INFORMACIÓN EXCLUSIVA

EL COMIENZO DE UNA HISTORIA...
   En 2013, el rompedor thriller The Purge: La noche de las bestias, del guionista/director James DeMonaco, presentó al mundo un experimento social impensable. ¿Qué pasaría si, una vez al año, durante 12 horas, todos los delitos, incluido el asesinato, fueran legales? Esta mirada de DeMonaco a las diferencias de clase, el racismo, la pobreza y la opresión se convirtió en un clásico instantáneo del canon del terror que ponía de relieve el carácter brutal que podía adquirir la sociedad moderna si se le permitiese al pueblo y a los órganos de poder actuar sin ningún tipo de control.
  En la premisa tan aparentemente sencilla de DeMonaco el público halló guiños a relatos cortas proféticas como «El juego más peligroso», de Richard Connell, o «La lotería», de Shirley Jackson, así como a historias que nos sirven de advertencia sobre el posible devenir de la sociedad actual, como American Psycho y La naranja mecánica. Como las alegorías más imaginativas, la saga del cineasta toca miedos modernos profundamente arraigados en nuestra psique y realidades de nuestro día a día, invitándonos a preguntarnos si algo así podría realmente pasar.
  En los capítulos siguientes (la explosiva Anarchy: La noche de las bestias, de 2014; la conspiración política de 2016 de Election: La noche de las bestias; y La primera purga: La noche de las bestias, de 2018, que mostró al público cómo se convirtió en ley el experimento de la asociación ficticia de los Padres Fundadores de América) los cineastas siguieron ahondando en la insidiosa distopía. Con cada nueva entrada, DeMonaco y sus camaradas productores profundizaban en la degeneración del gobierno por parte de quienes manejan el cotarro.

CUANDO LA RABIA NO PUEDE CONTENERSE...
  A lo largo de la saga, James DeMonaco ha explorado el oscuro trasfondo de odio y la rabia contenida desde hace tiempo del público estadounidense que, en los últimos años, se ha convertido en una auténtica olla exprés. «La gente está cabreada», asegura DeMonaco. «Cabreada con lo que sea. Todos los grupos de la sociedad están furiosos por algo. Los pobres y desfavorecidos, por ejemplo, están furiosos por la falta de oportunidades para ascender en la sociedad. La clase media siente una ira extrema por el aumento de los costes médicos y lo que algunos (entre los que NO me cuento) llaman el “romance” de la élite democrática con los inmigrantes. Los afroamericanos están furiosos por la discriminación racial en ciudades. Los varones blancos están furiosos porque las mujeres, los inmigrantes y las minorías están desafiando un sistema político y económico que lleva exclusivamente al servicio del hombre blanco más de cien años. Todo el mundo parece querer decir lo que Howard Bale: “¡Estoy totalmente indignado y ya no lo aguanto más!”».
  DeMonaco opina que cuando los sentimientos se combinan con noticias partidistas o información falsa creada para sustentar agendas especificas, una furia aún mayor se adueña de las masas. «De pronto, la gente empieza a ver la Purga como un ejercicio potencialmente catártico, una vía de escape para ese sentir creciente», dice DeMonaco. «En las películas, los Padres Fundadores venden la Purga al pueblo norteamericano diciendo que les ayudará a airear esa frustración... y convertirse en último término en ciudadanos mejores. Es todo un ardid psicológico. La Purga no es más que una grotesca herramienta económica de los Padres Fundadores para librarse de los desamparados, de los pobres..., es decir, de la gente de la que ellos deberían responsabilizarse. La Purga no es más que un modo de ahorrar dinero».
  Para el cineasta, muchos temas de su historia nacen de observar las crecientes grietas que se han estado abriendo en Estados Unidos a lo largo de la última década. «Cada año que pasa, nuestro país parece estar cada vez más dividido y se antoja cada más más elitista, airado e intolerante», afirma DeMonaco. «En determinados momentos, este país parece un barril de pólvora a punto de estallar por cualquier asunto: el control de las armas, la inmigración, las creencias religiosas, etc. La inmigración ha sido el asunto que más recientemente ha originado una profunda falla en el pensamiento americano, y eso es precisamente lo que yo quería abordar en LA PURGA INFINITA. Quería plantear la pregunta de si un solo día es suficiente para liberar toda esa ira. La respuesta es que no».
  Ambientada siete años después del tercer capítulo, LA PURGA INFINITA se centra en Adela y Juan, un matrimonio forzado a abandonar su hogar en México cuando el cártel de la droga, en una vendetta contra Adela, destruye su casa e intenta asesinarla. Como refugiados contra su propia voluntad, Adela y Juan entran ilegalmente en Estados Unidos y comienzan una nueva vida en el valle Los Feliz, en Texas.
  Meses después, cuando Adela y Juan comienzan a asentarse, logran sobrevivir a la primera noche de la Purga. Pero, a la mañana siguiente, un grupo de extremistas que se niegan a dar por concluido el evento anual toman las calles dispuestos a desestabilizar un país de por sí fracturado, marcando como objetivos tanto a inmigrantes como a gente adinerada. De pronto, tanto la pareja protagonista como los Tucker (la familia rica propietaria del rancho en el que Juan trabaja) se ven perseguidos por estos radicales, y Adela y Juan serán quienes intenten conducir a sus aliados estadounidenses al lado sur de la frontera con México.

LOS PRODUCTORES SE PONEN DE ACUERDO...
  James DeMonaco y el productor Jason Blum se conocen desde mediados de los noventa. DeMonaco conoció a su socio de producción Sébastien K. Lemercier poco después. «Jason barajó unos cuantos guiones míos después de abandonar Miramax», nos cuenta DeMonaco. «Bebíamos juntos hablando de diferentes películas. Éramos jóvenes e ingenuos, y pensábamos que podríamos hacer todas nuestras películas». Tras una pausa, añade: «Ahora somos viejos, pero igual de ingenuos». DeMonaco se ríe. «No, ahora en serio, la verdad es que Jason no lo es. Yo necesito conservar esa ingenuidad y pensar que todo lo que escribo va a poder hacerse, pero con Sébastien y Jason a mi lado, la verdad es que tengo muchas más opciones de conseguirlo».
  Los cimientos de la relación entre los tres es la confianza. «Los tres confiamos mucho en los otros para hacer nuestro trabajo», dice DeMonaco. «No nos interponemos en nuestros respectivos caminos. También somos bastante honestos, algo de lo que cobré conciencia trabajando con Sébastien en Europa. Nos peleamos y gritamos, y somos brutalmente honestos el uno con el otro, pero no nos guardamos rencor. Nos pegamos cuatro gritos y, al minuto siguiente, estamos tomándonos un tequila».
  Juntos, han hecho cinco películas de esta saga y dos temporadas de la serie ad hoc, The Purge, entre otros proyectos. Lemercier cree desde siempre que lo emocionante y aterrador de la premisa central de la Purga es que se trata claramente de la pesadilla definitiva de la sociedad. «Estamos protegidos porque obedecemos un cierto número de reglas», dice Lemercier. «Cuando eso deja de suceder y además pasa en todo el mundo, se convierte en la situación más terrorífica imaginable. Lo vemos en países donde hay guerra civil, lo vemos a veces en Estados Unidos, obviamente».
  Y, por suerte o por desgracia, el mundo y la propia Norteamérica siguen ofreciendo al trío un terreno fértil para más capítulos de La noche de las bestias. «En cada ocasión, nos planteamos: “¿Cómo podríamos hacer de esta distopía algo aún mayor?”», dice Lemercier. «Esta vez, a James se le ocurrió la idea de que algunos se volvieran adictos a la idea de la Purga y fueran incapaces de ponerle freno. Las ganas de destruir se vuelven más fuertes que al amor a la sociedad y la civilización».
  Existe un peligro palpable de ello, tanto en la película como en el mundo real. «A menudo, nosotros, todos los ciudadanos, criticamos la sociedad», afirma Lemercier. «Criticamos a las fuerzas policiales y al gobierno, sin darnos cuenta de que, sin esas instituciones, que a veces pueden resultar claustrofóbicas para los individuos, sería todo mucho peor, porque tendríamos que lidiar con todo por nosotros mismos».
  Jason Blum lleva toda su carrera produciendo películas que desafían los límites, y ese es uno de los motivos por los que su relación con DeMonaco y Lemercier ha sido tan exitosa. «No he conocido a muchos cineastas tan inteligentes, reflexivos y creativos», asegura Blum. «Comprenden que las películas de la saga La noche de las bestias están diseñadas para desafiar al público. Les recuerdan a los espectadores que las “soluciones” oscuras podrían acabar pasando fácilmente si todos nos sentamos de brazos cruzados y dejamos que los organismos de poder hagan lo que les plazca, y nos recuerdan también que los verdaderos héroes son aquellos que alzan la voz y se niegan a permitir que el mundo se vaya a pique».
  El trío de camaradas productores de la saga, Michael Bay, Brad Fuller y Andrew Form, de Platinum Dunes, han unido fuerzas con ellos en todas y cada una de las entregas de La noche de las bestias. Inicialmente, ninguno de ellos esperaba que el viaje llevara a la saga hasta donde se encuentra en la actualidad. «Resulta tan asombroso como esperable que esta franquicia se haya convertido en lo que es», dice Brad Fuller. «James puede presumir de una extraña maestría compartiendo historias alegóricas que impactan al público y nos hacen recapacitar sobre aquello en lo que podríamos convertirnos. Se trata de un gran cineasta con ese superpoder, y por eso nos tiene totalmente admirados».
  La franquicia ha sido una asociación ideal en todos los aspectos. «La premisa de James de “¿qué pasaría si una noche...?” se ha convertido en mundo intrincadamente detallado en el que la violencia amenaza con estallar en cualquier momento, y nadie está a salvo de sus siniestros tentáculos», dice Andrew Form. «Es un honor haber podido trabajar con ellos, contando historias que es importante que hagan recapacitar a los espectadores, que les hagan reflexionar sobre nuestra humanidad compartida y nos brinden la esperanza de ser como los héroes protagonistas».

