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LA HISTORIA DETRÁS DE LA HISTORIA...
    En la estela del éxito de Déjame salir y de Nosotros, dos películas que sacudieron y redefinieron el género de terror, Jordan Peele quería ampliar su lienzo cinematográfico y, de paso, enfrentarse a un nuevo reto en su carrera de cineasta: la película del verano. “NOP es la historia de mayor envergadura que he contado hasta ahora”, dice el director. “Desde un punto de vista meramente cinematográfico, todo el proceso ha sido una auténtica aventura. Todos los departamentos se han arriesgado y entregado al máximo. Empecé a escribir un guion para una película sin saber si conseguiría rodarla. Luego reuní a un equipo para que me ayudara a sacarla adelante”.
   Al explorar las posibles opciones, un subgénero de “la película del verano” le pareció el más apto para una reinvención. “Se me ocurrió que podría hacer la gran película americana OVNI, una cinta de terror con platillo volante”, explica Jordan Peele. “Pero no solo sería una película de terror con platillo volante, sino la película de platillo volante por antonomasia. Es un género nada fácil porque se trabaja con un decorado muy complicado de abarcar, el cielo. Debo decir que Encuentros en la tercera fase es una de mis grandes influencias, tanto por su alcance como por su visión, pero sobre todo por la habilidad que demuestra Steven Spielberg haciéndonos sentir que estamos ante la presencia de otro mundo. Una experiencia inmersiva semejante era lo que buscaba desesperadamente. Sin embargo, el género suele entregar maravillosas cualidades a una civilización alienígena mucho más avanzada que la nuestra. Ahora bien, ¿y si la verdad fuera mucho más sencilla y oscura de lo que hemos imaginado hasta ahora?”
   Como en las películas anteriores de Jordan Peele, NOP reserva unas cuantas sorpresas al espectador, que ya se ha hecho una idea de lo que espera ver cuando entra en el cine. “Si mostramos tan poco en los tráileres y en todo el material publicitario es porque así lo mejor está por venir”, comenta el productor Ian Cooper. “Jordan diseña películas para que el espectador lo pase realmente bien si no está seguro de lo que va a ocurrir”.
   Eso sí, no volverán a mirar al cielo del mismo modo. “Es una película de terror, desde luego, pero también tiene una vertiente de ciencia ficción”, sigue diciendo. “Nos pareció muy importante llegar al equilibrio correcto para que se inclinara más hacia el terror que hacia la ciencia ficción. Al principio del rodaje, Jordan me dijo: ‘Ojalá, después de ver esta película, la gente mire a las nubes como miraban el mar después de ver Tiburón’. Incluso mientras rodábamos, con auténticas nubes en el cielo, era fácil imaginar lo molesta que podría llegar a ser semejante fobia”.
   NOP, como todas las historias de Jordan Peele, no se limita a producir sustos y escalofríos, a aterrar y entretener, también aprovecha para profundizar en algunos temas. La película es un espectáculo en sí, además de examinar la forma en que el espectáculo moldea la cultura y la idea que nos hacemos de nosotros mismos. Cuando los personajes principales presencian un fenómenos sin documentar en el cielo del rancho Haywood, todos sin excepción, aunque por diferentes razones y a su manera, se sienten obligados a documentar la anomalía. “El ADN de la película trata de la adicción del ser humano por el espectáculo”, comenta el director. “Y cuando el dinero se entromete, aparece una explotación masiva de lo que debería ser sencillamente puro y natural”.
   De hecho, el primer título de la película lo dejaba muy claro. “El título que se le ocurrió a Jordan en el primer momento fue ‘Pequeños hombres verdes’. Desde nuestras primeras conversaciones, la idea de la búsqueda de la fama y de la fortuna se mezcló con el deseo de documentar la vida más allá de la Tierra”, explica Ian Cooper. “Había un doble sentido en ‘Pequeños hombres verdes’: podía referirse al color verde de los billetes de dólar, así como a alienígenas y un mundo desconocido”.
   NOP también explora y critica cómo se hace cine y a la propia industria cinematográfica. “Mi idea era hacer algo que criticara y también homenajeara a lo que hacemos”, añade Jordan Peele. La cinta muestra las habilidades y conocimientos de personas que nunca aparecen en la pantalla; en cine, el equipo técnico. O sea, los domadores de animales, los directores de fotografía, los expertos en tecnología… Los que crean las imágenes increíbles que aparecen en la pantalla, pero a los que nunca vemos. También pone el foco en los actores olvidados, sobre todo los niños a los que la industria abandona en cuanto dejan de ser adorables. “NOP es una película acerca de querer ser visto y reconocido; o parafraseando a los millennials: ‘Si no hay foto no ocurrió’”, dice Ian Cooper. “También tiene que ver con lo que significa ser invisible en Hollywood, a pesar de formar parte íntegra y necesaria del espectáculo que se desarrolla en la pantalla”.
   La idea está representada en la famosa secuencia compuesta de dieciséis fotografías de un jockey negro a caballo. Creado por Eadweard Muybridge en 1887, el juego de placas nº 626, conocido como “Caballo en movimiento”, perteneciente a “Locomoción animal”, es uno de los primerísimos ejemplos de cronofotografía, un método para mostrar el movimiento y, consecuentemente, los cimientos de la industria cinematográfica. Las fotografías se encuentran en la colección permanente de la Gallery of Art, en Washington DC, indicando el nombre de la yegua y de su dueño. Pero no ocurre lo mismo con el nombre del jockey negro. “Ian Cooper me dio un libro sobre Eadweard Muybridge”, recuerda Jordan Peele. “Fue la clave que me permitió llevar a cabo el comentario, la exploración del medio, de Hollywood y de la misma industria cinematográfica, así como la explotación innata que nace de esta industria desde sus inicios”.
   El simbolismo de estas imágenes no se olvida fácilmente. “A Jordan le atrajo la idea de que el primer protagonista cinematográfico – el actor, el especialista y el domador – es el Jockey de Muybridge; un hombre negro de perfil al que nadie conoce cabalgando eternamente”, explica Ian Cooper.
En la película, OJ y Emerald Haywood son los descendientes y herederos de este mismo legado, tanto literal como metafóricamente. “El corazón de la película es un hermano y una hermana, y su capacidad por descubrir que están conectados y que siempre sean reconocidos”, dice el director. “La película trata del espectáculo, de nuestra adicción y atracción por el espectáculo. Pero también de la necesidad interior que todos tenemos de ser vistos, reconocidos por quién somos y qué somos”.
   Las personalidades de OJ y de Emerald reflejan la dualidad de la industria e incluso del propio Jordan Peele. OJ prefiere la paz y la soledad que aporta el anonimato; su trabajo le gusta y le llena. Emerald busca la atención y los focos. “En muchos aspectos, OJ y Emerald representan dos aspectos de mi personalidad”, reconoce Jordan Peele. “Por una parte, me gusta mucho la privacidad. La idea de que una muchedumbre pueda reconocerme de golpe me aterra, como aterra a casi todo el mundo. Pero, por otra parte, escogí una carrera que me coloca delante de todo el mundo. Estos dos personajes representan esa extraña yuxtaposición”.
   También merece la pena mencionar el hecho de que NOP – por su mera existencia – es un comentario acerca del anonimato del jockey negro en 1887, y la creciente visibilidad de personas negras, indígenas y de color delante y detrás de la cámara. “No es una película sobre la raza per se, aunque la raza sí tiene que ver con la idea de la espectacularización y de la explotación”, añade el director. “Pero la película debe reconocerse como algo que no hubiera podido realizarse hace cinco años. Con eso me refiero a que se trata de una historia original protagonizada por personas de color, dirigida por una persona de color, con un elevado presupuesto y un contenido bastante raro. Es de suponer que no se hacen películas así. Por lo tanto, el alma de la película, solo por el hecho de existir, nos obliga a homenajear a todas esas personas que nunca pudieron saludar, todas esas personas a las que no se permitió la oportunidad de tener éxito o de fracasar. De eso va la película”.
   Luego, si nos limitamos al entretenimiento, es tremendo. “Escribí NOP en 2020, en plena pandemia”, comenta Jordan Peele. “Fue una época muy rara. En cierto modo, la película también refleja el horror de entonces y sus consecuencias actuales. Me sirvió para escapar de la rutina diaria a la que estaba sometido y también quiero que aporte lo mismo a los espectadores”. En cuanto al título, el director dice: “La palabra ‘NOP’ en inglés tiene diversos significados: ‘No’, ‘Ni hablar’, ‘Qué va’. Siempre me gusta meterme en la cabeza del público. Pero sé que a mucha gente no le apetece ver una película de terror, no quiere ver algo oscuro y retorcido. Pero NOP es una invitación para estos espectadores, un poco como si les dijera: ‘Vale, sé que estás ahí, es una película de miedo, sí. Pero por lo menos reconozco que también hay algo para ti en este género”.
   Tanto para el director como para el productor, que son amigos desde la adolescencia, la película también es un homenaje a quienes eran entonces. “Cuando teníamos 15 años, Ian y yo solo veíamos películas”, recuerda Jordan Peele. “Mientras nuestros amigos adolescentes estaban por ahí pasándolo bien, fumando petas o metiéndose mano, nosotros estábamos en un cuarto decidiendo si veíamos Alien o Le llaman Bodhi. Para mí es un honor realizar todo este proceso con él. Es un artista alucinante, pero también estaba seguro de que sería el mejor productor cinematográfico. No puedo hacer esto solo. Ian es como un ejército de un hombre protegiéndome”. A lo que Ian Cooper añade: “Hablamos mucho de hacer películas que nos hubiera gustado ver una y otra vez cuando éramos jóvenes. Creo que gran parte de nuestro esfuerzo haciendo películas matizadas y complejas como las nuestras se debe a una noción de máquina del tiempo para atraer a los soñadores que éramos a los 15 años”.
   Los dos soñadores quinceañeros de entonces se dedican ahora a reinventar las películas de género que vieron en el pasado. “Me encantan las películas de género porque crean expectación”, dice el director. “Hay una serie de normas y de reglas para contar ciertas historias y conseguir ciertas emociones. Como espectadores, lo tenemos muy aprendido y nos ayuda a saber qué tipo de película vamos a ver. Pero también nos da la oportunidad de subvertir las reglas y las normas. Así, cuando se supone que van a darte un susto, aparece una situación cómica. Pero cuando crees que va a ser divertido, te arranca el corazón. Mediante este proceso de subversión del género conseguimos hacer películas que no entran en ninguna de las categorías conocidas”.

