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    Con una serie de aventuras emocionantes a lo largo del mundo, Tintín, el personaje de la novela gráfica se convirtió en una gran sensación mundial. Las novelas gráficas de Tintín, escritas e ilustradas por Georges Remi bajo el seudónimo de Hergé, han llegado a diferentes culturas, múltiples generaciones e incluso a fronteras arrasadas por la guerra. Un fenómeno de la cultura pop perenne y de gran magnitud, que ha sido traducido a más de 80 idiomas y ha vendido más de 350 millones de copias... y sigue vendiendo.  
   A pesar de que Tintín ha viajado a los lugares más remotos, desde Perú al Tíbet y de allí a la luna, aún hay un sitio en el que no se ha aventurado: la gran pantalla de cine actual. Pero eso cambia con “Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio”.
  La fuente del continuo poder de la serie siempre ha sido la forma en que sus desaliñados y adorables personajes, sus pasaportes a lugares exóticos y sus valerosas batallas contra los malos han unido a la gente que viven sus aventuras y se sienten parte de algo en común. 
 Eso es lo que ocurrió con Steven Spielberg y Peter Jackson, que se han unido por primera vez como colaboradores gracias a la pasión de ambos por las tentadoras narraciones de Hergé. Cada uno se topó con Tintín en un momento diferente y de forma completamente divergente. Aunque el entusiasmo de ambos por las amplísimas posibilidades cinematográficas de los personajes es el mismo. Ninguno de ellos se pudo resistir a la excitación de tratar de fusionar la desenfrenada gracia de las ilustraciones de Hergé con lo último de la tecnología cinematográfica y la inspiración de enriquecedoras interpretaciones para crear una película única merecedora del vasto legado de Tintín. 
   “Tintín es un periodista entusiasta que está a la caza de pequeñas pistas y claves que súbitamente estallan y se transforman en esas increíbles aventuras alrededor del mundo”, describe Spielberg.
  Peter Jackson creció con Tintín y sus aventuras han ejercido una gran influencia sobre él. De niño en Nueva Zelanda, mucho antes de comenzar con su carrera Jackson devoraba cada libro de Tintín que podía conseguir, incluso se las apañaba como podía con las ediciones francesas.
   Ambos vieron el potencial cinematográfico impreso en el ADN de Tintín. “A todos nos impresionó el hecho de que Hergé contara sus historias a través de lo que eran, en alguna medida unos hermosos storyboard simples y con una clara fuerza narrativa”, asegura Kathleen Kennedy, productora junto a Jackson.   
  Spielberg contactó por primera vez con Hergé hace mucho tiempo, en el año 1983; y descubrió que el artista belga estaba verdaderamente entusiasmado con la idea de poner a su astuto personaje en manos del realizador. Pero lamentablemente, Hergé murió antes de que pudieran conocerse. Más tarde, su viuda, Fanny Rodwell, cumplió con sus deseos y le cedió los derechos a Spielberg. “Hergé eligió a Steven como el único director que, según él, podía hacer una película basada en su trabajo”, cuenta el productor ejecutivo Stephane Sperry, que ha estado involucrado en la propiedad de Las aventuras de Tintín durante décadas y ha sido fan de la serie aún desde hace más tiempo. “Y Steven ha sido siempre respetuoso con eso”. 
   Los realizadores trabajaron muy estrechamente con Nick y Fanny Rodwell, los cuidadosos guardianes del legado de Hergé y expertos en todo lo relacionado con Tintín. “Lo más importante era honrar a Hergé y acercarnos lo más posible a su sentido de la tonalidad y de sus retratos. Cada una de sus piezas cuenta una historia en términos cinematográficos”, observa el director. “Había una gran energía de movimiento en cada pose y cada acción, casi parecía que había tratado de comprimir 24 fotogramas en uno solo, y lo había conseguido. Creo que esa era, en mi opinión, la genialidad de Hergé. Cada una de las historias tiene la esencia de una película, y ahora podemos ser fieles a eso”.  
   Spielberg se convenció inmediatamente de que Jackson era el socio ideal. “Peter me dijo: ‘Si estuvieras ahora mismo conmigo podrías ver que detrás tengo la colección completa de los libros de Hergé, y me encantaría formar parte de esto’”, recuerda Spielberg.