UNA NUEVA PERSPECTIVA...
  Cuando llego el momento de dar con el director ideal para comandar el proyecto de LA PURGA INFINITA, los cineastas buscaban, ante todo y sobre todo, a alguien cuya sensibilidad artística mantuviese la película anclada al mundo real visual, narrativa y emocionalmente hablando. «Los protagonistas de la película son una pareja de mexicanos muy enamorados que abandonan México para emigrar a Estados Unidos», explica James DeMonaco. «Queríamos un director capaz de aportar mucha autenticidad a la historia. Everardo Gout es de México; ha vivido en Nueva York, Los Ángeles y París. Sabíamos que su narrativa sería totalmente auténtica. Y lo que es más importante, a Sébastien y a mí nos encantó la primera película de Everardo, Días de gracia. Y más importante aún, Everardo nos encanta también».
  DeMonaco descubrió en Gout un artista lleno de sentimiento y muy reflexivo que entendía los puntales sociopolíticos de esta saga y cómo amplificarlos. «Everardo supo ver y reconocer las ideas políticas que estábamos introduciendo en la narrativa del género», dice DeMonaco. «Aportó detalles a la historia procedentes de su vida en México..., detalles que yo no hubiera sido capaz de vislumbrar en mi investigación. Y, como los personajes en la película, Everardo procede de otro país, por lo que sus sentimientos sobre la Purga y sobre lo que significa en último término sobre América y su relación con la violencia son únicos y diferentes de los que podamos tener los nacidos en EE. UU. Fue muy innovador contar con un nuevo punto de vista de nuestro país y aportarlo a la franquicia».
  Por si fuera poco, Gout también compartía una cierta pasión con sus camaradas cineastas. «A Everardo le encanta el tequila, como a Sébastien y a mí», revela DeMonaco. «Era la combinación perfecta. Él nos dio a conocer el mezcal, el bueno, y también nos gustó mucho».
  Por su parte, a Gout le emocionaba la idea de sumergirse en el complejo y multidimensional mundo que DeMonaco y sus compañeros cineastas de La noche de las bestias habían creado. «Recibí una presentación y mi agente me dijo: “Sé que no es algo que considerarías de primeras, pero es muy interesante”», nos cuenta Gout. «No se equivocaba. Sentí que la relevancia del material era perfecta para los tiempos que corren. La metáfora de James a lo largo de su visión ha sido fascinante. En esta ocasión, ha dado realmente en el clavo». La primera reunión de Gout con DeMonaco despertó aún más su interés.
   «James y yo tuvimos una conversación y me dijo: “Adoro mi saga y quiero transmitir a la gente mis puntos de vista y lo importantes que son para mí”. Eso fue lo que me hizo reaccionar», cuenta Gout. «Sabía que tendría la oportunidad de trabajar en una saga que llega a muchísima gente, que apasiona a los espectadores y les hace sentir todo tipo de emociones..., pero, al mismo tiempo, como decimos en México, “esconde las vitaminas dentro de la tarta”. Es una situación inmejorable».
  También valoró positivamente que los cineastas de La noche de las bestias premiaran la comunicación directa y honesta en todo momento, algo inusual en la industria del cine, como poco. «Mis amigos saben que yo voy siempre de frente», dice Gout. «James me encanta también por eso. Nos entendimos perfectamente desde el principio».
  Lemercier se quedó impresionado y emocionado ante la respuesta de Gout, que ha trabajado en cine más independiente, al material de DeMonaco. «Everardo busca impactos visuales, desafíos en su estilo de dirección», dice Lemercier. «Tiene su propio toque, un estilo más basado en lo visual que en solo lo narrativo. Everardo nos aportó una dosis de poesía, si se me permite decirlo».
  Gout agradeció mucho que lo vieran y valorasen por esas cualidades, porque son pilares básicos de su persona. «No soy capaz de hacer meros trabajos por encargo; eso no va conmigo», dice Gout. «Fue fabuloso encontrar colaboradores que confiasen en mi visión». Y, desde luego, compartían su compromiso por plasmar la verdad en pantalla. «Nuestros productores son tipos cultivados con quien puedes hablar de libros y películas», dice Gout. «Compartimos muchas referencias y, juntos, hallamos inspiración para conjugar las frases adecuadas. Eso es lo que queríamos poner sobre la mesa».
  Para Jason Blum, Gout demostró ser el cineasta ideal para LA PURGA INFINITA. «Aunque nuestra película exploraba lo que parece ser combatir la propia máquina, LA PURGA INFINITA ofrece la idea de que la sociedad norteamericana tal vez ya haya sobrepasado los límites», dice Blum. «El modo operístico de Everardo de mostrar ternura entre nuestros héroes en medio de una violencia inexplicable es todo un don. Su trabajo es cautivador».

DISEÑO DEL THRILLER...
  Por primera vez en la serie, gran parte de la acción de LA PURGA INFINITA tiene lugar a plena luz del día. «Ya desde nuestras primeras conversaciones, sabíamos que LA PURGA INFINITA necesitaba un look diferente al de las anteriores películas», dice DeMonaco. «No solo hacía falta un giro importante para la saga, sino que el aspecto general y el paisaje tenían que cambiar. Yo quería que se desarrollara en Texas, un lugar que podía ofrecernos un paisaje nuevo que explorar». Cuando concibió LA PURGA INFINITA, el cineasta sabía que podrían aprovechar los nuevos colores y horizontes. «Por fin contábamos con la luz del día como nuestro nuevo territorio, lo que nos ofrecía un esquema lumínico totalmente novedoso bañado por la luz del sol», explica DeMonaco. «Sabíamos que eso sería una auténtica revolución y que nos ofrecería una nueva paleta de colores para la franquicia».
  Como complemento a esa paleta, Adela y Juan descubren un lenguaje oculto empleado por los inmigrantes para comunicarse en su pequeño pueblo texano. Para Everardo Gout, era importante inyectar la influencia gráfica de los murales, los grafitis y la lotería mexicana en ese lenguaje. «Queríamos representar el color de la noche, la representación de nuestra cultura y nuestro carácter», dice Gout. «En esta película hay un código inventado de mensajes entre los latinos que estos usan para ayudarse y comunicarse. Esconden los códigos a plena vista, para que, si eres latino, puedas entender cosas como “peligro”, “esperanza”, “amigo” dentro de la estructura de la sociedad».
  La diseñadora de producción Jennifer Spence colaboró con Gout para conseguir el aspecto y las sensaciones que transmite la película. «Everardo y yo trabajamos mano a mano para diseñar el look e incluir los colores y sabores de la cultura mexicana», dice Spence. «Eso incluye arte gráfico y grafitis que el director quería que mostraran el estado de ánimo actual de nuestros tiempos. Trabajamos juntos para superar los desafíos y encontrar localizaciones que encajasen con la trama. Además, nos reunimos frecuentemente durante el rodaje para compartir ideas a través de imágenes relacionadas con la historia».
  Spence lleva tiempo sintiendo fascinación por el género, como demuestra su trabajo en las sagas La monja y Annabelle o en la película The Lords of Salem. «Me apasiona contar historias, sea cual sea el tema», dice Spence. «Sin embargo, me atraen el terror y los thrillers porque siempre me han gustado como espectadora y me permiten crear entornos nuevos e interesantes».
  LA PURGA INFINITA se adentra en un oscuro territorio, pero era importante mantener los elementos visuales de la película anclados en la realidad. «Lo importante para todos los involucrados es que el resultado pareciese auténtico», dice Spence. «Quería asegurarme de que las localizaciones reflejaran situaciones reales de la vida, los problemas que afrontan los personajes y cómo afectan estos sitios a la perspectiva y las ideas de todos».
Tanto si se trataba del pequeño apartamento de Adela y Juan en Estados Unidos como del rancho de los Tucker, la planta de envasado de carne o la zona de seguridad para refugiarse durante la Purga, donde Adela y Juan pasan la noche, en lo que respecta a sets específicos versus enclaves prácticos, la mayoría de las localizaciones de la producción fueron lugares modificados. «Nuestro equipo de localizaciones fue capaz de dar con espacios estupendos que alteramos para acomodar a nuestras necesidades», dice Spence. «Nos pasamos semanas buscando ubicaciones perfectas en las que poder enclavar más de un set. Así limitábamos los desplazamientos y maximizábamos el tiempo de rodaje. Everardo se mostró siempre dispuesto a ayudar y muy flexible a lo largo del proceso. Contaba con un artista que nos acompañaba, de modo que podíamos añadir grafiti si nos apetecía; yo misma me encargué de unos cuantos cuando se requería algo más específico».