UN FENÓMENO INEXPLICABLE...
   Hay algo en el cielo que abduce a personas y animales, pero de qué se trata exactamente es un misterio para los personajes y los espectadores hasta casi el último momento de la película. OJ Haywood lo llama “Jean Jacket” (Chupa vaquera). “Puro Jordan Peele”, dice Ian Cooper, riendo. “Bautizar al ente como ‘Jean Jacket’ me puso la carne de gallina, me pareció una perturbación de la cultura pop. También está la imagen de que una chupa vaquera no es más que una cáscara vacía. Por eso me parece que nombrarlo ‘Jean Jacket’ es popero y también retorcido”.

• En la película, Jean Jacket es el nombre del caballo del rancho Haywood que su padre prometió regalarle a Emerald de niña. OJ escoge el nombre por eso.

• Jean Jacket se esconde en las nubes. Por lo tanto, las nubes debían ser exactamente las mismas durante al menos tres días de rodaje, algo totalmente imposible. El equipo de efectos visuales se encargó de crear un sistema de nubes para controlar la composición, formación y velocidad de las mismas. El equipo de efectos visuales tardó nueve meses en implementarlo.

• La película contiene unas 700 tomas del cielo creadas digitalmente, eso explica por qué tardaron tanto en generarlas. Hay muy pocas con nubes auténticas.

• Jean Jacket tiene un solo orificio en la parte inferior que siempre está abierto, un enorme agujero de unos 75 metros de diámetro. Su ojo es un cuadrado verde escondido dentro de su cáscara. Cualquiera que lo mire demasiado tiempo se convertirá en su víctima.

• Para que los movimientos de Jean Jacket tuvieran una cierta base, los productores pidieron consejo a JOHN DABIRI, un profesor de Ingeniería en CalTech que se dedica al estudio de sistemas biológicos, como el de las medusas y de los pájaros, para aplicarlos a tecnologías de reciente creación. Hablaron de la propulsión por iones y de la biología de animales submarinos para imaginar cómo se movía Jean Jacket.

• Después de que Jordan Peele le explicara a John Dabiri cómo imaginaba que el ente se movía y comportaba, el ingeniero le explicó el funcionamiento de las medusas, unos animales altamente eficientes con un apetito voraz casi invisibles y muy ligeros.

