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ENTREVISTA AL DIRECTOR...
DOS AÑOS DESPUÉS “NUESTRA VIDA EN LA BORGOÑA” VUELVES A PARÍS. ¿DE DÓNDE VINO LA IDEA DE HACER “TAN CERCA, TAN LEJOS”?...
Quería hacer un retrato del París de hoy en día. París ha cambiado mucho y hacía mucho tiempo que no filmaba mi ciudad. Y además quería hacer una película simple, no una película coral. Una película sobre dos solteros en la era de las redes sociales. Ver qué ha cambiado. Si el uso de internet y las redes sociales ge- neran algún enlace social ¿La soledad sigue siendo la misma de “Cada uno que elija su gato”? Lo habitual es ver en los medios de comunicación que vivimos en un período de tensión, depresión, odio y conflicto. Sentí que precisamente en este tipo de momento era necesario hablar sobre la necesidad de amar. ¿Por qué incluso cuando todo sale mal, permanece siempre este profundo deseo de conocer a alguien y esta “fuerza de atracción”? Así es como se me ocurrió la idea de describir el largo y a veces caótico camino que nos conduce a un encuentro. Esta película es como en la canción de Gloria Lasso, es “la historia de un amor” o más precisamente la prehistoria de “justo antes amor “, estudia lo que sucede justo antes de un encuentro... El objetivo era desarrollar este misterioso estado que existe antes de que nos enamoremos. Cuando hablamos de dos individuos aislados en una gran ciudad, directamente hay un suspense ¿Cono- cerán a alguien? ¿Se encontrarán? Quería configurar este juego con el espectador. ¿Por qué, como ambos protagonistas estamos también esperando esta conexión?

DESPUÉS DE “NUESTRA VIDA EN LA BORGOÑA” TIENES NUEVA COLABORACIÓN CON SANTIAGO AMIGORENA EN EL GUION... ¿CÓMO HA SUCEDIDO?...
Fue muy sencillo y alegre. Hemos trabajado mucho juntos: “Le peril jeune”, “Ni a favor ni en contra (sino todo lo contrario)”, “Peut-être”… Quince años más tarde nos volvimos a encontrar para hacer “Nuestra vida en la Borgoña”- Hay una especie de evidencia entre nosotros, nos hemos acostumbrado a trabajar juntos. Cada uno realmente enriquece el trabajo del otro. Y luego nos conocimos de adolescentes, tenemos una larga experiencia común, una complicidad probablemente necesaria para escribir un guion. Finalmente tenemos en común tener una madre psicoanalista (en su caso ambos padres) y quería abordar eso en la película. ¿Para qué sirve el psicoanálisis? El psicoanálisis es un camino que plantea la pregunta del ego: “¿cómo sentirse bien con uno mismo para estar bien con los demás?”. Es una pregunta que surge cuando vivimos en una ciudad: “¿Qué hace que la gente conecte?”. Simbólicamente, nuestra anterior película iba sobre mi padre. Esta está más ligada a mi madre por su carga psicoanalítica.

PERO LA PELÍCULA TAMBIÉN ESTÁ VINCULADA A TU PADRE, QUE ERA INVESTIGADOR, COMO EL PERSONAJE QUE INTERPRETA ANA GIRARDOT...
Hoy a la edad que tengo y teniendo a mis padres conmigo aún, creo que es importante para mi decirles lo que les debo respectivamente. Estas últimas dos películas están vinculadas por ese mismo deseo de hacer- les tributo. Mi padre dedicó su vida a sondear los átomos trabajando en el CERN y estudiando los consti- tuyentes de la materia. Esta investigación en lo infinitamente pequeño está en paralelo con la investigación sobre lo infinitamente grande. Mi madre dedicó su vida a comprender a las personas y los misteriosos me- canismos que impulsan la psicología humana. Ella era psicóloga en hospitales psiquiátricos y después se ha convertido en psicoanalista. Estos dos niños de la guerra pudieron curar sus heridas respectivamente, uno cree que el progreso y la ciencia podría ayudar a las personas, el otro creyendo en el método psicoanalítico que se esfuerza por pensar que sondando la memoria y el habla puede ayudar a las personas a superar sus heridas... me siento el hijo de estos dos enfoques bastante diferentes pero cuyo objetivo común es ayudar a las personas...

EN LA PELÍCULA, HABLAMOS DE LO PEQUEÑOS QUE SOMOS LOS INDIVIDUOS EN LA INMENSIDAD DE LA CIUDAD...
Si claro. Por eso cuando me pregunte sobre en que trabajarían los protagonistas, para Rémy (François Ci- vil) encontré interesante que trabajara en un almacén gigante tipo Amazon que contiene (casi) todos los objetos del mundo y para Mélanie que mirara el mundo a través de un microscopio.