LAS HERRAMIENTAS ADECUADAS...
  El coordinador de escenas peligrosas y director de la segunda unidad MIKE GUNTHER regresa a la familia de La noche de las bestias tras realizar una doble función en Anarchy: La noche de las bestias. Esta vez, como las Purgas Infinitas promulgan una campaña de terror planeada, la violencia y la acción resultan menos caóticas y más calculadas. Y las historias de sus heroicos personajes dan forma al diseño de las escenas peligrosas y su coreografía. Ya se trate de las habilidades de Adela como luchadora aficionada o las brutales peleas cara a cara de Juan en las calles de El Paso, el tiroteo en el rancho de Caleb, el estilo de lucha de Harper o los increíbles movimientos de Darius cuando un furgón policial vuelca, todas las escenas peligrosas de LA PURGA INFINITA son potentes e inolvidables.
  El reto consistió en crear escenas que estuvieran coreografiadas, pero que no lo parecieran. «Buena parte del proceso depende de tener actores que quieran trabajar duro en los ensayos para conseguir que sus escenas queden lo mejor posible», afirma Gunther. «Josh Lucas en un gran ejemplo. Empezamos a trabajar con él semanas antes del comienzo del rodaje en el aparcamiento de L.A. Center Studios. Esa clase de compromiso es la que luego brilla en pantalla».
  La actriz Leven Rambin disfrutó en particular su entrenamiento con armas, necesario para convertirse en Harper. «Pasamos un divertido día ensayando con las escopetas en Taran Tactical, en California», recuerda la intérprete. «Había hecho muchos entrenamientos con pistolas, pero nunca con una escopeta. Pudimos disparar armas automáticas y fusiles AR-15».
   Del mismo modo, para preparar su personaje de Darius, Sammi Rotibi se unió al equipo artístico y técnico para rodar las escenas de lucha en Pomona (California). «Ensayé con el coordinador y mi compañero de escenas peligrosas para conseguir que todo pareciera lo más fácil y creíble posible», dice Rotibi.

LOS EFECTOS RESPONDEN A LA LLAMADA...
  Para combinar a la perfección los efectos mecánicos con los efectos visuales, Everardo Gout y los cineastas acudieron a la productora de efectos visuales MELISSA BROCKMAN, que ha trabajado recientemente en El hombre invisible y Estafadoras de Wall Street. «Everardo dejó claro que quería que LA PURGA INFINITA transmitiera una sensación diferente, más mesurada», dice Brockman. «Intentamos ser fieles a lo que transmite esta película como entidad independiente».
  Hubo muchas conversaciones entre Brockman, Gout y el director de fotografía Luis Sansans acerca del diseño para el crucial muro fronterizo. «Everardo quería que el muro resultara muy pegado a la realidad, solo que un poco más grande, así que lo diseñamos basándonos en ejemplos reales», cuenta Brockman. «Investigamos los muros de Gaza y el de nuestra propia frontera..., y después le dimos ese toque de mayor tamaño. Añadimos suciedad, grafitis y otros elementos para integrarlo en la escena».
  Para hacer realidad este diseño, al equipo de Brockman se unieron, durante el rodaje, el supervisor de efectos visuales en escena Josh Lacross (Westworld, de HBO); y, durante la postproducción, el supervisor de efectos visuales Gabriel Sánchez (Manhattan sin salida) y sus compañeros de Crapty Apes. «A Everardo le encantó el equipo de Crafty Apes», dice Brockman. «Como yo no podía estar en el rodaje, quería tener allí a alguien de confianza, y Josh fue el elegido. He trabajado con Crafty en otros proyectos y creativamente son siempre fantásticos. La elección estaba clara».
  En una escena clave de la película, nuestros héroes dan con un campo de refugiados. Lancaster (California), con su atmósfera nublada, terminó haciendo las veces del desierto mexicano, y Brockman dio en el clavo con esa localización. «El objetivo era hacer que pareciera enorme y sobrecogedor», explica Brockman. «Queríamos despertar en los espectadores un sentimiento visceral al mostrarles cuánta gente ha escapado de los Estados Unidos..., y que vieran al fondo los EE.UU. en llamas».
  Desde los momentos íntimos (como el de Adela atrapada en la jaula de la cabra, en el que los efectos visuales alargaron el arma que liquida al matón que la ataca) hasta las secuencias clave durante la noche de la Purga y los disturbios en El Paso, el equipo de Brockman estuvo estrechamente involucrado en la producción y la postproducción. De hecho, el equipo de efectos visuales contribuyó a crear muchas de las grandiosas e icónicas imágenes de la Purga y la devastación que la película muestra. «Recibimos el encargo de mostrar el alcance de lo que está teniendo lugar en planos generales añadiendo fuego, destrucción, personas generadas por ordenador luchando, etc.», detalla Brockman. «También añadimos un montón de la sangre que se ve en los primeros planos, heridas y otras cosas en las escenas de lucha. Es aquí donde los efectos visuales brillan en su capacidad para contribuir a contar historias, hacerlo de otra forma costaría muchísimo, tanto en tiempo como en dinero».
  El equipo de efectos visuales también tuvo que afrontar los retos de rodar una película de La noche de las bestias durante el día en lugar de por la noche. En vez de «esconder» los efectos entre la oscuridad y las sombras, fueron a por todas. «Hablamos mucho de este tema», dice Brockman. «Añadía un poco más de dificultad a la hora de hacer que las cosas parecieran peligrosas o dieran miedo. Elegimos otras formas de crear tensión o dar sustos. Es lo divertido de los efectos visuales: tratar de resolver estas situaciones y dar con la forma de contar la historia».
  El equipo de Brockman y Gout trabajaron codo con codo con el departamento de efectos especiales. «Mantuvimos muchas reuniones acerca de qué podía solucionarse con efectos visuales y qué se podía hacer en la realidad», cuenta Spence. «Trabajé con Zak Night (Feliz día de tu muerte) en los efectos especiales para crear escenarios en los que él pudiera hacer los efectos pirotécnicos. Programar las explosiones y conducir esos grandes camiones y todoterrenos fue todo un reto y llevó mucho tiempo. Todo el mundo fue una piña para ofrecer ideas y apoyo. El muro se diseñó con efectos visuales; Everardo y yo pusimos en común ideas e imágenes para transmitir lo que queríamos».