• El aspecto de Jean Jacket también está inspirado en el minimalismo extremo de un personaje de anime japonés, Evangelion, y en su “estilo de diseño biomecánico”.

• Aparte de las referencias orgánicas, como pueden ser las aves y las criaturas marinas, el equipo de efectos visuales también se inspiró en el arte del origami para plasmar el momento en que Jean Jacket se despliega y revela su interior.

• Para conseguir el diseño final de Jean Jacket se trabajó durante 18 meses.

LOCALIZACIONES Y DISEÑO DE PRODUCCIÓN...
El parque temático Jupiter’s Claim:
   La diseñadora de producción Ruth De Jong ya había trabajado con Jordan Peele en Nosotros. Cuando empezaron a hablar de cómo sería el pueblo del Lejano Oeste para NOP, no tardaron en darse cuenta de que no tendrían más remedio que construirlo en su totalidad. “No es que haya muchísimas escenas en el pueblo, pero son especialmente importantes, y me parece que construirlo entero, así como el estadio, y conectarlos al rancho se convirtió en una condición sine qua non si queríamos respetar la filosofía del rodaje y de lo que queríamos que se viera”, dice Ruth De Jong. “Empecé a recorrer viejos pueblos típicos del Lejano Oeste empezando a lo largo y ancho de California antes de seguir por Montana, Nevada y Arizona. También vi un montón de westerns, como La puerta del cielo y Érase una vez en el oeste; estudié los decorados y los pueblos, aunque no queríamos algo tradicional. Debía ser la carcasa del tradicional pueblo del Oeste, pero en un parque temático actual, de ahí la vitalidad que comunica el decorado. Un poco como un pueblo del Oeste habiendo tomado un ácido. Está lleno de colores. La escala es de tres cuartos, por eso todas las puertas parecen pequeñas, ya que es un parque temático para niños. Debía ser un parque temático llamativo, pero también práctico. Quería que todo el mundo que viese la película pensara: ‘Vaya con Jupiter’s Claim, ¿por qué no hemos estado?’”
   Dentro del pueblo del Lejano Oeste se encuentra un estadio en forma de herradura de caballo. “Nos gustó la idea de que tuviera algo que ver con las sedes de los festivales de música country, que solo fuese de madera y tierra batida, un poco como en Campo de sueños, cuando aparece el campo de béisbol en medio de los campos de maíz”, añade la diseñadora.
   Jordan Peele era consciente de la importancia del decorado. “Jupiter’s Claim es uno de los elementos que diferencia a la película de otras de terror”, explica. “Hay un nivel de insólita intriga en una especie de sátira del sueño americano. El parque temático de Jupe es un poco como la exploración del capitalismo. Por ejemplo, la moneda usada dentro del parque es el Jupe Jangle, y por 40 dólares te dan una sartén llena. Los niños pueden encontrar oro en el riachuelo, cambiar el oro por más Jupe Jangles y comprar más cosas. Con más Jupe Jangles se consigue un sombrero más bonito. El pueblo es una alegoría del capitalismo”.

• Todos los interiores de los edificios de Jupiter’s Claim son funcionales. En el pueblo están la oficina del sheriff, una granja interactiva, un tren a vapor, un lugar para separar el oro de la tierra, una tienda de chuches, un almacén general, una cantina, correos, una barbería, la oficina de evaluación donde los niños llevan el oro que han encontrado, un establo, una iglesia, un cementerio y un estadio en forma de herradura con capacidad para 938 personas.

• La locomotora a escala 1:4 en Jupiter’s Claim es una locomotora a vapor autentica, diseñada y construida por el ingeniero ferroviario MIKE MASSEY y su padre, como lo son los vagones y los raíles. No fue hecha específicamente para NOP.

• Se tardó 14 semanas en construir el pueblo y el estadio.

• Antes de empezar la preproducción, se realizó un escaneo completo de todo el valle con drones equipados con dispositivos lídar para obtener un mapa detalladísimo de las colinas y demás accidentes geográficos.

El rancho de los Haywood:
   Para el hogar de OJ y Emerald, la diseñadora Ruth De Jong buscó un rancho construido a finales del siglo XIX o principios del XX. “Pensamos en una casa de una sola planta, pero estéticamente quedaría muy baja en comparación al pajar”, dice. “Siempre me ha gustado el pintor Edward Hopper, sus casas son muy sencillas. Hay algo en la forma, en las sombras de esas casas, y aunque la gran mayoría están o estaban en la Costa Este, empecé a inclinarme por una casa al estilo Hopper. No se hizo para dar la impresión de una casa con fantasmas, pero en mi opinión es totalmente icónica. Mi idea, al diseñarla y crearla con el decorador GENE SERDENA (Her, The Fighter) y nuestro equipo, fue conseguir que formara parte del lugar, que se entendiera inmediatamente por qué la familia vive allí. Es una casa con historia”.
   El lugar en sí añadía otro toque de terror a la película. “El director de localizaciones JUSTIN DUNCAN encontró esta finca y nos pareció perfecta por varias razones”, comenta Ian Cooper. “Por una parte, está situada cerca de las estribaciones de las montañas y da la impresión de estar en el centro de un gigantesco estadio gracias a la llanura del valle. Pero el valle también comunica una extraña sensación de vulnerabilidad porque no se ve ninguna salida; es como estar en el fondo de un enorme cuenco, y el ente Jean Jacket tiene múltiples sitos donde esconderse”.
   Otra peculiaridad es el viento constante que sopla en el valle. Jordan Peele tuvo largas charlas con el ingeniero de sonido JOHNNIE BURN (El sacrificio de un ciervo sagrado, Under the Skin) para utilizarlo. “Siempre supe que en esta película el sonido era tan importante como las imágenes”, dice. “Johnnie ve los sonidos. Nada más empezar me dijo que tenía toda una biblioteca de vientos. El viento es otro protagonista, un personaje que solo se oye, y Johnnie sabe dirigir el viento”.

• La casa de los Haywood se construyó en el Rancho Firestone, en Agua Dulce, California, que perteneció a William Mulholland, el famoso ingeniero civil que llevó el agua a Los Ángeles a principios del siglo XX. En vez de utilizar la imponente mansión de Mulholland de estilo español, el director y los productores prefirieron construir una casa situada más cerca del pajar y de las caballerizas.

• Construir la casa de dos pisos de los Haywood llevó más de diez semanas.