    Además de ser el productor de la primera película de la serie, Spielberg le preguntó a Jackson si dirigiría la segunda entrega de la saga.
 Después de consultarlo con la Fundación Hergé, los realizadores ficharon a los guionistas Steven Moffat y el equipo formado por Edgar Wright y Joe Cornish para darle forma a la adaptación. Para presentar a Tintín y sus varios aliados y enemigos al mayor público posible, los realizadores decidieron combinar sus tres libros favoritos de Tintín: “El cangrejo de las pinzas de oro, “El secreto del Unicornio” y “El tesoro de Rackham el Rojo” en un solo argumento que estimulara a los espectadores de cine de hoy en día.   
  “El resultado”, explica Spielberg, “es en parte misterio, en parte una historia de detectives y también una intensa y provocadora aventura, y todo gira en torno a una gran historia de amistad, lealtad y fe entre el capitán Haddock y Tintín”.

PERSONAJES IMAGINARIOS, INTERPRETACIONES VERDADERAS...
   Se necesitaron dos años de investigación intensiva, desarrollo, diseño, preproducción, escritura del guión y elección del reparto, pero finalmente llegó el momento en que los actores, los realizadores y más de 200 técnicos convergieron en los estudios de Playa Vista, la base en California de Giant Studios, para “capturar la interpretación de los actores” y entrar en el mundo de Hergé. Aquí es donde tuvo lugar la mayor alquimia con las conmovedoras y emotivas interpretaciones de Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig y todo el reparto, y la grabación del momento con la transformación en la fiel representación del mundo de las historias de tinta y acuarela de Hergé. 
   Una vez en el set, Spielberg constantemente innovaba tratando de conciliar la tecnología de la captura de la interpretación con sus instintos de narrador, y alentaba a su equipo a pensar en nuevas soluciones para los más desconcertantes problemas visuales que se presentaban. Él y Jackson terminaron liderando una mini revolución en el plató con un sistema verdaderamente innovador, con una cámara virtual doble, lo que permitía al director tener una relación más tradicional con los actores en el momento en que dirigía la película, todo mientras “veía” el mundo animado en 3D. “No quería deshacerme de esos momentos instintivos que ocurren en los rodajes tradicionales, así que se me ocurrió una manera de hacerlo más natural”, explica Spielberg. 
   Totalmente diferente a un set de rodaje tradicional, el proceso de captura de la interpretación se despliega en lo que se denomina Volumen: un set limpio en blanco y gris con más de 100 cámaras montadas en una cuadrícula colgada del techo capaz de cubrir y capturar 360º y renderizar todos esos datos en un espacio tridimensional. En el Volumen, todos los actores (y también la utilería colgada de cables y la decoración) llevan puntos reflectantes que son percibidos por la cámara en menos de 1/60 segundo e interpretados en una película virtual en 3D.
   Además, otras ocho cámaras de vídeo de alta definición capturaban las interpretaciones espontáneas en el momento que se daban. Esto más tarde fue utilizado por los animadores como referencia para asegurarse de que cada mueca, sonrisa, temblor y matiz de emoción, desde el miedo a la amistad, fueran plasmados en la creación digital.
  Spielberg operaba la cámara utilizando un terminal ligeramente más grande que un controlador de vídeo juegos con un monitor adosado. De esta forma podía caminar a lo largo de todo el Volumen, ver a los avatares de los actores interaccionar con el universo de la película en el monitor de la cámara virtual y componer el plano que quería en tiempo real. También los actores, podían verse a sí mismos en el mundo de la película a través de los monitores posicionados a lo largo de todo el estudio, cosa que les permitió un feedback instantáneo. 
   “La posibilidad de ver el playback en tiempo real era muy importante tanto para el director como para los actores”, explica Joe Letteri
 Aunque la cámara virtual solo podía ofrecer una baja resolución similar a la de un vídeo juego, fue más que suficiente para darle vuelo a la creatividad de Spielberg y este congenió con la nueva técnica de inmediato, ya que permitió al director pintar con luz e imagen de una forma en que jamás lo había hecho. 