LOS DESAFÍOS DE LOS EFECTOS ESPECIALES...
  El coordinador de efectos especiales Zak Knight tiene un largo recorrido con Blumhouse, ya que ha realizado 13 películas con el estudio, entre otros proyectos, y tenía muchas ganas de ayudar a Everardo Gout a hacer realidad su visión para LA PURGA INFINITA. «Me sentía en completa sintonía con Everardo», dice Knight. «No nos dimos cuenta en nuestra primera entrevista, pero habíamos pasado un tiempo juntos cuando él trabajó en otra producción con mi mujer. Que ella sea mexicana y hubiera trabajado con Luis Sansans (el director de fotografía) y Everardo en México unos años antes no me vino mal. Everardo tiene un ánimo y una creatividad tremendos, me presionó para que diera lo mejor de mí».
  Knight sintió que Gout le daba el espacio creativo necesario para alcanzar las metas que compartían. «Un momento que llama la atención es una escena en la que se sube una gran colina, hacia el final de la película», cuenta Knight. «Everardo quería que una cuerda o un cable subiera a nuestras actrices por esa pendiente, que era muy pronunciada. Así que me encargó que creara el artilugio improvisado, al estilo Mad Max, que los personajes habrían construido para transportar a los heridos colina arriba. Entonces construimos un curioso cabrestante con cuerdas, como un telesilla, que se servía de capós de coche dados la vuelta a modo de trineos. Este tipo de libertad no es habitual y me hace sentir que he contribuido de verdad, no solo haciendo lo que está escrito en el guion, sino explorando posibilidades creativas».
  Knight también quiso subir el listón e impresionar a los espectadores con una violencia intensa y original. «Cuando uno hace una película que es parte de una franquicia, en la que ya está establecido un estilo, hay muchas ganas de sobresalir, de hacerla tuya y poner tu propio estilo», reconoce. «En esta película, el reto estaba en crear tensión y miedo a plena luz del día. Eso nos quita uno de nuestros elementos favoritos, la oscuridad. Para nuestras muertes, era esencial construir a partir de los momentos de sorpresa, no sustos como en la típica peli de terror, sino emboscadas, en las que, tras esquivar con suerte el peligro, llega lo inevitable».
  Gout quería emplear efectos mecánicos siempre que fuera posible. «Otras películas de la saga sacan mucho provecho de los efectos visuales», dice Knight. «A veces por la comodidad de solucionar las cosas en postproducción, y a veces por presupuesto. Pero es esta entrega queríamos que todo fuera muy real. Mucho de lo que se ve en pantalla se hizo en la realidad. Cosas como la escena del furgón de Policía, o el fuego, se habrían hecho con ordenador en entregas anteriores, pero en esta nos concedieron el tiempo y los recursos para hacerlas en la realidad».
  Dicho esto, el equipo de efectos visuales de Melissa Brockman amplificó buena parte del trabajo de los efectos especiales. «Siempre trabajamos codo con codo con los efectos visuales», dice Knight. «Es esencial saber hasta dónde llegan nuestras capacidades, para que las suyas cojan el testigo. Se hace mejor cine cuando priorizamos y sobresalimos cada uno en nuestro oficio. Tener a alguien como Melissa significa que ella encontrará la forma de realzar mis efectos, y que yo podré darle lo que necesita para que sus efectos visuales brillen. A veces conlleva prescindir del humo o de la construcción de elementos, y a veces es ella quien borra mis cables, o mejora nuestras llamas y nuestro humo».
  Como la mayor parte de la película transcurre de día, explica Knight, «resaltamos el humo y el fuego para darle textura y caos al ambiente. La acción es lo que diferencia a esta entrega».
  El director de fotografía Luis Sansans trabajó con Knight en las partes clave del metraje, y con el equipo de escenas peligrosas para ampliar determinadas secuencias en cámara (muertes, por ejemplo). «Sansans nos empujó a ofrecer nuestra mejor versión», dice Knight. «Nos mantuvo ocupados, entre echar mano de nosotros para iluminar la escena de El Paso con fuego real y encontrar la forma de que nuestra atmósfera funcionara dentro de ese mundo más amplio, exterior y de luz diurna de la película».
  De hecho, el plano secuencia a través de El Paso (rodado en el estudio de Universal) los llevó al límite. «Fue una maniobra gigantesca y totalmente cronometrada; hicimos 10 explosiones diferentes, con cristales que se rompían, fuego, sacando el máximo del tiempo de rodaje limitado del que disponíamos, y con más de 200 extras en plena Purga», describe Knight. «Fue, de lejos, uno de los planos más exigentes de mi carrera».
  Igualmente, el grupo de Knight trabajó codo con codo con el responsable de atrezo Michael Casey (Homeland, de Showtime) y su equipo. «Tuvimos suerte de poder ayudar en un par de ejemplos geniales de atrezo», dice Knight. «Uno de mis favoritos es la pistola aturdidora de la jaula, que Michael eligió y nosotros conseguimos que fuera segura y funcionara. También manejaron muchas armas y elementos de los personajes. Su experiencia y sus fantásticos conocimientos aportaron mucho al realismo y los personajes».
  Cuando los partidarios de la Purga Infinita engañan a Adela para que se acerque a una trampa, a los espectadores se les corta el aliento a la espera de conocer el destino de la heroína. «No me avergüenza decir que la “máquina de Rube Goldberg/jaula de la cabra” fue cosa mía», confiesa Knight. «El guion original decía “algo a lo Rube Goldberg”. Eso era todo, fue como una página en blanco sobre la que trabajar. Me dieron mucha libertad para dar con algo que entusiasmara a los espectadores».
  Knight dice que resultó intimidante y exigente, algo que rara vez le pasa. «Normalmente lo que se necesita está especificado en el guion y yo solo tengo que convertirlo en algo real; esto era algo muy abierto», cuenta. «La jaula era la primera parte de la escena que diseñé. Es un reto poner a un actor o a un doble de escenas peligrosas en un aparato que le dé la vuelta 180º a una velocidad y una fuerza que resulten convincentes. Sabíamos que podíamos crear ese movimiento, pero tuve que crear una maqueta para saber si una persona podría manejarlo, y también para comprobar que tuviera el aspecto de algo violento y peligroso, pero no mortal. El resultado final resulta agresivo y convincente».

LA FOTOGRAFÍA...
  El director de fotografía Luis Sansans conoció a Everardo Gout por primera vez en Romeo + Julieta, de Baz Luhrmann, donde Gout era segundo ayudante de dirección y Sansans trabajó como ayudante de operador de vídeo. «Éramos dos chavales trabajando con un maestro... y absorbiendo hasta la última gota de vida que pudiéramos de aquel set», cuenta Gout. «Ambos sentíamos esas chispas en el aire. Era en plan: “Dios, estoy enganchado”. Hemos trabajado juntos mucho tiempo y somos buenos amigos. Nuestros hijos se llevan meses. Hemos transitado el mismo camino tanto en el trabajo como en la vida».
  Gout invitó a Sansans a trabajar con su empresa cuando producía videoclips, cortometrajes y anuncios. «Empecé como ayudante de cámara y me convertí en operador de Steadicam», rememora Sansans. «Everardo me invitó a colaborar como director de fotografía en un corto que dirigió para las Olimpiadas titulado M. Nuestra amistad surgió cuando me pidió participar en el desarrollo de Días de gracia».
  Esta premiada película, en la que Sansans fue director de fotografía y coproductor, le dio la oportunidad de aprender todos los pasos de la creación cinematográfica. «Ambos íbamos a ser padres por primera vez durante ese proceso», cuenta Sansans. «Esa era nuestra motivación principal: hacer una crítica social de la violencia que se estaba generando en México y lanzar un mensaje de preocupación por el futuro de nuestros hijos en este país».
   Según Gout, la experiencia de trabajar juntos fue un gran viaje. «Como director de fotografía, a Luis se le suele invitar a un proyecto cuando el proceso está más avanzado», dice Gout, «así que como productor adquirió mucho respeto por todo lo que se necesita para sacar adelante una película. Nuestro trabajo ha sido una colaboración orgánica, y juntos hemos encontrado un estilo. En cuanto conseguí este trabajo, mi prioridad fue traerle a él y a Tenoch Huerta. Es natural que hagamos nuestra primera película de Hollywood juntos, ya que empezamos juntos. Creo en las conversaciones y las colaboraciones largas».
  Tanto para el director como para el director de fotografía es crucial establecer formas de narrar inesperadas. «Que yo maneje la cámara me sumerge en el mundo de los personajes», dice Sansans. «Siento esa intimidad con los personajes traduciendo las ideas del director a través de la cámara. Intento darles esa libertad para sentir su espacio y sus emociones, y seguirlos en su viaje».