Fry’s Electronics:
• Siempre se pensó en rodar dentro de la tienda Fry’s Electronics, en Woodland Hills, cuyo decorado estaba basado en Alicia en el País de las Maravillas, pero la cadena cerró en la primavera de 2021 y la tienda ya había sido desmantelada. El cineasta y los productores se inclinaron por Burbank Fry’s, cuya decoración se basaba en las películas de ciencia ficción de serie B de los años cincuenta.

• “Jordan había incluido Fry’s en el guion, la tienda electrónica por excelencia en California”, explica Ruth De Jong. “Visitamos unas cuantas tiendas, pero no teníamos ni la más mínima idea de que las cosas no iban bien hasta el mes de noviembre, cuando alguien me mandó un mensaje: ‘Fry’s ha cerrado, no se puede entrar, las persianas están bajadas’. Inmediatamente, Jordan sugirió que creásemos una tienda desde cero, pero no me gustaba la idea. Y creo que Ian Cooper y Jordan tampoco estaban seguros. Les convencí para que hablásemos con los dueños. Fuimos a la tienda de Burbank, pero ya era demasiado tarde. Había que volver a decorarla. Nos preguntaron si era posible y les contesté que sí. Randy Fry, su esposa Vikki Loveikis y el hijo de ambos estaban encantados y nos ayudaron muchísimo. Nos sentimos orgullosos de haber homenajeado el legado de una tienda tan famosa y creo que Randy se alegró mucho de ver cómo recobraba vida. Fue muy bonito capturar la nostalgia y lo que significa un negocio familiar, y ahora esto permanecerá porque está en la pantalla”.

El plató del sitcom “Gordy’s Home”:
• En el plató del sitcom “Gordy’s Home”, el sofá, las sillas y las mesitas son un 30% más grandes de lo habitual para subrayar el pequeño tamaño del protagonista.

• “El plató de Gordy’s Home es colorido, alegre, típico de una casa familiar de los noventa en Cabo Cañaveral, Florida”, dice Ruth De Jong. “Pero lo que ocurre en ese plató es tremendo, terrible, nada que ver con la serie “Padres forzosos” de la misma época. El decorado es totalmente kitsch y sirve de telón de fondo para que Jordan cree una creciente oscuridad”.

Copperpots Cove:
• Los fans de Jordan Peele se darán cuenta de que una cadena de comida basura inventada que se ve en Nosotros reaparece en NOP. “Me gusta que mis películas habiten el mismo universo – un universo llamado realidad”, dice el director. “También me parece que hay formas de hacer que el cine se aparte de la realidad, como la cadena de comida basura Copperpots Cove. No existe, pero aparece en Nosotros y en NOP. Eso quizá haga preguntarse a la gente si NOP y Nosotros no están en el mismo universo. Me gusta hacer que la gente especule”.

• Copperpots Cove se convirtió en el vehículo ideal para que Jordan Peele e Ian Cooper construyeran el “perfecto sándwich de pescado”. Jordan Peele escribió a mano el menú completo del restaurante y pidió ayuda al chef de uno de sus restaurantes favoritos – Holbox, no lejos de USC, la Universidad del Sur de California – para crear el sándwich en cuestión. Luego, Ruth De Jong y el jefe de atrezo MICHAEL GLYNN (la serie “Masters of Sex”, Superstore) crearon el embalaje.

• El logotipo de la cadena – un loro guiñando el ojo – se debe al artista gráfico JOEL WALDREP y lo esculpió DAVID FRENCH.

Los bailarines (Sky Dancers):
   Uno de los aspectos visuales que más llama la atención en la película son los numerosos muñecos hinchables plantados en el valle que parecen bailar con el viento. “Los Sky Dancers equivalen a un sistema de detección del ente Jean Jacket”, explica Jordan Peele. “Sirven para atraerlo y confundirlo. Desde el punto de vista estético, representan otro tema de la película en cuanto a la explotación que se hace de la belleza natural y la marca que dejamos los seres humanos en el medioambiente. También simbolizan las almas perdidas de la gente explotada”.

• Fueron necesarios al menos 70 Sky Dancers para las escenas rodadas en el rancho.

• El jefe de eléctricos ADAM CHAMBERS (Tenet, Ad Astra) y el responsable de la consola de iluminación NOAH SHAIN (Tenet) se encargaron de programar los muñecos hinchables. Chambers utilizó una red sin cables para que el director y el director de fotografía pudieran controlar cuál se alzaba y cuál estaba tumbado. Sin embargo, el elevado calor y unas testarudas ardillas que decidieron roer los cables plantearon algún que otro reto al buen funcionamiento del invento.

• La diseñadora de producción Ruth De Jong dice: “Aquí tocamos un tema subyacente mediante la paleta de colores, un poco como una bolsa de caramelos Skittles, dejando entender que los Sky Dancers representan el consumismo masivo”.

EL VESTUARIO...
• La diseñadora de vestuario Alex Bovaird concibió la película de modo caleidoscópico: la estética de cada segmento es muy particular. Creó un mundo diferente y muy colorido para cada parte.

• Debido al intenso calor y al polvo en los decorados naturales, cada actor requirió varios ejemplos del mismo modelo. Por ejemplo, Daniel Kaluuya tenía diez pares del mismo vaquero para su personaje OJ Haywood.

• OJ lleva casi siempre ropa que le han dado en los rodajes en los que ha trabajado.

• Emerald colecciona prendas que le han prestado, como lo demuestra su armario.

• Alex Bovaird creó un estilo “vagabundeo” para la película American Honey que aparece en el look bastante “queer Flâneur” de Emerald.

• El estilo de ropa de Emerald sobresale por su artificialidad pop contra los paisajes grandiosos de la película.