A TRAVÉS DEL GUION HAS INTENTADO HUIR DE HACER UN “CADA UNO BUSCA SU GATO” 2.0...
Sí, fue problemático. Además, creo que fue Santiago quien tuvo la idea del gato, pero precisamente por un momento pensé “no podemos volver a hablar sobre un gato sin que sea recurrente con la otra película…. Pero finalmente asumí que no, porque se trata de manera diferente. Coincide también Renée, pero estaba en el cumpleaños de ella por sus cien años y pensé que era imposible no contar con ella, que era importan- te que ella estuviera en la película. Ella es la imagen de una especie de París mítico eterno. Por otro lado, esta película es menos realista que “Cada uno busca su gato” que funcionaba un poco como un documen- tal, como testimonio de este período de transición de un barrio cambiante. La mitad de los actores no eran profesionales… En fin, no tiene mucho que ver más allá de esos detalles. “Tan cerca, tan lejos” es realmente una película muy escenificada, muy estilizada. Quizás la que más de todas las mías. Fue un trabajo enorme con el jefe de decorado y el operador principal para hacer lo que llamamos entre nosotros “Neorrealismo poético”. Me gustan mucho las películas como “El muelle de las brumas”, de Marcel Carné o “La gran ilu- sión”, de Jean Renoir o “Liliom”, de Fritz Lang. Estas son películas donde todavía sentimos el expresionis- mo, hay una verdadera estilización que se basa en elementos de realidad. Este enfoque me interesó mucho y ello estaba realmente ligado también al impulso de diferenciarla de “Cada uno busca su gato”.

DESPUÉS DE “CADA UNO BUSCA SU GATO” HUBO LA ECLOSIÓN DE LAS REDES SOCIALES QUE CAM- BIÓ MUCHAS COSAS EN NUESTRAS VIDAS. HOY YA NO SE PODRÍA PLANETAR LA PELÍCULA IGUAL...
Si claro. Cada objeto tecnológico de la vida moderna modifica la escritura y puesta en escena. Ahora hay internet, teléfonos móviles y en ellos hay Facebook, Twitter, Grindr, Tinder, Instagram, Happn, etc. Cada una de estas aplicaciones cambia nuestra vida diaria y no es posible fingir que no existen. Además, los psicólogos que me han asesorado me cuentan que el uso de las redes sociales acentúa enormemente los problemas individuales. Ver siempre la vida de los demás escenificada y “embellecida” fabrica inevitable- mente cierta paranoia y falta de confianza en uno mismo, sobre todo en personas más aisladas o frágiles... Las redes sociales no fabrican el enlace social.

¿ES FÁCIL ESCRIBIR UNA PELÍCULA FELIZ SOBRE DOS PERSONAJES DEPRIMENTES?...
(Risas) No, obviamente, no fue fácil, pero hacer una película que pueda hacer bien hablando de personas a las que les va mal era la idea. Cuando anuncias a los productores y a los distribuidores que tus dos perso- najes están deprimidos, necesariamente asusta un poco. Para mí fue importante hablar claramente sobre la depresión. Vivimos en un momento difícil en el que se niega precisamente confrontar frontalmente la cuestión de no estar “bien”. Hay un culto a “sonreír” y al “feel good” mantenido por la televisión y las redes que debemos denunciar. Esta película trata de decir cómo podemos intentar mejorar, era importante que los personajes salieran de un mal principio. Nuestra época produce mucho estrés, la gente se quema y se deprime. Me pareció importante enfrentar esta moderna “normalidad”. Pero realmente quería decirle al espectador que podemos salir de esta dinámica. No soy fanático de las películas que hacen atractivas la violencia, el pesimismo, la miseria o la desgracia. Prefiero mantener un lado positivo y pasar por un ingenuo o un tonto, pero mostrar cómo podemos sobrevivir cuando no nos está yendo bien y estamos en crisis.

EN “TAN CERCA, TAN LEJOS” AMBOS PERSONAJES NECESITAN REALIZAR SU DUELO AUNQUE VIE- NEN DE SITUACIONES DIFERENTES...
Eso es lo que dice el personaje de la psicóloga Camille Cottin: “Cuando alguien se va, es como cuando alguien muere, hay un trabajo por hacer…”

PERO HABLAR DE ESTO CUANDO QUIERES HACER UNA PELÍCULA FELIZ DEBE SER COMPLICADO...
No podemos hacer cine sin abordar el drama. Si estamos hablando de una comedia o una tragedia, el drama es siempre la fuerza impulsora de la ficción. Cuando Chaplin hace “Tiempos modernos” habla so- bre el drama del trabajo en cadena y no deja de reírse de ello. En esta película yo quería hablar sobre los pequeños traumas que aplastan a la gente común. Todos tenemos momentos de depresión provenientes de traumas “pequeños”, pero para las personas quienes los viven son grandes heridas... En esta película, realmente quería permanecer “pequeño”, ajustarme a cosas pequeñas de todos los días. Tener un buen o mal día en trabajo, que el vecino te regale un gato, tomar una clase de baile, ir al super. En esta película solo verás cosas que parecen insignificantes. Pero cuidado, pequeño e insignificante no necesariamente quieren decir lo mismo y eso no significa poco interesante, ¡al contrario! Es indudablemente Georges Perec quien inventó esto, lo llama “infra ordinario”. Él dice: “Sólo me interesan los trenes que no descarrilan”. A priori, con un tren que descarrila tenemos más cosas que decir, el cine de Hollywood lo sabe bien y lo muestra con mayor frecuencia. Yo también estoy muy apegado a los trenes que no descarrilan y a las personas “normales” en vidas “normales”. Hay muchas cosas interesantes que contar sobre ellos.