  Con LA PURGA INFINITA, Sansans y Gout apuestan por la belleza de los paisajes de México y Texas. Mientras se preparaban, discutieron numerosas referencias. «Vimos películas apocalípticas que nos inspiraron, como La carretera (The Road), de John Hillcoat, e Hijos de los hombres, de Alfonso Cuarón», cuenta Sansans. «Compartíamos un libro que fue una fuente de inspiración para la subtrama de los inmigrantes: Undocumented, de John Moore. También encontré referencias de Roger Deakins, Chivo (Emmanuel) Lubezki, Rodrigo Prieto, Gordon Willis y Christopher Doyle. Y revisé a fotógrafos como Todd Hido, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Thierry Le Gouès, Enrique Metinides y Gregory Crewdson».
  De igual manera, los dos creativos debatieron sobre el significado de la subtrama: la experiencia de los inmigrantes en los Estados Unidos. «Como director mexicano que es, Everardo quería incorporar eso a la trama sin interferir en el tema principal, que es la Purga», dice Sansans. «Añadió la historia paralela del lenguaje oculto a través de señales en las calles que los inmigrantes usan para comunicarse. Queríamos que estuviera presente a lo largo de toda la película, y cuando los personajes se separan en El Paso, así es como Adela y Juan dan el uno con el otro».

  El intercambio de ideas entre ambos colaboradores alcanzó también al formato que elegirían para rodar los paisajes naturales. Esto contrastaba con las necesidades para Amarillo, El Paso, el rancho y la frontera entre México y los EE.UU. Gout habló con Sansans acerca de tener en cuenta un formato diferente a la previsible proporción panorámica de 1:2.35. Ambos querían conseguir un aspecto en el que pudieran disfrutarse los paisajes y vivir la película a través de los personajes. «Él tenía en mente el formato 1:1.85, así que vimos películas grabadas así», cuenta Sansans. «Durante la preproducción se estrenó Joker y la vimos en IMAX. Nos encantó la textura que se aprecia en pantalla, así como la relación entre los actores y los espacios con la poca profundidad de campo y el 1:1.85. Así que decidimos ir en esa dirección».
  El director de fotografía le sugirió a Gout usar la nueva cámara de Arri, la Alexa Mini LF (de formato grande). «Kavon Elhami, el dueño de Camtec, con quien colaboré en Narcos: México, nos recomendó lentes para el sensor de gran formato de la cámara», explica Sansans. «Hicimos pruebas en las localizaciones y nos decidimos por las lentes Falcon, un conjunto que el equipo de Kavon desarrolló a partir de unas viejas lentes Canon, que tienen una profundidad, un resplandor y unas texturas muy hermosas».

  Un recurso de narrativa visual que Gout y Sansans suelen utilizar es el siempre exigente plano secuencia. Uno de los plantos secuencia favoritos de Sansans es la llegada de nuestros héroes a El Paso en un camión para ganado, grabado en el estudio de Universal Studios. «Everardo quería hacer uno con todas las escenas que teníamos que rodar para mostrar la llegada a la ciudad», rememora Sansans. «¡Solo teníamos tres días para rodar!».
  El director sentía que hacerlo así permitiría a los espectadores experimentar el apocalipsis de forma íntima. Viviendo el trayecto con los personajes —hasta que son obligados a separarse—, el público no solo sentiría empatía por ellos, también experimentaría el terror. «Me inspiré mucho en El arca rusa (de Aleksandr Sokúrov)», dice Gout, «una increíble película de 2003 rodada en un único plano secuencia. No hay cortes ocultos. Pasas a través de una puerta y cambias el marco temporal. Así es como hicimos nuestra escena».
  A Gout le encanta cómo los planos-secuencia involucran a todo el mundo en el set de rodaje. «Estamos todos haciendo la misma película al mismo tiempo», dice el director. «Si tu compañero de fatigas comete un error, ahí tienes que estar tú para cubrirle las espaldas... y viceversa. Todo el mundo está involucrado y disfrutando de la experiencia. Creo que a todo el equipo le encantó y no lo olvida porque se esforzaron mucho en que esos cuatro minutos funcionaran».
  El primer reto al que Gout y Sansans se enfrentaron fue rodar la escena con la cámara estable. «Había hecho todos los planos secuencia con cámara en mano y queríamos hacer este de forma diferente», dice Sansans. «La toma empieza dentro del camión de ganado; a Dylan le obligan a parar y deciden seguir a pie a través de un callejón. Llegan a la calle principal donde el Ejército está enfrentándose a los paramilitares... antes de que el grupo se divida en un cine». Todo esto ocurre mientras los personajes se ven rodeados de explosiones, partidarios de la Purga Infinita matándose entre sí y fuegos ardiendo. «Nuestro maravilloso tramoyista Ray Garcia y yo decidimos que lo mejor era usar un sistema estabilizado con MOVI», explica Sansans.
  El equipo contrató a uno de los mejores operadores de la ciudad para la primera parte de la secuencia, rodada dentro del camión de ganado. «Cuando el vehículo se detiene», cuenta Sansans, «mi operador de dolly, Charles Ehrlinger, coge la cámara. Tiene un gran olfato para saber lo que el plano necesita, y siguió la escena hasta el final a través de la ciudad. En medio de esta coreografía teníamos un sistema de control sin cables escondido en un punto estratégico, desde el que yo operaba la cámara durante el plano secuencia.
«También contratamos a una empresa especializada en mejorar el vídeo, el foco por control remoto y la transmisión en MOVI», continúa Sansans. «Eso nos permitió a Everardo y a mí ver la toma, y a mí operar en remoto con las ruedas; además, el foquista pudo trabajar con el foco sin tener que estar cerca de la cámara».

  Para la escena en la que Juan (Tenoch Huerta) domina a un semental salvaje, el equipo usó una Technocrane 30’ con una nueva cabeza estabilizadora Matrix de Cinemoves. «Queríamos establecer lo que estaba pasando dentro del potrero, con Dylan y Juan intentando tranquilizar al cimarrón, mientras Caleb y Harper los miran», explica Sansans. «Teníamos que rodar de la forma más segura posible y tener esa libertad de conectar el interior con el exterior. La grúa nos permitió mover la cámara en torno a los actores y transmitirnos esa sensación de peligro entre el animal y Dylan».
  Tenían en mente tomar planos cámara en mano —dentro del potrero para proyectar la tensión, así como algunos planos subjetivos—, pero descubrieron que la cabeza remota Matrix podía recrear esos movimientos sin que un operador tuviera que meterse dentro con la cámara al hombro. «Tenían una consola de mano con el mando de la cabeza que detectaba tu movimiento», dice Sansans. «¡Reaccionaba igual que si estuvieras grabando realmente con la cámara al hombro! Pudimos grabar esos planos sin riesgos y de forma más dinámica con la grúa, y así no perder tiempo en configurar el paso de la cámara de la grúa al hombro».

  Una vez que la Policía arresta a Adela y Darius, los meten dentro de un vehículo de traslado de presos junto a dos partidarios de la Purga Infinita. Gout imaginó rodar la escena desde dentro del propio furgón. «Sabíamos que sería interesante hacerlo desde el interior», dice Sansans, «y complementar la escena con el diseño de sonido de la gente gritando fuera, con los disparos y el caos creando más tensión entre los que están dentro. Esto nos permitió tener la situación controlada y así pudimos añadir el accidente, cuando uno de los que participan en la Purga mata desde fuera al conductor».
  El equipo usó dos tipos de mecanismos para rodar la escena sin mover el furgón. Uno servía para recrear los movimientos normales del furgón, con baches y giros creados por los efectos especiales. El otro era un mecanismo en el que se metía el furgón dentro de una estructura circular que les permitía controlar el movimiento cuando el vehículo colisiona, generando así un vuelco completa de 360 grados. «La escena continuaba con una pelea tremenda entre Darius y Adela y el partidario de la Purga Infinita dentro del vehículo», explica Sansans. «Cuando Juan abre el furgón para rescatarlos, te das cuenta de la realidad que está teniendo lugar fuera, que la Purga está fuera de control».

  Para el final, el equipo encontró una hermosa localización a las afueras de Los Ángeles, en mitad del desierto, que incluía unas espectaculares montañas, rocas enormes y árboles de Josué. «El paisaje era increíble y la orografía ayudaba a crear la ilusión de que nuestros héroes estaban cruzando una frontera natural entre los Estados Unidos y México», dice Sansans. «Esto nos abrió un montón de posibilidades para diferentes batallas y situaciones peligrosas».
  Debido al número de escenas de acción que el equipo tenía que rodar para cumplir con lo planeado, el coordinador de escenas peligrosas Mike Gunther se encargó durante esos días de la segunda unidad. El equipo de Gout usó un dron para mostrar el paisaje y la llegada de los paramilitares con sus vehículos, y también un vehículo de persecución con un brazo mecánico..., para así poder contar con narrativas diferentes.
  «Siempre es un reto rodar exteriores de día», afirma Sansans. «Rodamos la secuencia final en cuatro días, pero tuvimos que cambiar el plan de rodaje un par de veces debido a las condiciones climáticas. Era complicado casar lo que rodamos el primer día, que fue soleado, con el día siguiente, que estuvo nublado, y luego lluvioso, y después soleado. Lo bueno es que teníamos momentos diferentes en lugares diferentes con cada personaje, así que puedes justificar que están en entornos distintos, y por eso las atmósferas cambian».