LA FOTOGRAFÍA...
   Después de ver su trabajo en Dunkerque y Tenet, ambas de Christopher Nolan, el director y los productores decidieron pedirle al director de fotografía Hoyte van Hoytema, nominado a un Oscar, que se ocupara de la iluminación de la película. Entre las mayores dificultades a las que debió enfrentarse Hoyte van Hoytema y su equipo estaban las escenas nocturnas. “Había varias escenas en el valle de noche, pero el valle es muy grande”, dice. “Está rodeado de montañas y es imposible iluminarlo. Sin embargo, para la historia era muy importante que se sintiera la amplitud del valle y, por lo tanto, había que crear noches que parecieran enormes, épicas, inmensas, que aportaran la posibilidad de mirar a lo lejos en la oscuridad. Pero tampoco queríamos que esas noches parecieran falsas. Es el problema clásico al que se enfrenta cualquier director de fotografía cuando rueda en el campo de noche porque no hay nada excepto la luna, y las cámaras carecen de la sensibilidad suficiente para capturarlo todo con esa luz. Se nos ocurrió pensar en la técnica ‘Day For Night’, también llamada ‘noche americana’, algo que lleva haciéndose en Hollywood desde siempre para solventar ese problema. Se trata de colocar a los actores en una posición muy concreta con el sol, preferiblemente a contraluz, y despues oscurecer o azulear la imagen para crear la ilusión de que es de noche. Pero cuando empezamos a estudiar esta opción, los resultados no acabaron de convencernos. Decidimos inventar un nuevo sistema y acabamos creando una instalación ‘noche americana’ combinando varias cámaras, todas perfectamente alineadas sin el menor paralaje. Luego, al unir las imágenes rodadas por las diferentes cámaras, concretamente la Alexa 65 con un chip infrarrojo, y con la ayuda de unos programas, pudimos crear imágenes muy parecidas a la noche. Una vez hecho todo esto, el supervisor de efectos visuales Guillaume Rocheron pulió las imágenes. Personalmente, esas tomas nocturnas increíbles de gran magnitud me parecen geniales. No había visto nada parecido excepto en CGI, pero el CGI nunca aporta la cercanía de estas imágenes.
   Jordan Peele reconoce que Hoyte van Hoytema le ayudó a plasmar su visión incluso cuando dudaba de que fuera posible hacerlo. “Escribí el guion sin preocuparme de si era factible o no rodarlo”, reconoce Jordan Peele. “Era un sueño. King Kong, El mago de Oz. Cuando ves estas películas, te das cuenta de que no eran factibles, pero se hicieron gracias a la inventiva técnica, la persistencia y la colaboración. Sencillamente, Hoyte no se fijó en las limitaciones que habría visto otro director de fotografía”.

• Antes de que Hoyte van Hoytema se uniera a la preproducción, el director y los productores pensaban utilizar cámaras digitales. Después de hablar con él, se decidió rodar en gran formato de 65 mm y en IMAX.

• Cerca del 40% de la película se rodó con cámaras IMAX y casi el 100% se rodó en gran formato de 65 mm, con negativo de 5 perforaciones, excepto el sitcom de 1997, rodado en 35 mm, tal como se habría hecho en la época, y la cámara con manivela usada por Holst durante la escena de la abducción. Las imágenes de los monitores de seguridad se rodaron con cámaras digitales Black Magic.

• Se utilizaron cuatro cámaras IMAX para rodar NOP. Dos de ellas eran MSM estándar, las típicas cámaras de batalla capaces de rodar 36 fotogramas por segundo, y las otras dos eran Mark IV, que llegan a los 48 fotogramas.

• Se utilizaron las mismas cámaras IMAX que en el rodaje de la película Everest.

• SCOTT SMITH, el técnico de IMAX que se ocupó de las cámaras, adaptó una de las Mark II con una manivela para que pudiera ser utilizada en una escena importante. Debía ser una cámara que funcionara sin electricidad. La cámara IMAX con manivela rodaba entre 3 y 4 fotogramas por segundo.

• La cámara IMAX a la que se adaptó una manivela es una de las cámaras usadas para filmar el espacio exterior a bordo del transbordador espacial.

• “Cuando se rueda con una IMAX, se sabe que se está haciendo algo especial cinematográficamente hablando”, dice Jordan Peele. “No hay nada comparable a ir a un cine IMAX, ver algo rodado en IMAX y darse cuenta de todo lo que implica, la inmersión es total. Quiero decir que las imágenes son tan apabullantes que se convierten en reales. No se tiene la sensación de mirar una pantalla, sino de estar allí mismo. Y fue la clave de esta película: quería que fuera inmersiva para recuperar esa sensación de asombro, de sobrecogimiento, de miedo que teníamos todos de niños”.