SIN INTERESARTE LOS TRENES QUE DESCARRILAN, TENEMOS UNA IMPRESIÓN DE QUE TU ÚLTIMAS PELÍCULAS SON CADA VEZ MÁS Y MÁS COMPLEJAS, GRANDES, LUJOSAS. SIN EMBARGO, CON ESTA ROMPES ESA DINÁMICA...
Sí. Es un poco mi viaje desde “Diez por ciento”. Sentí que era muy “alto” con CABEZA CHINA con el lado: cada vez más estrellas, filmamos personas que tienen vidas anormales, que van a vivir en Nueva York, etc. Al hacer “Diez por ciento”, haciendo TV, no me encontré en esto búsqueda de lo más alto, de lo más más... Tenía que confiar en la simplicidad. Ya en A QUÉ AJUSTAMOS tenía la voluntad de... No digas “vuelve a bajar”, pero en cualquier caso para no estar más en esta inflación. Con TAN CERCA, TAN LEJOS, me dije a mí mismo: “Voy a ir aún más lejos”. Estaba un poco asustado comenzando a querer enfrentar la nada. Me dije que tal vez iba demasiado lejos, pero tenía quiero tomar esta dirección minimalista, no grandilocuente, no pretencioso, diciendo que uno debe creer en la modestia.

HAS REGRESADO A PARÍS, PERO NO EN TU HABITAT NATURAL. ESTA VEZ RUEDAS EN DISTRITO 18 Y 19. ¿POR QUÉ?...
¡Porque no es mi lugar! Necesitaba hablar de un París diferente. Al principio pensé: “Voy a hablar de Belle- ville” pero todavía estaba demasiado cerca y además ya rodé un poco “Paris”. Yo sabía que había un nuevo París que no conocía y que sería interesante visitarlo. Necesitaba investigar, encontrar nuevos rincones como La Villette, para ver que el Stalingrado que conocía bien ya no era el de hace cinco o diez años... o la Goutte dór que ya no es simplemente boboïsée (Burgués-Bohemio) porque ahora viven allí diferentes comunidades africanas, magrebíes, caribeñas u otros y sus nuevas generaciones... Los indios que están ahora en Porte de la Chapelle, asiáticos también... Y la llamada población bobo, que son generalmente personas que no tiene problemas en compartir zona con esta mezcla, personas abiertas con la diversidad social y étnica... Es un París positivo, mucho más familiar y pacífico de lo que la gente piensa. Me pareció interesante hablar de este París. Aunque obviamente hay tensiones en el barrio, era importante mostrar la vida de todos los días, que es bastante pacífica, ese famoso “tren que no se descarrila”...

POR PARAFRASEAR A RÉMY: EN PARIS EL AIRE ES MENOS PURO, PERO ESO ¿ES DONDE SE FILMA MEJOR?...
Digamos que es mi ciudad y amo a mi ciudad... Aunque me encantaba filmar en Nueva York, en Barcelona, San Petersburgo o la Borgoña. Cuando estoy aquí la gente me conoce y hay una actitud hacia mi respe- tuosa que encuentro conmovedora. La gente me dice: “No queremos que rueden aquí, pero si es para ti, entonces vale”. Es un privilegio increíble, es muy agradable sentir que mucha gente confía, puede ser el camarero de un café, gente en la calle, actores... me siento “apoyado”, me da alas y me ofrece ciertas li- bertades. Esta noción de libertad es realmente importante y me siento más libre en casa, en París. Aunque fue claramente más fácil cuando estábamos rodando en los viñedos en Borgoña y nadie estaba enfadado.

PARA FILMAR ESTA PELÍCULA HAS ELEGIDO TRABAJAR CON UNA JOVEN DIRECTORA DE FOTOGRA- FÍA, ELODIE TAHTANE. ¿POR QUÉ ELLA?...
Realicé dos anuncios con ella y comprobé que nosotros nos llevábamos bien y ella era realmente muy talentosa... Me pareció particularmente adaptada para probar este estilo híbrido entre realismo y estili- zación... me encanta su manera moderna de acercarse a la luz y el color. También tiene una forma de dar sentido a la luz con un enfoque psicológico (relacionado con el estado de los personajes) que se adapta perfectamente a esta película. Es su primer largometraje, pero sabía que ella estaba totalmente lista para el reto y lo ha demostrado con creces.

¿TE EMOCIONA TRABAJAR CON DIRECTORES JÓVENES COMO FUE EL CASO ALEXIS KAVYRCHINE O LA PROPIA ELODIE TAHTANE?...
¡Desde luego! También disfruté mucho trabajar con Alexis Kavyrchine para esta razón. Me di cuenta de que la gente que tiene esa especie de actitud hastiada, ya sean técnicos o actores consagrados es lo que más me rompe... me mata. No puedo culparlos por estar cansados, pero no quiero trabajar con alguien así. Ne- cesito amor, necesito entusiasmo... Es una forma de estimularme, siento que las personas que son nuevas en el cine tienen una energía que ellos mismos no sospechan. Es realmente agradable estar cerca. Es un poco lo mismo con Ana Girardot y François Civil. Están al comienzo de su carrera y francamente amo la inocencia que tienen, el simple placer y la esencia de interpretar.

JUNTAS DE NUEVO A ANA GIRARDOT Y A FRANÇOIS CIVIL DESPUÉS DE “NUESTRA VIDA EN LA BORGOÑA”. ¿QUÉ TE HIZO QUERER VOLVER A TRABAJAR CON ELLOS?...
Esta película fue realmente escrita para ellos. Remy, inicialmente no estaba seguro de que fuera para François, que tiene un lado alegre y saludable, lo que me hizo dudar sobre el lado depresivo del personaje. Pero luego, pensándolo bien y con el trabajo que lo había visto hacer en “Nuestra vida en la Borgoña”, me dije a mí mismo: “Ni lo dudes!”. Para Melanie, nunca consideré a nadie aparte de Ana. La complicidad que podemos tener con un actor, para mí es el motor de una película. Eso es lo que me pasó con Romain [Du- ris] . no se trata de la persona, sino de la relación con la persona y cuando está en el lugar correcto, vale la pena más que nada y eso es lo que filmamos.