EL DISEÑO DE VESTUARIO...
  Conocida por sus icónicas máscaras, la saga de La noche de las bestias ha redefinido el miedo a través de los disfraces intimidantes. «La idea detrás de todos los carnavales es que, durante esa noche en particular, las fronteras del comportamiento moral habitual no desaparecen, pero se relajan», explica el productor Sébastien Lemercier. «En Europa, en Venecia, ha sido así desde hace mucho. Cuando la gente lleva sus máscaras, hacen lo que se supone que no deben hacer y se esconden. Es una manera simbólica de decir “No soy yo realmente”. Lo que descubrimos con esta resonancia es que, durante la Purga, debemos preguntarnos qué significan las máscaras para los espectadores».
  Para esta entrega se unió al equipo la diseñadora de vestuario Leah Butler, que ha trabajado con Blumhouse desde Paranormal Activity 3. Butler ha enfocado gran parte de su carrera en trabajar en el género del thriller y el terror, así como en el fantástico con ¡Shazam!. «Me encanta desarrollar los personajes y crear atuendos nuevos y fascinantes», dice Butler. «En cada proyecto aprendemos muchísimo de telas, materiales, iluminación y confección. Ya sea una serie contemporánea o una película de época, cada una tiene su forma particular de revelar a los personajes, tomando de sus experiencias y de elementos de la historia».
  Butler conectó de inmediato con la visión que Everardo Gout tenía para la película. «El estilo de Everardo es visual y artístico», afirma Butler. «Tiene una estética narrativa maravillosa y un gran sentido de la calidad. Esta película presentaba gran cantidad de trabajo para nuestro departamento, y la creatividad era muy importante para permitir que los espectadores se perdieran en este mundo».
  Para el equipo de Butler, la producción fue un no parar de trabajar. «Trabajé con Everardo para que me guiara», continúa Butler. «Empecé colaborando en ideas con los otros responsables de departamento. Everardo me animaba a investigar de todo, desde auténticos vaqueros a máscaras mexicanas, e ideas para los grupos».
  Aunque nuevas para el equipo de Gout, Butler y la diseñadora de producción Jennifer Spence han sido compañeras creativas durante años. «Leah y yo hemos trabajado juntas varias veces desde Paranormal Activity 3», cuenta Spence. «Mi trabajo con Leah consiste en asegurarme de que sus elecciones de vestuario se complementan con los entornos que yo he creado, y viceversa. Pasamos tiempo mirando estampados, colores y diseños, o diseñando y comprando como un equipo, lo cual es gratificante y divertido».
  «Jenn también fue una parte vital de mi proceso creativo», dice Butler por su parte. «Intentamos vincular a nuestros personajes, porque si nuestros dos departamentos no estuvieran en sintonía, el resultado visual no funcionaría. Jenn es una maestra de la visión y la sensación general del proyecto; fue un pilar para mí».
  Igualmente, la diseñadora de vestuario trabajó estrechamente con el director de fotografía Luis Sansans. «Luis tiene un talento increíble y un gran sentido de la narrativa», afirma Butler. «Hablaba a menudo con él de colores, estampados y el aspecto general del vestuario. Fue un gran compañero con el que discutir ideas, y en el proceso él me ofrecía las suyas».
  Básicamente, Butler tenía el cometido de diseñar el vestuario para cuatro grandes grupos.

  «Autenticidad» fue la referencia estética para los personajes de Adela, Juan y T.T. «Quería que parecieran reales, que tuvieran una historia y que comprendiéramos quiénes son a través de lo visual», dice Butler. «Adela se convierte en una fuerza de la naturaleza y su vestuario para el gran día final necesitaba transmitir fuerza y poderío. Juan necesitaba sentir que su lugar está junto a Adela, aunque tiene un estilo propio, acorde con su trabajo en el rancho. No tienen dinero, pero son ricos en cultura y fortaleza».
  Para Butler era crucial no caer nunca en el estereotipo y asegurarse de que cada personaje estaba bien desarrollado. Por ejemplo, tanto Juan como T.T. son vaqueros, pero tienen apariencias diferentes, y la de Juan está conectada a la de Dylan Tucker. «Hay una sutil decisión de diseño en vincular a Juan y Dylan», reconoce Butler. «Dylan comienza con una camisa de color claro, que hace que la suciedad se note más y no parece adecuada para domar a su caballo. Luego pasa a colores más oscuros, mientras que con Juan es al revés, pasa de colores más oscuros a colores más claros. Queríamos vincular a estos dos personajes y hacer que se unieran.
  «También se ven estampados en los actores mexicanos y colores sólidos en los rancheros ricos», continúa Butler. «Queríamos distinguir así los grupos y jugar con esta distinción visible. Con T.T. subrayé un poco más el estampado de sus camisas para hacerlo un poco diferente a Juan. Ambos visten prendas auténticas que pueden encontrarse en cualquier tienda rural de ropa para vaqueros».
  En cuanto a los chicanos que aparecen en segundo plano en El Paso, Butler trató de seguir la dirección marcada por lo que los residentes de esa ciudad realmente visten. Su equipo apostó por atuendos que transmiten una sensación de supervivencia diaria, así como los que se necesitarían en una pelea.

  Caleb Tucker y su familia tienen dinero. Caleb es un hombre hecho a sí mismo, por lo que era importante para Will Patton interiorizar que su personaje partió de cero y construyó su maravilloso rancho. «Caleb tiene ropa bien hecha y de buena calidad, y además funcional, que le permite hacer el trabajo él mismo», dice Butler. «Josh Lucas venía de hacer la serie Yellowstone, así que conocía las marcas y su talla, y entró en el personaje durante las pruebas de vestuario. El personaje de Cassidy está embarazada durante la película, y eso presenta una serie de retos. También es un personaje femenino fuerte, y era importante presentarla como tal, ya que lleva a un niño en su interior durante todo el trayecto por ese infierno».
  Nuestros vaqueros villanos, liderados por Kirk (WILL BRITTAIN, Kong: La isla calavera) representan una poderosa fuerza, todos vestidos con colores oscuros y listos para derrocar a Caleb y su familia. «De nuevo, ilustramos las luchas de poder a través de lo visual», dice Butler. «El vestuario de Dylan es más caro que el de Kirk. Usamos marcas como RRL y Filson para enfatizar esa diferencia de clase».

  Los diferentes grupos paramilitares de la película tienen todos elementos identificativos que los distinguen. «Muchos de estos atuendos tienen elementos caseros o pintados y toman prestadas cosas del ámbito militar», explica Butler. «Era importante distinguir entre los diferentes grupos de la Purga, y a Everardo y Sébastien les gustó la idea de la lucha de clases. Por ejemplo, propuse la idea de que uno de los grupos fuera de clase obrera».
  Podían ser peones de obra, carteros o conserjes, así que el equipo creó máscaras que jugaban con estos arquetipos. «Se ven cascos, cinta reflectante, pantalones de carpintero, chaquetas de trabajo», dice Butler. «Teníamos a otros grupos paramilitares de cazadores, un grupo con ropa de camuflaje, boinas y elementos animales». Butler afirma que ella y su equipo disfrutaron creando máscaras que aglutinaban a los diferentes grupos. «Sí, tenemos conejos asesinos que visten delantales de carnicero metálicos antiguos, y chaquetas de plástico. Una visión así de estremecedora seguro que da pie a unos cuantos aterradores disfraces de Halloween».

  Butler se tomó muy en serio que Chiago y su gente, nativos americanos y aliados clave para poner a salvo a los protagonistas, estuvieran basados en ejemplos auténticos. «Son luchadores y deben vestir ropa funcional que dé acceso a armas como pistolas o cuchillos», dice Butler. «Son algunos de los héroes de esta historia, ya que ayudan a la gente a cruzar la frontera y llegar a un lugar seguro».