LOS PERSONAJES...
OJ HAYWOOD – DANIEL KALUUYA:
   Con el papel de OJ Haywood, Daniel Kaluuya y Jordan Peele vuelven a encontrarse después de Déjame salir en 2017. El personaje de OJ no tiene nada que ver con los que el oscarizado actor ha interpretado hasta ahora. Hombre de pocas palabras y de actuaciones nobles, OJ es el centro moral de la película. La repentina y misteriosa muerte de su padre, Otis Haywood Sr (Keith David) obliga a OJ a llevar el rancho familiar dedicado a domar caballos para el cine y la televisión. A pesar de trabajar en Hollywood, la mayoría de su tiempo transcurre en el rancho Haywood, en Agua Dulce, algo que le viene bien. Se siente cómodo allí, sin llamar la atención. Cuando su hermana Emerald (Keke Palmer) regresa al rancho, vuelven a surgir viejas tensiones producidas por heridas sin cicatrizar.
   “Conocemos a OJ al poco de morir su padre en extrañas circunstancias”, dice el actor. “Se ocupa del rancho cuando todo empieza a desmoronarse. Su hermana regresa y la fricción crece. Intenta descubrir cuál es su camino, por qué está donde está, contestar a un montón de preguntas”.
   Jordan Peele escribió el personaje pensando en Daniel Kaluuya. “Reconozco que es mi papel favorito de todos los que ha hecho Daniel. Me entusiasma trabajar con él porque compartimos un idioma emocional”, explica el director. “Sencillamente somos muy francos el uno con el otro y nuestras conversaciones parecen estar plagadas de misiles sensibles al calor”.
   Decidió dar pocos diálogos a OJ porque sabía que el actor comunicaría perfectamente sus emociones con una simple mirada, sin necesidad de palabras. “Es un placer mirar a Daniel, me serví de esto al escribir el guion”, dice Jordan Peele. “OJ es hombre de pocas palabras, y Daniel es de esos intérpretes que no necesitan diálogos para comunicar con el público, que meten al espectador aún más en la historia en los momentos de silencio. Hay partes de la película que se adaptan al ritmo de OJ y que son tan fascinantes como las partes que van al ritmo de Emerald. Solo Daniel iba a conseguir esto. Una de las razones por laa que es un actor tan impresionante es porque observa y escucha. Observa todo lo que ocurre a su alrededor y se abre. Un protagonista necesita exactamente eso, ser alguien con quien los espectadores puedan identificarse porque también observan”.
   A Daniel Kaluuya, el papel le ofrecía la oportunidad de indagar en profundidad en la vida interior de OJ. “Me gusta que OJ sea tan silencioso”, dice. “También soy silencioso, a veces dejo de hablar. Me gusta la escena de un hombre reflexionando, un hombre consigo mismo. Ha sido una interpretación totalmente diferente; aquí, una mirada equivale a un diálogo. En algunas escenas soy consciente de que mi pensamiento o mi forma de mirar comunicará algo al espectador. Soy el sustituto del público y, en ocasiones, me adelanto en cuanto a la información. Mi misión es ayudar al espectador a entender lo que ocurre. En un caso así, como actor, hay que tener pensamientos muy claros”.
   La relación de OJ con su hermana es el núcleo emocional de la historia. “Tal como me lo contó Jordan, Emerald tiene la personalidad de su padre”, explica Daniel Kaluuya. “Ella es la sucesora natural en cuanto a energía y personalidad, pero OJ se quedó y ella se fue. Hay fricción entre los dos, pero también un enorme afecto, y eso es lo mejor de la película: ver en la pantalla cómo un hermano y una hermana se convierten en auténticos amigos”.
   Ambos están en un momento de inestabilidad en sus vidas. “En cierto modo, los dos parecen haber perdido el norte”, añade el productor Ian Cooper. “OJ se pierde en el dogma de las enseñanzas de su padre, no parece pensar por sí mismo. Su única idea es seguir adelante con el negocio de su padre y llegar a final de mes. Pero Emerald, por el contrario, está en una reinvención constante, quiere que se la vea, quiere ir más allá de la rígida educación que recibió”.
   Al igual que su personaje, el actor tuvo que pasar mucho tiempo montando y ocupándose de caballos, y la experiencia le enseñó mucho. “Me gusta la relación de OJ con los caballos”, dice Daniel Kaluuya. “Montaba muy mal a caballo y tuve menos de un mes para ponerme al día. Pero sabía lo que buscaba porque, para mí, la clave reside en la conexión de OJ con los caballos. Los considera sus auténticos amigos. Supe que debía entender la vida animal a otro nivel y comprender cómo se ve a sí mismo a través de sus amigos. Tengo la sensación de que comparte su dolor con los caballos. Se comunica con ellos. Es verdad que los caballos tienen espíritu, personalidad. Puede que suene raro, pero creo que OJ está conectado con la tierra”.
   Desde que Daniel Kaluuya y Jordan Peele trabajaron juntos por primera vez hace seis años, sus vidas han cambiado mucho. Los dos han ganado un Oscar, se han hecho famosos, son profesionales de éxito. El actor se dio cuenta de los cambios en el director: “Jordan ha madurado como cineasta. Déjame salir era una carrera en línea recta, pero NOP tiene mucha más envergadura. Su estilo es totalmente diferente. Profundiza más en los personajes, en los momentos, convirtiéndolos en indelebles. El ritmo, la velocidad han cambiado”.
  Pero lo que les unió hace años no ha cambiado. “Lo que más me gusta de las películas de Jordan es que son muy difíciles de describir”, sigue diciendo Daniel Kaluuya. “Hay que vivirlas. Siempre contienen una premisa real y luego una realidad absoluta en medio de todo”. El guion de NOP era misterioso, no se parecía en nada a lo que había leído hasta entonces, pero sabía que podía confiar en el hombre que lo había escrito. “Siempre pido ayuda cuando no sé de qué va algo”, dice el actor. “Pero solo lo hago si estoy convencido de que al director le apasiona el tema, lo entiende, lo vive. Y con Jordan siempre es así”.

EMERALD HAYWOOD – KEKE PALMER:
   Emerald Haywood, a la que interpreta Keke Palmer, es una actriz y cantante en ciernes y una experta jinete que trabaja en cine. A primera vista parece ser lo opuesto a su hermano OJ en muchos aspectos. Encantadora, extrovertida, busca ser el centro de atención para compensar una educación demasiado estricta; no soporta la soledad ni el silencio. Prefiere estar desarraigada, dormir en el sofá de amigos o incluso en la calle antes de regresar al tremendo aislamiento del hogar de su niñez. Hubo un momento en su vida que marcó para siempre su relación con OJ y con su padre. Está muy unida a su hermano a pesar de evitar a toda costa mezclarse en el negocio familiar.
   “Emerald Haywood no tiene mucho a su favor, pero sale de cualquier lío hablando”, dice Keke Palmer. “Tiene carisma. Sabe conectar con la gente, pero no es disciplinada; tampoco sabe adónde va. Ha llegado a una encrucijada, la misma en que muchos hemos estado cuando no queremos volver a casa porque nos recuerda cómo éramos, pero ya no somos esa persona y no sabemos si esto nos gusta o no. Pero el hogar está donde está nuestro corazón, y hace falta vivir malas experiencias para darse cuenta de eso”.
   Jordan Peele trabajó por primera vez con Keke Palmer hace diez años, y sabía que era perfecta para el papel. “Keke siempre ha sido Emerald, nunca lo dudé”, dice el director. “Trabajé con ella hace diez años en el programa “Key and Peele”. Hacía de traductora de Malia Obama cuando esta se enojaba. Keke tiene una cualidad, siempre brilla, y quería que Emerald tuviera lo mismo, una chispa. Hay algo contagioso en la energía de Emerald, como si el destino estuviera de su lado, como si fuera a conseguir todo lo que desea. Me ocurre con muchos personajes, los escribo pensando en un actor. Luego, cuando conozco al actor, siempre encuentro la forma de hacer que los personajes vayan a sitios nuevos. Como colaboradora para esto, no podía pedir a nadie mejor que Keke”.
   Emerald también encarna algunos de los temas centrales de la película ya que vive la mayoría del tiempo públicamente, en las redes sociales. “La obsesión de Emerald por las redes sociales y por ser una influencer tiene una relación directa con la película en cuanto a buscar algo siempre más allá de uno mismo, algo que nos dé una razón de ser”, explica Keke Palmer. “Para Emerald representa una atracción enorme, quizá porque creció en California o porque siempre estuvo cerca de la industria cinematográfica o quizá también sencillamente porque quiere que la vean y nadie la ha visto nunca. Creo que es fácil identificarse con Emerald porque muchos de nosotros, lo reconozcamos o no, queremos que se nos vea”.
   La relación con su hermano esconde una herida más profunda para Emerald. Y no cabe duda de que es el ser más próximo que hay en su vida. “La relación de Emerald con OJ se basa en la pureza y en la franqueza”, sigue diciendo Keke Palmer. “Es la típica relación entre dos hermanos en la que no es necesario decirlo todo. Se sienten más las emociones y se escuchan menos las palabras, y puede que no nos demos cuenta inmediatamente de lo cercanos que están hasta que se arma la gorda”.
   Pero cuando se arma la gorda, incluso la gordísima, Emerald demuestra estar a la altura. “Emerald es un personaje que suele ser masculino”, explica la actriz. “Segura de sí misma, no tiene miedo a nada. Tampoco se toma muy en serio, pero puede ser dura. Es realmente genial”.
   Keke Palmer reconoce que rodar NOP y trabajar con Jordan Peele le hizo pensar en la cultura en que vivimos. “Personalmente, creo que la película habla de buscar algo más allá de uno mismo y de obsesionarse tanto en la búsqueda que no se ve lo que ya se tenía”, concluye. “Todos lo hacemos de una forma u otra, obsesionarnos con las noticias, con nuestra carrera profesional. Somos como mariposas atraídas por la luz. Sabemos que no nos hace falta ir hacia la luz, pero ya no tenemos la fuerza de voluntad suficiente para resistirnos. Se trata de rechazar lo superficial, que en realidad no nos sirve de nada. Nos perdemos sin darnos cuenta de que el amor, el reconocimiento y la seguridad que buscamos siempre han estado ahí. Están en nuestro interior y, normalmente, también están en casa, con nuestra familia”.