TU RELACIÓN CON ANA TE PERMITE PEDIRLE COSAS QUE OTROS NO SE ATREVERIAN, TAL VEZ POR SU BELLEZA...
Sí, estoy de acuerdo. Me encanta su belleza y su feminidad, pero también el hecho de que ella no se pre- ocupa en exceso de su feminidad y belleza. A ella no le importa que la filmemos sucia, o que salga fea... cuando le pido que babee porque duerme ¡ella va y babea! Inevitablemente ella no sale muy guapa en ese plano... (Risas) Y realmente me gusta eso, porque al mismo tiempo hay planos donde ella está hermosa. Pero no es una belleza ostentosa, ella tiene un tipo de belleza un poco “normal” que amo. No es una mujer fatal, una mujer inalcanzable y fuera del mundo, es “simplemente” hermosa. Pero lo que me gusta de Ana, es la riqueza de su repertorio. Lo encuentro bastante raro. Ella va a buscar la emoción en las cosas peque- ñas, como en el plano donde llama a su madre en el puente de Isla de San Luis. Lo que ella hace aquí dura cinco segundos y me vuelve loco. Eso es lo que me gusta de Ana, eso es lo que me interesa. Ella tiene una facilidad natural, no le domina esa ansiedad de “¿Cómo voy a hacer esto?”. Ella va allí y lo hace, casi siem- pre bien, además.

¿Y FRANÇOIS CIVIL?...
François, es casi lo contrario, él trabaja, se prepara mucho. Pero lo que es más impresionante, tiene la capa- cidad de hacer brotar cierta espontaneidad. El hace un gran esfuerzo para poder estar libre de intenciones y poder ser realmente espontáneo. Entonces, por supuesto, es obvio en escenas como con Pierre Niney, es una escena escrita y luego reelaborada e improvisada, luego reescrita después de estas improvisaciones. Es algo bastante sorprendente, era hermoso verlo cara a cara con Berléand, cada uno admirando al otro. Fue muy bonito de filmar.

REPASEMOS EL CASTING, HABLANOS DE FRANÇOIS BERLÉAND, YA HABÍAS TRABAJADO CON ÉL EN “DIX PER CENT”...
No, fue Lola Doillon quien dirigió el episodio con Berléand, pero creo que fui yo quien tuve la idea de la au- dición. Lo había dirigido brevemente hace mucho tiempo en un cortometraje, “Le red fish” y quería trabajar más tiempo con él. Me encanta su actitud, tiene una forma de libertad de expresión, una libertad de ser, eso me gusta mucho. Aquí le ofrecí interpretar a un personaje que no es muy hablador y quien es benevolente. Él es un psicoanalista, intenta ayudar a las personas, debe ser empático. Era casi lo contrario de lo que sue- le hacer, pero no fue voluntario, solo pensé que podía hacerlo bien. Y me encanta lo que hace, eso es lo que estaba buscando, este aspecto de “no hacer casi nada” del que te hablé. Y es realmente un hermoso nada. A veces solo escucha o un ruido que hace... dice “Ah...” así y es increíble. Me encanta este minimalismo. Es uno de esos actores que ha hecho mucho teatro, que tiene esta simplicidad maravillosa para interpretar.

CAMILLE COTTIN?...
Desde “Dix per cent” quería volver a trabajar con ella. Camille es genial, ella realmente sabe cómo hacer de todo, ella tiene “toda la paleta” como dicen, ella puede hacer comedia como drama. Además, ella tiene una comprensión precisa de la psique del personaje, sabía que ella iba a aportar una mirada inteligente al tema. Y era importante porque quería reírme con eso, pero siempre es difícil reírse de las cosas que se aman. A mí me gusta el psicoanálisis, me parece que es algo importante y es muy fácil burlarse de eso. Yo sabía que Camille podía burlarse de un psicoanalista siendo respetuosa, es lo que estaba buscando

UNA ACTRIZ QUE ENTRA EN TU UNIVERSO ES EYE HAIDARA. ¿DE DÓNDE LA CONOCES?...
La vi en “La sense de la fete” y me encantó, me pareció importante demostrar que Remy es alguien que no tiene una idea preconcebida sobre la persona que quiere encontrar. Vimos a mucha gente en el casting y ella realmente estaba por encima. Este personaje era realmente para ella. Es la contraparte femenina de Mansour, el tendero. Estos personajes están aquí para recordar que, si en el mundo moderno hace frío, ellos tienen una forma moderna de hacer calor y de ser humanos. Además, respeto mucho las ideas defendidas por el manifiesto “Noire n´est pas mon métier» en el que Aïssa Maïga, Eye Haidara, Nadège Beausson Diag- ne y muchas otras participaron. Creo que también es mi responsabilidad como director proponer también mujeres que muestren ese tipo de mensaje fuerte en la sociedad hoy en día.

PARA ESTA PELÍCULA HAS CAMBIADO DE DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA, PERO TAMBIÉN DE MONTA- DOR Y HAS TRABAJADO CON VALENTIN FERRON... QUE YA HABÍA TRABAJADO EN “BURN OUT” CON FRANÇOIS CIVIL...
Valentin es el montador de “Bref”. Fue Kyan Khojandi que me había hablado un día sobre él diciendo: “Si algún día necesitas un editor, él es verdaderamente excepcional. Había retenido esta frase en un rincón de mi cabeza. Después hice una pequeña película para el sitio web de VOD Lacinetek.com donde claramente quería estar en el mismo tono que en “Bref” y pensé en trabajar con él. Realmente me gustó el resultado y la relación que tuvimos. El año pasado, hice el clip para el Festival de Cine y quise trabajar de nuevo con Valentin, ver si podría ir más lejos. Es un poco como con Elodie Tahtane o Chloé Cambournac, la decorado- ra principal. En estos tres casos son personas más jóvenes que yo y me encanta eso que aportan.