COMPONIENDO LO INESPERADO...
  Los compositores del film, The Newton Brothers —ANDY GRUSH y TAYLOR NEWTON STEWART— creen desde hace tiempo que es crucial plantearse ir más allá de los límites antes de empezar una nueva película. Ya sea el universo sonoro de Doctor Sueño o los inquietantes sonidos de La maldición de Hill House, de Netflix, estos dos compositores se sienten atraídos por lo inesperado.
   «Soy muy exigente con la música», reconoce Everardo Gout. «En el proceso de hacer una película, llega un punto en el que todo se vuelve muy técnico y lo artístico queda a un lado. Entonces llegan los músicos. Con The Newton Brothers y la música, entraron el drama y la locura. Es como trabajar con actores, con toda esa pasión, ese sentimiento y lo que sea que estén expresando a través de sus almas».
  El director sintió que trabajar con ellos fue refrescante porque pudo hablar de cosas como la Luna y los sentimientos de cada escena. «Es una combinación de locura», dice Gout. «Estos tíos tienen mucha experiencia haciendo música y ha sido muy gratificante construirla de esta forma».
  Según The Newton Brothers se sumergieron en el trabajo, comenzaron a debatir qué podía significar una agresión. «La franquicia de La noche de las bestias cuenta historias de violencia y de actuar a partir de emociones reprimidas y frustraciones», dice el dúo. «La violencia tiende a mostrar sentimientos y emociones que suelen estar bullendo bajo la superficie, y por ahí fue por donde empezamos musicalmente».
  Se preguntaron cómo conseguir que pareciera que la banda sonora está bullendo bajo la superficie. «Es como cuando el monte Santa Elena entró en erupción en 1980», continúan. «La gente no vio ningún indicio, pero los datos ya daban la señal de alarma con los temblores y el aumento de la presión. Esta película transmite esa sensación; aún más, nuestro mundo transmite esa sensación. Así que pasamos mucho tiempo trabajando con filtros —en combinación con la banda sonora— añadidos a instrumentos y sonidos grabados específicamente para crear esa tensión».
  Una vez que encontraron el sonido, los compositores acudieron a Gout. «Everardo aborda la banda sonora desde una óptica creativa, cosa que puede sonar obvia, pero que no lo es», cuentan los músicos. «A menudo se ve la banda sonora como un recurso dentro de la narración (y lo es), pero el enfoque de Everardo es el de un debate sobre el film. Eso nos involucró en hacer lo que nos gusta, explorar cómo la producción de la banda sonora juega un papel en las notas de la melodía, el ritmo y la textura. Everardo también estimuló el debate acerca de la banda sonora, qué significa y cómo se usa».
  Gout sugirió la idea del ambiente, específicamente que la frontera EE.UU.-México fuera un personaje en sí misma. «En la vida hay una inestabilidad constante, y durante nuestras charlas dimos con la idea de una bramadera cuyo origen se remonta a hace más de 10 000 años», dicen The Newton Brothers. «Imagina una cuerda con una lámina al final. La haces girar y crea un maravilloso sonido de viento, ritmo y tono. La conversación con Everardo acerca de qué debería ser la banda sonora nos permitió experimentar con la bramadera, y resultó ser efectiva. Queríamos grabarla simultáneamente a otros instrumentos, así todos podían alimentarse unos de otros en base a la parte de la banda sonora que siguiera a una escena. Con suerte, habíamos hecho la mayor parte antes de que la COVID-19 llegara».
  LA PURGA INFINITA es también una historia de amor. «El viaje de Adela y Juan fue uno de los primeros temas que afrontamos desde el principio porque su historia ilumina el relato», explican los compositores. «Queríamos que su tema fuera sencillo y agridulce. Aunque viven sus vidas de la mejor forma posible, es una tragedia vivir en un mundo que está en su contra».
  Para estos dos artistas, era un sentimiento similar a un abrumador huracán. «Un huracán no tiene personalidad ni la intención de destruir y crear dolor, es solo una fuerza de la naturaleza», dicen. «LA PURGA INFINITA va a un lugar donde hemos creado nuestro propio huracán de violencia y destrucción, y Juan y Adela son víctimas de ello. Uno de los instrumentos que usamos para ellos es el piano porque es atemporal. Pero también es una frase sencilla para empezar su tema principal, y hemos vinculado su tema a uno de esperanza por la libertad al final de la película. Además de un montón de sintetizadores agresivos e instrumentos en solitario, hemos usado coros, piano, trompetas procesadas y guitarras, percusión con sonidos de objetos, y texturas de viento metal y viento madera».
  Los compositores querían que su contenido temático se sintiera como otra pieza del entramado de la película. «Everardo y el resto del equipo han creado una hermosa película con paisajes crudos, arrebatos de violencia y tensiones, todo ello hilado entre sí», explican. «Queríamos que los temas estuvieran entretejidos con todo eso, y que bulleran bajo la superficie. Es un enfoque híbrido que combina sintetizadores y sonidos procesados con una orquesta. Es un equilibrio de estos elementos para invocar la cantidad adecuada de miedo, amenaza y amor».
  Para ello, no querían que los temas sobresalieran agresivamente, sino que —usando motivos y texturas sencillos— formaran parte de la estética del film. «Cada película tiene sus temas y sonidos; solo hay que descubrir cuáles son», dicen los dos músicos. «El debate abierto de Everardo acerca de este descubrimiento nos dio mucho espacio creativo para experimentar y ejecutar».
   Reflexionando acerca de cómo sorprenden musicalmente, aun reconociendo que han funcionado bien durante mucho tiempo en el género, los compositores declaran que dar sustos es como ejecutar una danza. «No puedes simplemente meter un golpe o un sonido y confiar en que eso vaya a asustar o alterar», dicen The Newton Brothers. «No puedes crear ruido o un caos de sonidos col legno. Tienes que escuchar lo que la escena hace y tratar de descifrar cómo te incomodaría. Hemos encontrado que lo más efectivo es lo inesperado. Hasta el material rítmico puede volverse reconfortante rápidamente».
  Como referencia, Andy Grush comparte la historia de un compañero de dormitorio en la universidad que solía dormirse escuchando un disco de Pantera, Vulgar Display of Power. «Decía que la naturaleza rítmica de la música a bajo volumen era reconfortante», cuenta Grush. «No es tan ridículo como pueda parecer, se convirtió en algo característico de nuestro dormitorio. Taylor y yo nos quedamos con esa lección, y constantemente intentamos resultar inesperados. Por ejemplo, en la “escena de la cabra” se trataba de añadir algo sutil a lo que Everardo había creado. Es una de mis favoritas porque evoca mucho pánico, miedo e ira».
  Respecto a una escena con instrumentación inesperada, los compositores mencionan que la escapada de Adela y Darius del furgón policial fue una gran escena que resultó muy divertida. «También trabajamos mucho en la idea de que la rosa fuera un símbolo en el que buscar esperanza», dicen The Newton Brothers. «No nos gusta subrayar en exceso con la banda sonora, así que fue un reto no subrayar la rosa. Solo tratamos de entretejernos en este tapiz».
  A Gout le encantó el proceso de trabajar con The Newton Brothers, y le gusta especialmente la canción que crearon para los créditos iniciales del film. «Es la culminación de un viaje muy emocionante, y comprendieron a la perfección el estado de ánimo que yo buscaba crear», dice Gout. «Está en inglés y español, cosa que dice mucho de la película. Lo hicimos juntos, y juntos hicimos una música hermosa».

LOS PERSONAJES...
  A la hora de hacer el casting para LA PURGA INFINITA, era importante para los cineastas explorar lo que ocurre cuando los individuos dejan a un lado el hecho de que forman parte de un colectivo, una comunidad o un país. Independientemente de si encarnaban a los héroes o los partidarios de la Purga, resultaba clave que los actores que interpretaban los papeles abrazaran la humanidad de sus personajes. «No se trata de señalar con el dedo en plan: “Este es el malo”», nos cuenta el productor Sébastien. «La clave es entender las emociones. Para nosotros es interesante explorar por qué alguien vive aislado en su cabeza y sus hábitos. Si uno se limita a decir: “Él es el malo y yo soy el bueno”, eso te aísla. Sin embargo, si exploras todo lo que esos personajes tienen en común, puedes vislumbrar su imperfecto lado humano».
  Esto era de importancia vital sobre todo en las discusiones en pantalla sobre identidad nacional, inmigración y la crudeza de las relaciones raciales.
  «Hay una escena en la que los personajes hablan sobre lo que significa estar en Estados Unidos», comenta Lemercier. «Como inmigrante, me siento identificado. Me sentí conmovido por la escena, y la conversación en sí me pareció muy real. Pensé: “Qué curioso. Una película de esta saga en la que los personajes hablan del significado de ser inmigrante”».
  El director Everardo Gout tuvo intensas discusiones con sus intérpretes sobre cómo dar vida a la yuxtaposición a la que se enfrentaban. «Vemos dos inmigrantes con dos visiones ligeramente distintas: o se han visto obligados a ir a Estados Unidos o realmente quieren ir allí», dice Gout. «Observamos como lidian con ese choque de culturas y la integración. Por eso Adela enseguida se suelta con el inglés y a Juan le cuesta más. Él no quiere realmente aprender el idioma; quiere hablar español y ha encontrado el modo de hacerlo en su comunidad siempre que es posible. Cuando yo estoy en Los Ángeles, hay días que se me pasan enteros sin hablar ni una palabra en inglés, porque mi gente esta allí y puedo hablar español con ellos».
  Ese compromiso con la autenticidad y con depurar bien los detalles comenzó con el propio casting. «Para mí era importante que nuestros protagonistas fueran 100 % mexicanos y no tuvieran que fingir su acento», dice Gout.