   Además, una de las primeras innovaciones de Weta, el proceso conocido como “imagen basada en la captura de interpretación facial”, utilizado para transmitir el realismo emocional de Gollum en ‘El Señor de los Anillos’ y crear paisajes de otros mundos como el de Pandora de ‘Avatar’ de James Cameron, fue requisada por Spielberg para agregar riqueza a las interpretaciones de “Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio”. 
  Cuando se utiliza este sistema, los actores llevan un casco parecido al que se usa en el fútbol americano al que se adosa una diminuta cámara que enfoca directamente a sus rostros, permitiendo la grabación digital del más mínimo movimiento de los ojos, labios o músculos faciales. Para Spielberg esto ponía énfasis exactamente en donde él deseaba: en el poder de las interpretaciones emocionales verdaderas. 
 “Cada uno de los humanos representados es un actor que ha realizado una interpretación total, que resplandece a través del maquillaje digital”, explica el director.
   El actor con más experiencia en el mundo en captura de interpretación, Andy Serkis, se convirtió en el líder del grupo, ayudando a que los otros actores se aclimataran. Por toda la experiencia que tenía con el medio, Serkis se sintió inspirado por la compenetración que vio en Spielberg y Jackson cuando trabajaban juntos.
   El largo tiempo necesario para todo este proceso también era algo nuevo para la mayoría de los actores. Cada mañana, antes del rodaje, los actores tenían que someterse a dos escáneres de “gama de movimiento”, uno para el rostro y el otro para el cuerpo. Una vez completados los escáneres, las cámaras podían identificar a los actores en el Volumen y traducir sus acciones a esqueletos en movimiento que podían luego ser cubiertos con las capas del “maquillaje digital” del personaje en postproducción. 
   Desde el principio al fin, Spielberg cultivó una atmósfera en la que cualquier cosa podía suceder en el estudio de captura. El reparto al completo en ocasiones estaba en el Volumen haciendo escenas de acción, actuando suspendidos en artilugios que representaban aviones, coches o barcos, improvisando con el estímulo y aliento de Spielberg y Jackson.

DE LO VIRTUAL A LO REAL...
   Una vez que el emocionante trabajo con los actores en el Volumen se completó, el equipo de animación de Weta comenzó con el proceso de pulido que llevó 18 meses, donde esculpieron y trabajaron en todos los detalles de las 1.240 tomas, antes de someterlas al proceso de renderización final. Fue aquí donde los realizadores comenzaron a jugar con temas visuales, atmósferas cinemáticas y complicados efectos de iluminación en cada una de las escenas para finalizar el look de la película. 
  Con el estilizado universo creado por Hergé como plantilla, los artistas y animadores se dispusieron a darle vida al mundo de Tintín.
“Lo que tuvimos que hacer es observar la actuación del actor y preguntarnos: ‘¿Cómo encaja esta interpretación en el diseño de nuestro personaje?’“, continúa Beard. “Básicamente comenzamos con un tosco esqueleto sobre el cual hay una forma geométrica en baja resolución dando una idea somera de cuál es la forma del personaje y a partir de allí pulimos los movimiento del cuerpo”, agrega Story. 
   “En una película de animación tradicional, los actores son elegidos por la interpretación a través de su voz y finalmente la manera en que dicen las líneas de los personajes en la cabina de grabación nos dan algunas ideas de animación”, explica Letteri. 
   El proceso de animación de Tintín se apoyó fuertemente en la captura de interpretación para la renderización final del personaje. “Contar con actores para la mezcla nos brinda una cualidad vital que de otra forma es muy difícil de conseguir”, continúa Letteri.
  A lo largo del proceso de postproducción, muchos aspectos de los personajes también fueron refinados, siempre utilizando como referencia adicional las tomas de vídeo rodadas en el Volumen para asegurar que cada momento de interpretación digital refleja las opciones emocionales del actor.
  Finalmente, “Las aventuras de Tintín, el secreto del Unicornio” fue renderizada por segunda vez para encajar el proceso digital de 3D. “Debido a que Las aventuras de Tintín fue renderizada por ordenador, hizo que el aspecto tridimensional de la película fuera bastante fácil de hacer”, apunta Jackson. “Pero es especialmente llamativo en esta película. Solo pensar en ver Las aventuras de Tintín en la gran pantalla y en 3D me hace sentir que soy un niño otra vez”.