¿EL MONTAJE FUE COMPLEJO?...
Era complicado contar una historia consistente y fluida, pero también tener una unidad en el tono. A veces él tenía que reír, otras no. A veces lloraba, a veces estaba apático. Fue muy complicado estar en buen lugar cada vez. Además, era necesario tener una cierta unidad de estilo, sin ser forzado. Así que tuvimos que po- nerlo todo al mismo nivel de tono, narración y estilo. No fue simple. Dudaba mucho al principio y realmente me ayudó Valentin, que es especialmente asombroso. Su entusiasmo, su energía, su talento realmente ha logrado soluciones. Y luego tiene una loca sensación del ritmo.

¿MUCHAS ESCENAS HAN DESAPARECIDO?...
Sí, especialmente una de las escenas más divertidas donde Camille Cottin estaba haciendo danza africana. Ella trabajó duro para hacer esta escena y fue muy graciosa. Fue trágico tirarla a la basura. Solo había un lugar donde encajaba en la película, pero el tono era todo el contrario. Fue entonces cuando Bacri y Jaoui me contaron sobre este precepto de Alain Resnais que les dijo un día: “Hay momentos en que tienes que ser el malo de la película”. Y ese fue el caso.

ESTA ESCENA DE BAILE AFRICANO NO HA PASADO EL CORTE, SÍ PODEMOS DECIR QUE LA DANZA ESTÁ MUY PRESENTE, SOBRE TODO AL FINAL CON LA LECCIÓN DE KONPA...
Al principio de la escritura, hablaba con Santiago que terminar con el baile era más más fuerte que el psi- coanálisis, porque sólo podemos bailar si “dejamos ir todo”. Entonces fue necesario que se resolviera por la danza. La imagen del fin es muy “Zorba el griego”. Me cuesta mucho no llorar cuando Zorba, interpretado por Anthony Quinn, enseña a bailar a un americano un poco rígido la música de Mikis Theodorakis. Es muy emocionante. Cuando alguien enseña a otro a dejarse llevar y poder bailar es casi la definición de la vida, para mí. En esta película quería trabajar la parte melodramática. Ver a una pareja entrenarse, bailar con alguien es una cosa suprema. Pensé que sería bueno terminar así.

PARA LA MÚSICA, TE HAS MANTENIDO FIEL: MIREN DURY Y CHRISTOPHE “DISCO” MINCK...
Bueno, no es casualidad que trabajemos juntos desde hace 20 años. Cada vez me sorprenden y me encan- ta lo que hacen. Pero aquí... diría que todavía han dado un paso más. Usan una nueva técnica con nuevas máquinas, lo llaman música modular. Esta en una lógica electrónica pero las herramientas ya no son elec- trónicas solamente. Es la misma diferencia que hay entre un sintetizador MIDI electrónico y una guitarra eléctrica. La habilidad para jugar con materiales eléctricos les da una nueva fuerza, creo. Me encanta lo que hicieron, trae una “emoción nueva” como diría Baudelaire...

DE QUIÉN FUE LA IDEA DE LA CANCIÓN SUBLIME DE GLORIA LASSO, “HISTOIRE DÚN AMOUR”?...
Fue mía. Escuchando la canción, pensé que era realmente hermosa y especialmente el tema que trata... eso es lo que estaba buscando para la película, un lado minimalista y esencial... parece estúpido decir “es hermoso el amor”. Al principio, incluso pensé en llamar a la película “Es la historia de un amor”. Pero no es realmente una historia de amor, más bien la historia de la historia de un amor. Y eso apunta a la pregunta: “¿De dónde surge el amor?”. Esto claramente no es solo porque viven en el mismo barrio. Son diferentes, no son completamente del mismo fondo social. Ellos no tienen un común real, sus vidas son muy diferen- tes: puede haber solo la historia del cáncer que tienen extrañamente en común pero estos dos seres van a ser traídos para conocernos simplemente... y no sabemos si se enamoran... La película está hecha para que el espectador saque sus propias conclusiones.

ESPERAMOS QUE SÍ…
Sí y eso es lo mejor. Francamente, yo no sabía en el guion si iba a funcionar. Pero una vez que terminó la edición, vi que todos reaccionan fuertemente al momento donde Rémy y Mélanie se tocan el uno con el otro... Hay un nivel de expectativa de este momento en los espectadores que es bastante impresionante. Creo que cualquier espectador tiene algún lugar en su cabeza donde la idea de la reunión y de “el acuerdo” fragua. Queremos encontrarnos, queremos el enlace. Y todo el motor de la película es jugar con eso: no sabemos cómo y especialmente si habrá esta reunión.

PARA EL ESPECTADOR ES VERDADERO SUSPENSE... COMO EN ESTA ESCENA EN LA ACERA...
Al filmarlo no sabía si estaba bien. No sabía si este dispositivo no era algo demasiado teatral, un poco artificial. Hoy puedo decir que funciona, que es un éxito, pero durante el trabajo ... fue complicado. Es un equilibrio muy frágil.

