy rápido, lo que resulta en una excelente química en pantalla. Se encontraron por primera vez en el avión de camino a Vancouver. Gabriel estaba sentado detrás de Aubrey, y era su cumpleaños. Aubrey acababa de leer una novela juvenil que le encantaba, así que, mientras Gabriel dormía, le regaló el libro junto con una nota, deslizándola bajo su bandeja. El dúo pasó mucho tiempo conociéndose fuera de la escena, participando en actividades como hacer caminatas, jugar al billar, escalar, ver películas, visitar iglesias antiguas y jugar a los bolos. “Probablemente te dirá que soy terrible a los bolos, pero está equivocado”, comenta secamente Plaza, “él es el que apesta”.
  Pero, Plaza reconoce, “Gabriel va a ser una estrella. Tiene un talento notorio y le gusta bromear y decirme que soy muy mala, pero eso es porque en el fondo me ama y sabe que soy mejor que él. Tenemos una relación especial; Seguimos tratando de derribarnos el uno al otro. Pero yo soy más grande que él, por lo que lo lleva crudo”.
  Brian Tyree Henry, quien interpreta al detective Mike Norris, un policía de la ciudad que creció en el edificio al que Andy y Karen se mudaron, se unió a las peleas en el set. “Cuando vimos a Brian interpretar a Mike por primera vez, solo nos miramos el uno al otro, algo hizo clic”, recuerda Katzenberg, “trajo tanto que probablemente ni siquiera creíamos que existía, y su química con Aubrey y Gabriel es increíble, somos tremendamente afortunados de tenerlos a todos”.
  Grahame-Smith está de acuerdo: “Brian es como una enciclopedia sobre Chucky, es un verdadero fanático.
Él sabe todo lo que podrías saber sobre la película”. Tyree Henry no podría estar más de acuerdo. “Soy el chico del cine de miedo, pregúntale a cualquiera que me conozca y dirán que este es mi género, así es”.
  Cuando el equipo le abordó por primera vez para hacer la película, no le llevó mucho tiempo terminar de leer el guion. “¡Es Chucky!”, Exclama con alegría. “Tengo vívidos recuerdos de la antigua cuando se salió en 1988. Tenía seis años y crecí en una casa de hermanas, así que no tuvieron ningún problema en mostrarme películas de miedo para torturarme, pero para su disgusto, me encantó esta película”. Hacía que sus hermanas le alquilaran la película una y otra vez. Ha visto todas y cada una de las películas de la serie. Como mega fanático, no le tomó mucho tiempo unirse al proyecto.
  “Todos aquí son fanáticos del género, de muñeco diabólico, y de Chucky, que es genial porque todos sienten la misma pasión por el proyecto”, dice Katzenberg.
  “Estoy increíblemente feliz con todo el elenco de esta película, fueron mis primeras selecciones y tenemos mucha buena química juntos”, dice Klevberg, “Creo que harán que la película sea mucho mejor”.
  El papel crucial de la voz del icónico muñeco asesino Chucky fue el último en llegar al reparto, y los realizadores lo encontraron en el legendario actor y doblador Mark Hamill. Grahame-Smith comentó: “Le preguntamos, pensando que no había manera de que alguna vez sucediera y él dijo: ‘Sí’. Fue la primera opción, un gran cambio, y simplemente sucedió”. Al trabajar con Hamill en el proyecto y viéndole convertirse en Chucky. “Quiero decir, en primer lugar, tener un ícono que reimagine a un personaje icónico es un regalo increíble”, dijo Grahame-Smith, “y tener un actor y un doblador que sea tan famoso como Mark Hamill, y tan dotado como él. Es decir, es increíble. Él está asumiendo este desafío con una gran cantidad de energía y realmente lo hace de una manera muy seria. Y es fascinante verlo crear un personaje, y encarnarlo, me siento allí y le veo. Es simplemente increíble”.
  “Nunca pensé que Mark Hamill estaría en esta película cuando la escribiera”, dijo el escritor Tyler Burton Smith. “Es Mark Hamill! Cuando lo estaba escribiendo, no había pensado quién sería la voz. Tan pronto como me lo dijeron, fue perfecto. Se ajusta perfectamente a esta versión de Chucky. Tiene una sensación distinta que es diferente de la original, pero aún se parece mucho a Chucky. Es realmente emocionante.”
  Esta puede ser una película de Chucky con mucho humor y horror, pero en su esencia, tiene que tener un conflicto emocional entre los personajes. “El elenco es capaz de mostrar eso de una manera en la que no puedes prepararte”, dice Klevberg, “Lo mejor de ser director es si te sorprendes de lo que tus actores aportan a sus personajes. Cuando tratas con grandes actores, hacen eso y esa es probablemente la parte más satisfactoria de este trabajo. Traen su lado creativo y eso es lo mejor porque es un esfuerzo de equipo y yo solo soy el filtro para que la visión se cumpla”.