DISEÑANDO EL MUNDO DE TINTÍN...
   Desde el primer día, el voto de fidelidad de Spielberg y Jackson fue en primera medida al legado de Tintín, a su pasión compartida por trasladar el estilo visual de Hergé y su inspiración, al diseño, desde el primer día, de una película completamente de animación en CG. 
   En un principio, mientras se escribía el guión, se puso en marcha el departamento de arte y el equipo de animación, y colaboradores a ambos lados del Pacífico comenzaron a trabajar con lluvia de ideas para dar singularidad a los personajes y elegir atractivos escenarios para “Las aventuras de Tintín”. Una de las grandes decisiones que se tomaron y que daría forma a todo lo que siguió después, fue mantener la época y la textura de la historia libre de temporalidad, como si estuviera suspendida en un especie de eterno universo “noir”, con oscuras sombras acechando en cada esquina. 
   “Estas historias podrían haber transcurrido en los años 30, los 50, los 80 o ahora mismo”, se explaya Spielberg, “y esa es parte de la belleza que queríamos conservar. Lo que no queríamos en nuestra película eran teléfonos móviles, aparatos de televisión o coches modernos. Las indicaciones acerca del diseño provenían en primer lugar de Hergé, y no de ninguna presumible época o lugar”.
  Los artistas, diseñadores y animadores comenzaron a visualizar cómo se hubiera visto el arte de Hergé si hubiese existido en el espacio tridimensional. “A pesar de haber sido dibujadas hace ya muchas décadas, las ilustraciones tenían algo de orgánico”, asegura Richard. “Cuando miras los dibujos hechos a pluma negra con la acuarela lavada en la página plana, todo lo que tienes que hacer es entrecerrar los ojos paraLAS AVENTURAS DE TINTIN empezar a imaginar el mundo de Las aventuras de Tintín. No puedes evitar verlo en 3D”, murmura. 
  Funcionó tan bien en parte porque Hergé desde el primer día en que comenzó a dibujar las aventuras de Tintín dejó claras las reglas de que la realidad se encontraba en estado puro. “Las líneas de lo que Hergé dibujó no son necesariamente precisas”, afirma el supervisor de efectos visuales Joe Letteri. “
  Respondiendo a una invitación de Fanny y Nick Rodwell de la Fundación Hergé, el principal diseñador conceptual Chris Guise viajó a Bruselas para investigar de cerca el lugar natal de Tintín, y sumergirse en la atmósfera que dio como resultado la creación del piso en la calle Labrador, 26 y la silueta del capitán Haddock en el castillo de Moulinsart.
   El supervisor de maquetas digitales Marco Revelant aportó todavía más, gracias a su pasión por las maquetas de barcos que es una de las claves de la aventura. Revelant viajó al Museo de la Marina en París para diseccionar visualmente los navíos en los que Hergé basó “El Brillante” y “El Unicornio”. “Los diseños de Hergé eran un poco más elaborados aunque de dimensiones más reducidas”, ilustra Revelant. “Realizamos esos mismos ajustes a nuestros modelos digitales”.
  El director de arte de los efectos visuales Kim Sinclair buscó por todos los sitios vehículos auténticos como el Ford de 1937 que se ve en los libros que fueron escanearon en el ordenador para ser recreados digitalmente. “Hergé realizó una meticulosa investigación del automóvil Ford y del hidroavión, y pudimos saber qué modelo era y de qué año, e incluso hallar la carta de colores original de los fabricantes”, puntualiza. 
   Pero el elemento más crítico de todos en el diseño fue, desde el principio, los personajes mismos. Desde las poses cómicas y afiladas de Haddock, pasando por la textura del cabello en punta de Tintín y la característica silueta de los bigotes de los detectives Hernández y Fernández, hasta las emociones que cruzan por el hocico de Milú, todos los matices fueron a debate, se reimaginaron y se pulieron a lo largo de intensas reuniones.

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