HACE TREINTA AÑOS RODASTE “CE QUI ME MEUT” QUE DIO NOMBRE A TU PRODUCTORA. ¿EL CINE TE SIGUE HACIENDO SOÑAR?...
Sí, está claro. El cine es realmente lo que me mueve, es una razón para vivir. Y trato de estar realmente atento a lo que está en el corazón para hacer una película. Hice trece películas y todas fueron realmente necesarias para mí.

ENTREVISTA CON ANA GIRARDOT...
JUSTO DESPUÉS DE RODAR UNA, CÉDRIC KLAPISCH TE PROPONE OTRA. ¿BUENAS NOTICIAS NO?...
Claro. ¡Obviamente! Retrabajar con él me pareció casi obvio porque está creando algo entre él y sus ac- tores. Entramos en una familia y al final del rodaje no decimos “Adiós”, sabemos que habrá una pausa en la vida y sabemos que un día u otro nosotros trabajaremos juntos de nuevo. Después de “Nuestra vida en la Borgoña” me envió un fragmento de idea de película que no tuvo éxito. Después me dijo, “volví a otra idea, pero no creo que sea para ti. Sin embargo, pensé en François”. Yo estaba super celosa y finalmente, nos pasó el guion, en plan, bueno leerlo si queréis. Así que lo leo y me encanta. A François también. Lo llamamos de inmediato para decirle queremos hacerlo. Porque Cédric es muy honesto: primero busca a los que coinciden realmente con la idea de sus personajes. Pero finalmente accedió a dejarnos intentarlo.

SIN EMBARGO, CÉDRIC DICE QUE NUNCA PENSÓ EN NADIE MÁS...
¿De verdad? Increíble... y me tuvo dudando mucho tiempo. Cuando leo el guion, cuando veo como es esta chica yo le decía: “Pero si yo soy así a veces. Y él solo sonreía.

¿CÓMO HA SIDO INTERPRETAR A MELANIE?...
Sucedió un poco como en la anterior, antes de filmar, durante la preparación, tenía una pequeña idea como siempre pero no enfocaba. Cedric me dijo: “Tu personaje, Juliette, es una mujer con los pies en la tierra,
¡tienes que anclarte un poco! Para Melanie, él hizo lo mismo. Me dijo: “La depresión es algo muy difícil, da miedo porque de repente sentimos que no conseguimos arrancar, que va a ser un estado constante...” Real- mente me gustaría haber podido reflejar este sentimiento, esta emoción. Y me dijo: “Y no quiero escuchar que fuiste a eventos de moda o desfiles!” ¡Fui privada de la Semana de la Moda! Durante un mes y medio, me encontré con personas que habían tenido depresiones, hablamos sobre cómo es... y especialmente yo comencé a ir a psicoterapia.

¡QUE PREPARACIÓN!...
Si, estoy bastante feliz, traté de comprender por qué no podemos salir de este estado. Cedric me decía al principio sobre Mélanie: “No lo tienes, no lo tienes todavía” Realmente solo dos días antes de filmar que me tragué “La píldora de Mélanie “. Y el día del rodaje Cédric dijo: “¿Cómo va? ¡Se ve bien!” y respondí: “Bueno, ha costado, pero creo que lo he encontrado”. Hubo una unión muy fuerte entre Mélanie y yo. He llevado Mélanie y Mélanie me llevaba a mí. Es una cosa bastante inquietante que se mantuvo en mi cuerpo uno o dos meses...

ES MUCHO TIEMPO…
La abandoné al esquiar, cuando acompañé al equipo a la montaña en el último día de rodaje. Le dije: “Tú quédate aquí!” Había algo conmovedor porque en algún lugar Cedric había puesto las últimas palabras sobre los personajes, sobre sus estados, sobre lo que estaban pasando... y cuando me veía a veces sufrir internamente con mi personaje sabía que lo había logrado. Es en esta búsqueda de la verdad donde llegaa a tocar exactamente donde se necesita. Y por eso hay gente que sale de la proyección muy conmovida.

¿TE DIJO QUE SU MADRE ERA PSICOANALISTA Y SU PADRE INVESTIGADOR, HABLASTEIS DE ESTE ASPECTO PERSONAL DE LA PELÍCULA?...
Por supuesto, porque obviamente las primeras preguntas que quería hacerle eran motivacionales ¿Por qué Mélanie es investigadora? ¿Por qué el psicoanálisis? Y él me lo explicó. Entonces fui al Institut Curie donde conocí investigadores y fue divertido porque esperaba ver chicas con pequeñas gafitas y encontré algunas chicas que eran más competitivas que la Ópera de París ¡Tienen que ir más allá del patriarcado! Estas son mujeres que también quieren poder ser mujeres. Investigaciones que llevan meses y meses y al mismo tiempo tienen su vida privada. Tienen grandes problemas para tener relaciones amorosas porque se pasan el día conectadas con micro nano células que es extremadamente complicado para ellas conectarse con las personas de la vida real. Entonces fue interesante - más allá de aprender cosas científicas - conocer a
estas chicas, para no caer en los clichés y demostrar que Mélanie es sobre todo una mujer.

PERO UNA MUJER QUE SE DUERME... SIN CAER EN EL CLICHÉ...
Uno de los investigadores en el laboratorio nos dijo que no dejarían que alguien estuviera somnoliento en el trabajo ¡porque sería peligroso! Y comprendí que no debería hacer con Melanie un personaje narcoléptico, sino vaciado de energía, alguien que sigue avanzando, pero por dentro este hueco, no hay luz en su interior.