RICKY “JUPE” PARK – STEVEN YEUN:
   Interpretado por Steven Yeun, nominado a un Oscar, el personaje de Ricky “Jupe” Park fue una estrella infantil explotada y posteriormente rechazada por Hollywood que ha intentado rentabilizar su pasado creando un parque temático basado en la fiebre del oro californiana. El parque se llama Jupiter’s Claim (Concesión de Jupiter, de ahí “Jupe”, el mote de Ricky) por el personaje que interpretó en una superproducción de la época titulada “Kid Sheriff”. “Ni siquiera era el protagonista, pero se hizo con la película”, dice Steven Yeun. “Luego, en los noventa, crearon un sitcom para él donde, en un episodio, le ocurre algo absolutamente horrible. A partir de ese momento, su carrera se desploma. No consigue recuperar los papeles que le ofrecían antes. Ahora, a pesar de ser un adulto, sigue estando en los noventa, y personalmente creo que no se da cuenta de que ha pasado el tiempo”.
   A diferentes niveles, Jupe representa el lado más oscuro de la industria cinematográfica. “La fama, sobre todo para los niños cuando aún no están formados, puede convertirse en su identidad”, explica el actor. “El peligro reside en que acaben siendo una fusión de las proyecciones de otros. En el caso de Jupe, es probable que intente domar esas proyecciones y encajar en el molde que le asignaron. En cierto modo, es el prisionero de la mirada, del espectáculo en el que se ha convertido, y eso le otorga una especie de comodidad, como si fuera una cárcel confortable, un lugar que entiende”.
   Jupe no solo es prisionero de su pasado, también lo es de una fantasía que controla su identidad y su realidad. “Cuando era niño, la industria le traicionó brutalmente. Sin embargo, años después sigue queriendo formar parte de dicha industria”, dice Jordan Peele. “Aún no ha despertado del sueño. Lo terrible de una industria que muestra tu imagen es que, da igual lo que te ocurra, te enseñan a seguir queriendo lo mismo, a que solo vales algo si te ven, si eres famoso. Pueden quitártelo, pero no significa que se lleven la adicción. Jupe es un yonqui del espectáculo”.
   Jupe está casado y tiene tres hijos dispuestos a amar el espectáculo. Cuando descubre el misterioso fenómeno en el rancho vecino, lo interpreta como una oportunidad única. “Para Jupe, un fenómeno inexplicable es lo mejor que puede ocurrirle”, comenta Steven Yeun. “Es el pasaporte que le permitirá entrar donde cree que quiere estar. Piensa que le liberará, pero no puede escapar de sí mismo ni de la prisión que ha construido. El fenómeno puede ser su despertar, pero también puede ser su destrucción”.
   El parque temático Jupiter’s Claim es uno de los decorados más espectaculares de la película y se ha convertido en una de las atracciones permanentes de la mundialmente famosa visita a los Universal Studios Hollywood. Steven Yeun se acuerda perfectamente de la primera que lo vio en el rodaje: “Cuando entré por primera vez en el decorado, recuerdo que pensé inmediatamente en que era la pesadilla de Jupe, su enfebrecido sueño, la cárcel que había construido para encerrarse sin saberlo. Jupiter’s Claim parece construido por un hombre de negocios, pero al observar los detalles, aterra darse cuenta de que Jupe está atrapado en una realidad que le impusieron en el pasado”.
   La historia de Jupe no sería igual sin los trágicos acontecimientos ocurridos en el plató de la serie “Gordy’s Home” que acabaron con el sitcom y con su carrera.
   A medida que transcurre la historia de NOP, los personajes se descubren de la forma más inesperada. “La sensación de vivir una vida basada en las expectativas o proyecciones de terceros la tenemos todos en la cultura actual”, termina diciendo Steven Yeun. “Todos utilizamos Internet, todos estamos en las redes sociales, y muchos creamos personajes para que nos vean los demás, pero que también nos moldean. Poco a poco vamos comprendiendo que esto nos cambia”.