¿CÓMO FUE ESTE SEGUNDO ROADAJE CON KLAPISCH, MÁS SENCILLO?...
Oh, él ya era muy fácil en “Nuestra vida en la Borgoña”. Se las arregló para dirigirnos a nosotros, dialogan- do. Y estábamos muy a la escucha. Inmediatamente hay una forma de respeto que se necesita con Cédric, porque es como un amigo que no quieres traicionar. Tienes confianza en sus elecciones, en su cine, en su opinión... así que quieres ir en su dirección, honrar el lugar que te ofreció. En esta sucedió lo mismo, bueno estoy sin mis “hermanos”, estoy solita, aunque François viniera a verme a veces al set.

CÉDRIC KLAPISCH DICE QUE NO TIENES MIEDO DE MOSTRARTE FEA...
Bueno, no importa estar feo. Uno no está siempre arreglado. Alguien me dijo que el otro día: “No tienes miedo de arriesgar tu imagen “o” hay muchas actrices que no hubieran hecho eso”. Quizás... pero cuando confías en tu director, en su cámara, en su ojo, no hay que tener miedo. Y luego estas debilidades, es lo que hace a la gente más bella, más conmovedora. Es genial cuando los espectadores dicen que aman un personaje incluso si no es guapo, digno o honorable. Cuando incluso el malo de la historia nos genera esa empatía por él y al final nosotros lo amamos de todos modos. Es una hermosa lección cuando nos vamos del cine poder decirnos que podemos ser amados a pesar de todo.

¿CÓMO FUE EL AMBIENTE DEL RODAJE?...
Cedric tiene una especie de fuerza silenciosa, no grita nunca. Una vez durante el rodaje en una escena en un tren, gritó ¡”Bueno suficiente!” Y todos no echamos a reír: “Pero ¿qué te pasa Cedric? Con un leve co- mentario él te impacta, te afecta. Sin embargo, todos estamos felices de estar allí, incluso los productores con que trabaja, ya sea Bruno Levy o Sylvie Peyre, productora ejecutiva, son personas que nos prestan atención.

EN LA PELÍCULA TRABAJAS MUCHO CON CAMILLE COTTIN. ¿CÓMO HA SIDO?...
Sabía que era una gran actriz y estaba realmente emocionada de actuar con ella. En el set, realmente ha- bía una forma de respeto de actriz a actriz. Ella tiene una especie de fuerza interior que amo observar y al mismo tiempo es muy precisa en sus matices. Pero fue maravilloso porque respeto mucho a Camille.

PELÍCULA A PELÍCULA, CÉDRIC KLAPISCH HA CREADO UNA FAMILIA DE CINE, DE LA CUAL ZINEDINE SOUALEM Y SIMON ABKARIAN SON DOS DE LOS PILARES. ¿CÓMO SON?...
Con Zinedine, me moría de risa. Él es muy muy divertido. Pero también es modestia, todo discreción... Muy tierno. Además, crecí en la calle Roquette, éramos vecinos, y tuve la impresión de que era como un miem- bro de mi familia. ¡En cuanto a Simon, es un sol! ¡Es el circo! ¡Es bienvenidos al show! ¡Es generosidad entre tomas! Eso es lo que yo llamo personas del espectáculo. Había algo fluido entre él y Cedric, se llevaban bien y las escenas fueron fáciles y divertidas.

ENTREVISTA CON FRANÇOIS CIVIL ¿ESPERABAS RENCONTRATE CON CÉDRIC TAN RÁPIDO DESPUÉS DE “NOSTROS EN LA BORGOÑA”?...
Todos conocemos la lealtad de Cédric con muchos de sus actores, esperaba profundamente que se aplica- ría a mí también. Al final del anterior rodaje le dije que haría cualquier papel en cualquiera de sus películas... Estaba tan feliz cuando me llamó para hablarme de “Tan cerca, Tan LEjos”. Además, con un personaje tan rico como el de Rémy.

¿CUÁL FUE SU REACCIÓN AL GUION?...
Me conmovió mucho. No era la versión definitiva, y en particular ciertos aspectos del viaje de mi personaje ha cambiado, pero esta “prehistoria” de amor ya estaba funcionando. Al contrario que en las últimas pe- lículas que pude que hacer, no había resortes dramáticos, enormes giros o cuentas atrás... Las pequeñas cosas eran lo importante. Me encantó eso y me dio también un poco de miedo porque significaba una película muy de personajes, por tanto, de actores.

ESTA PELÍCULA ES EL REGRESO DE CÉDRIC KLAPISCH A LA CIUDAD. COMO PARISINO ¿QUÉ PIENSAS DE SU VISIÓN DE PARÍS?...
Crecí con las películas de Cédric. Mi experiencia personal de París siempre encontró una fuerte resonancia en sus películas. Como si estuviera filmando lo que veía todos los días. Nunca excesivo, siempre original, familiar... estoy seguro de que muchos de los parisinos compartirán mi opinión. Es el Paris cosmopolita, multicultural de hoy. Un Paris con mil caras, hecho por las personas que viven allí.

¿QUIÉN ES REMY?
Un joven solo. Soltero, lejos de su familia... vive en su pequeño departamento del distrito 18. Está impregna- do de una profunda melancolía, un cierto malestar que se ha apoderado de sí mismo. Este estado lo impide interrelacionarse normalmente con las personas que se cruza. Es su cuerpo el que hará sonar la alarma... necesita reconstruirse.

¿QUÉ HA SIDO LOS MÁS DIFÍCIL DE INTERPRETAR A REMY Y SU ENFERMEDAD?...
Era necesario encontrar un estado básico. Dormir 2 horas por noche durante mucho tiempo tiene fuertes consecuencias en el cuerpo y la mente. Era necesario componer una cierta fiebre, un flujo de voz, un cuer- po exhausto pero nervioso... También era necesario encontrar pensamientos... Cédric quería filmar mucho de “nada”. Para mí es lo más difícil. Eso fue un gran descubrimiento. Es realmente donde nos conectamos totalmente con un personaje, en silencios, en soledad, en pensamientos. Este es el papel más intimo que tuve que interpretar hasta ahora

¿CÓMO TE HAS PREPARADO?...
Muchas inspiraciones son más bien abstractas o íntimas. Otras son concretas pero su grado de efectivi- dad es bastante vago... Para mostrar la soledad de Rémy necesitaba ser anónimo en una ciudad lo cual es extraño para mí, así que pase tiempo solo en Bruselas. Preciosa experiencia. También quería hablar con un psiquiatra que trabajara en hospitales (como el personaje de François Berléand) y yo comencé con él terapia. Necesitaba ir a su despacho, escucharme decir las primeras palabras vacilantes, escucharme des- entrañar mis propios pensamientos...

¿HACÍAS ESCALADA ANTES DE LA PELÍCULA?...
Si. Y también es aquí donde sentimos que Cédric lo escribió hecho a medida. Es realmente muy gratifi- cante. Al discutir la película con él unos meses antes del rodaje, hablamos de la relación entre mente y cuerpo en el contexto del deporte y cómo los estados de alma afectan el rendimiento. El sabía que estaba haciendo escalada, que para mí es la deporte que mejor cristaliza esta relación. En la siguiente versión del guion, Rémy se había convertido en escalador. También tenía sentido con sus orígenes de montaña. Era una versión urbana de su pasión de juventud.

TÚ, COMO FIGURA PÚBLICA, ¿APRECIAS EL ANONIMATO DE UNA GRAN CIUDAD COMO PARÍS?...
Lamentablemente, cuando pasas 30 años en París, en una profesión donde uno constantemente conoce gente, a menudo ellos mismos Parisinos... pasear a medio día sin cruzarte con nadie es imposible. Por otro lado, lo que vive Rémy me identifica como esa forma moderna de soledad urbana. En una sociedad de hiperconectividad y robótica, las relaciones simples e inocuas entre personas son cada vez más raras. Esto crea aislamiento y nuevas neurosis…

¿HA SIDO MAS FÁCIL TRABAJAR ESTA SEGUNDA VEZ CON CÉDRIC KLAPISCH?...
Tengo la impresión de que no fue difícil la primera vez. Lo sorprendente de Cedric es que él enfoca cada película como una primera película. Por supuesto, tiene mucha experiencia y tiene un “estilo”, pero tengo la impresión de que logra mantener la mente abierta. El hecho de que él elija director de fotografía que aún no había hecho ninguna película dice mucho. La dirección es clara, pero las ideas no son preconcebidas. Es extremadamente agradable.

EN UN CÓMICA ESCENA TE ENCUENTRAS CON TU AMIGO PIERRE NINEY…
¡Esta escena me hizo morir de risa en el set! Cuando Cedric me habló de la idea de proponer este pequeño papel a Pierre, lo encontré perfecto. Pierre no solo era muy capaz de hacer este personaje, sino que siendo muy amigos interpretar a dos desconocidos fue increíble. Pierre aceptó de inmediato. Él y yo partimos de la base de lo que Cédric había escrito, pero filmamos haciendo improvisaciones alrededor del texto, y Cé- dric reescribió la escena final en torno a estas improvisaciones.

¿Y CON FRANÇOIS BERLÉAND?...
Fueron dos días intensos. Mientras rodábamos encerrados esta oficina psiquiátrica. Un momento crucial de la filmación, porque estas escenas apuntalan la película y atestiguan la evolución de Rémy. Trabajar con François fue un gran placer. Su mirada a Remy, su extrema precisión, incluso en cosas muy pequeñas. Fue maravilloso.

¿ERA FRUSTRANTE NO CRUZARTE CON ANA GIRARDOT EN AL PELÍCULA?...
Desde luego, pero al mismo tiempo esta frustración ha mantenido una forma de suspense en el rodaje que nos llevó al último día donde filmamos a la escena del baile final. Todo el equipo y los extras finalmente po- drían asistir a nuestra reunión, fue un momento mágico. La vergüenza de nuestras primeras miradas, nues- tras sonrisas torpes son sinceras y derivan directamente de la elección de Cédric rodar esta escena al final.

HAY GRAN PARTE DE LA PELÍCULA EN LA QUE NO APARACES, ¿CÓMO FUE ESA EVOLUCIÓN PARA-LELA?...
Sobre todo, me conmovió el final. Me reí y lo encontré hermoso. La curioso fue que la película era precisa- mente la mitad desconocida, pude concentrarme en la parte de Mélanie como un espectador más.

TIENES ESCENAS CON SIMON ABKARIAN Y ZINEDINE SOUALEM, DOS FIELES DE CÉDRIC KLAPISCH ¿ERES YA UNO MÁS DE LA FAMILIA?...
¡Eso espero!

FINALMENTE, PARA UTILIZAR LA CLASIFICACIÓN DEL PERSONAJE DE EYE HAIDARA, ¿ERES UN CHI- CO HAMBURGUESAS, QUESO O NUGGETS?...
Soy de tacos.

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