ANTLERS HOLST – MICHAEL WINCOTT:
   Antlers Holst es un admirado y solitario director de fotografía a punto de jubilarse que acaba en el mundo de OJ y Emerald cuando estos se ponen en contacto con él para que filme el misterioso fenómeno en su rancho, en realidad imposible de filmar. Interpretado por Michael Wincott, Holst es un hombre imperturbable, harto de todo y un poco cascarrabias, pero no puede resistirse a la petición de los hermanos. El reto le atrae, y además es otro adicto del espectáculo. Ha tenido una larga carrera en la que ha aceptado la explotación innata a Hollywood.
   “En calidad de experto director de fotografía intentando rodar lo inexplicable, Holst aporta un metaelemento a la película, porque es una película acerca de rodar películas”, explica Jordan Peele. “Holst es, a todas luces, el brujo de la historia. Él descubre la palabra mágica que hará posible la misión. Me parece que muchas personas – y no andarán equivocadas – llegarán a la conclusión de que hay una conexión con su personaje y el de Robert Shaw en Tiburón”.
Michael Wincott ve a Holst como a “una figura enigmática. Es el capitán Ahab de Jordan Peele que persigue obsesivamente una respuesta a la fragilidad del ser humano. Pero no solo se trata de la toma perfecta”.
   Para prepararse, el actor pasó bastante tiempo con Hoyte van Hoytema, el director de fotografía de NOP. “Jordan le pidió a Michael que fuera mi sombra para que lo aprendiera todo de las cámaras”, dice van Hoytema. “Le enseñamos a manejar una cámara, la iluminación y toda la tecnología. Demostró estar interesado. Me lo pasé muy bien intercambiando ideas con Michael y Jordan, sobre todo porque suele retratarse a los directores de fotografía de forma caricaturesca: unos rarillos que solo saben hablar de cámaras. Era importante escoger el equipo perfecto para Holst, debían ser las cámaras adecuadas. Incluso reconstruimos algunas cámaras para él, como la Mark II, la cámara IMAX que se envió al espacio. Le añadimos una manivela manual con la ayuda de Panavisión. También retocamos la Reflex 2C, una de las clásicas de 35 mm. Cuando ya tuvimos el equipo listo, descubrí que él podía ser tan pesado o más que cualquier director de fotografía. Siempre llevo un pañuelo, es parte de mi equipo diario. Pues bien, Holst también lleva un pañuelo en la película, de hecho, uno de los míos. Estaba empeñado en ser auténtico.
   Michael Wincott reconoce que se lo pasó realmente bien mientras preparaba el papel. “Fueron unos días memorables con el maravilloso Hoyte van Hoytema”, dice. “Me regaló el pañuelo negro de cachemira que Holst lleva en la película, era mi talismán. Es un artesano tan extraordinario como amable, entregado a su trabajo, un hombre y un mentor maravilloso”.
   También le inspiró trabajar con Jordan Peele. “Con Jordan, cada día es genial”, sigue diciendo. “Me sentaba fatal tener un día libre. Es inteligente y generoso, con un alma maravillosa. Siempre busca lo extraordinario. Hacer una película sigue entusiasmándole. Tiene intuición, sentido del humor. Escogió un reparto brillante. Y no olvidemos al genial Ian Cooper y a un equipo técnico ejemplar. Jordan es lo que Scorsese llama ‘un contrabandista’, un director que trabaja dentro del sistema sin por eso perder su voz subversiva. A primera vista, la película es la historia de otro mundo, pero en manos de Jordan aparece algo más complejo, más inquietante”.

ANGEL TORRES – BRANDON PEREA:
   Angel Torres es el inseguro e incomprendido empleado de Fry’s Electronics que ayuda a OJ y a Emerald a instalar un equipo de vigilancia en el rancho y que acaba participando en el empeño de los dos hermanos en documentar el inexplicable fenómeno. Debajo del barniz de unos cabellos rubios teñidos y de una típica pose pospunk y de malestar se esconde un joven con el corazón roto que aún no ha perdido la esperanza y que se convertirá en el inesperado y sumamente útil aliado de OJ y de Emerald.
   “Angel es el experto en tecnología que también sirve de alivio cómico en ocasiones”, explica Jordan Peele. “Me hacía falta un personaje que tuviera algún conocimiento sobre alienígenas, y Angel es un ferviente fan de la serie ‘Ancient Aliens’”. Angel también es el único que se atreve a recordarles que todo esto es una historia de locos. “Podría decirse que Angel es un poco como el avatar del público porque plantea preguntas o hace comentarios que probablemente estén pasando por la cabeza del espectador en ese momento, un poco como Rod en Déjame salir”, dice el productor Ian Cooper. “Pero tampoco tiene reparos a la hora de involucrarse en una misión tan descabellada. Cada uno de los personajes está traumatizado por una razón u otra; todos son empujados hacia una situación peligrosa y demente. Creo que Angel lo pasa mal y necesita demostrar algo al mundo. Trabaja en la cadena Fry’s Electronics, pero probablemente siente que merece más que eso”.
   Brandon Perea no se parece a lo que Jordan Peele imaginó cuando describió al personaje, pero está claro que el joven actor impresionó al director. Después de hacer una prueba, Jordan Peele le llamó por Zoom. El actor se dio cuenta muy pronto de que tal vez le había llamado para decirle amablemente que no tenía el papel. “Jordan me dijo que había aportado algo muy diferente al personaje y por eso quería conocerme, pero la diferencia era tan enorme que tendría que reescribir el guion si me daba el papel”, recuerda Brandon Perea. “Y le dije algo como: ‘Sí, ya, claro, supongo que no va a pasar’. Entonces me dijo que sí, que era exactamente lo que iba a hacer, que tenía el papel. Y me eché a llorar”.
   La motivación y los intereses de Angel fascinaron al actor. “Angel siempre se vanagloria de ser el más listo y le impacienta que los demás no estén al mismo nivel”, explica Brandon Perea. “Cree ser un incomprendido y va por la vida tratando a los demás como si fueran tontos, sobre todo a los clientes de la tienda. Es de esos que te miran convencidos de que no sabes cómo funciona un móvil. Busca algo que le satisfaga, pero no sabe qué. La oportunidad que le brindan OJ y Emerald le va como anillo al dedo. Ha llegado su momento, han descubierto algo y no quiere perdérselo. No acabó la universidad, esta es su oportunidad para decirle al mundo: ‘¿Lo veis? Os había avisado’. Lucha por no desaprovechar ese momento”.
   Al igual que Emerald, es un chico enchufado que se siente mucho más cómodo en el caos que estando solo. “Angel es de los que se acuestan tardísimo, no consigue dormir si no hay ruido o si no pasa nada”, sigue diciendo Brandon Perea. “Tengo la impresión de que es capaz de estar jugando con la videoconsola, viendo la serie “Ancient Aliens” en una pantalla y escuchando un podcast. Necesita un constante flujo de información y que haya gente hablando a su alrededor porque se volvería loco en medio del silencio”.
   Aquí entra en juego la casualidad. Ser uno de los empleados de la cadena Fry’s, que cerró definitivamente sus puertas en 2021, trajo buenos recuerdos al actor. “Al leer el guion, cuando descubrí que Angel trabaja en Fry’s Electronics, me eché a reír”, dice. “Mis hermanos y yo siempre estábamos metidos en Fry’s cuando vivíamos en Chicago, había cerrado el círculo”.

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