Adela - Ana de la Reguera:
  Esta superviviente que elige pensar que Estados Unidos lo es todo se ve obligada a abandonar la granja en la que vivía en México y que compartía con su marido Juan, y a aventurarse a una vida a la fuga. Al poco de asentarse en el Valle Los Feliz y comenzar a aclimatarse a sus nuevas vidas, tiene lugar la Purga anual. Pero cuando la noche acaba y la pareja se da cuenta de que ellos y su gente se van amenazados, no dudan en actuar.
  La actriz mexicana Ana de la Reguera fue quien pasó a formar parte del reparto para dar vida a Adela. Se trata de una intérprete ya conocida por su impresionante trabajo en la serie Narcos, de Netflix, y en Goliath, de Amazon. La elogiada actriz cree que Adela anhela profundamente formar parte del Sueño Americano. «Adela ha llegado de México hace poco en busca de una vida mejor», nos cuenta de la Reguera. «Ha venido huyendo del cártel con su marido, y se está preparando. Quiere seguridad y crecer como persona en su trabajo. Quiere estabilidad; estar tranquila, tener un hogar y encontrar la felicidad. Adela solo anhela una vida sencilla, pero cómoda y segura».
  Obligada a escapar de su país por el trabajo de Adela combatiendo a los cárteles, la pareja acaba cruzando la frontera y refugiándose en los Estados Unidos. «Adela formaba parte del cuerpo de Autodefensas en México, que es básicamente gente de a pie entrenada para ejercer de su propia policía», explica de la Reguera. «Anima a participar a Juan y, como ambos luchan contra el cartel y ganan ciertas batallas, los traficantes los han puesto en su punto de mira».
  De la Reguera entrenó para asegurarse de poder representar las llamativas y específicas habilidades de Adela. «Ana quería tomarse muy en serio el tema de las armas», dice Lemercier. «Su garra entrenando resultaba muy inspiradora».

Juan - Tenoch Huerta:
  Más sentimental y nostálgico que Adela, su práctica esposa, Juan trabaja en el rancho familiar de los Tucker como experto en caballos. Junto a Adela, está huyendo de un cartel de narcotraficantes y se ha visto obligado a abandonar su hogar. El encargado de dar vida a Juan es el celebrado actor mexicano Tenoch Huerta, que trabajó por primera vez con Ana de la Reguera en 2006 en On the Edge y con el director Everardo Gout en Días de gracia.
  Mientras Adela es una persona más práctica y busca consuelo en la aparente seguridad del Sueño Americano, Juan no cree en este tipo de mitos. Preferiría estar en México hablando su idioma y cerca de su familia. «Juan y su mujer llevan seis meses en Estados Unidos», dice Huerta. «A ella le motivan mucho el idioma y la cultura americana, pero a él no le está resultando fácil».
  En el sur, Juan y Adela tenían un rancho propio, aunque modesto. Cuando se mudan a Estados Unidos, se encuentran una vida totalmente diferente de la que conocían. «Tenían una posición económica mejor en México», explica Huerta. «Han tenido que dejar todo lo que conocen y aman para empezar de cero en un país nuevo. Y de pronto, la primera Purga tiene lugar y la gente se vuelve loca».
  Gout se mostró muy agradecido por el compromiso y el talento que Huerta y de la Reguera aportaron a sus respectivos papeles. «Ana y Tenoch son increíbles y confieren mucha autenticidad y veracidad a sus personajes», asegura Gout. «Realmente encarnan el espíritu de la película y hacen que todo parezca real. No sobreactúan, sino que trabajan los dos en un tono muy veraz. Son dos de los mejores actores que tenemos en México actualmente».

Dylan Tucker - Josh Lucas:
  Heredero del rancho de su padre, Dylan tiene más en común con Juan de lo que ninguno de los dos estaría dispuesto a admitir. Ambos enormemente protectores con sus familias y sus tradicionales costumbres, Dylan y Juan se enfrentan frecuentemente. Mientras que Juan se ha visto obligado a adoptar una nueva forma de vida en otro país, Dylan quiere mantener el statu quo en el que ha nacido. A lo largo de la película, tendrá que lidiar con algunos de sus prejuicios más arraigados... y confiar en Juan para poder sobrevivir.
  Interpretado por Josh Lucas, conocido por su papel en Le Mans ‘66, Dylan respeta a Juan, pero le exige hablar en inglés en el rancho de los Tucker. «Josh es un actor fabuloso», asegura Everardo Gout. «Tiene un carácter más frío, así que cuesta un poco más conectar con él. Es así intencionadamente, al ser el personaje con la mayor curva de aprendizaje. Y, por si fuera poco, su arco se cruza con el de Juan. Son opuestos que acaban en el mismo lado de la valla».
  Cuando Juan y Dylan se ven atrapados en la locura de la Purga Infinita, comienzan a entenderse mutuamente. «No hace falta que sean amigos», aclara Sébastien Lemercier. «Basta con que cada cual sepa reconocerse en el otro y respetar que ambos deben trabajar juntos para poder sobrevivir. Como todo ser humano del mundo, tenemos derecho a aspirar a una vida mejor».
  Lucas ha sabido convertir a Dylan en un personaje con muchos más matices y que conecta más con los espectadores, incluso aunque estos no compartan sus opiniones. «Lo que me gusta del trabajo de Josh con este personaje es que hace brillar la humanidad de Dylan», explica Jason Blum. «Bajo la dirección de Everardo, Josh nos muestra a un hijo y a un futuro padre en guerra consigo mismo. Anhela la aceptación de su padre como su legítimo heredero y, al mismo tiempo, le inquieta que el futuro no se parezca a lo que ya conoce. Dylan tiene miedo de todo lo que signifique un cambio, y Juan es la encarnación de eso. Josh despliega una actuación fascinante representando a un hombre encallados entre dos mundos y es apasionante ver su desarrollo».

Cassie Tucker - Cassidy Freeman:
  Embarazada de su esposo Dylan, Cassie es mucho más abierta con los recién llegados a la familia de los Tucker e intenta aprovechar para aprender de otras culturas. Cuando su vida da un vuelco con la llegada de los partidarios de la Purga Infinita y se da cuenta de que están luchando por su supervivencia, es la primera en confiar en el apoyo de Juan y Adela. No tiene ni un ápice de orgullo mal entendido que le impida pedir ayuda, y está dispuesta a luchar a muerte para proteger la vida de su hijo nonato.
  Interpretada por la actriz Cassidy Freeman (de la serie de HBO Los Gemstones y la de Netflix Longmire), Cassie representa todo lo bueno de aquellos que luchan por sobrevivir a la avalancha de odio de la Purga. «Cassidy coge lo que podría convertirse fácilmente en un personaje anodino y le da la vuelta», asegura Brad Fuller. «James DeMonaco no creó este papel para ser la “pobre esposa sufridora”, sino más bien una mujer que le exige a su marido despertar a la realidad del año 2021. Al cuidado de Cassidy, Cassie se convierte en un personaje con las ideas claras, totalmente desarrollado, que puede, en un instante, pasar de ser una persona compasiva a defender a su familia con uñas y dientes».

Harper Tucker - Leven Rambin:
   Esta vaquera texana de personalidad arrolladora trabaja con los Tucker en su rancho de ganado. Cuando los radicales de la Purga Infinita atacan la granja y hacen prisionera a su familia el día después de la Purga anual, Harper se niega a someterse a sus captores. Prefiere morir a arrodillarse.
   Interpretada por Leven Rambin, que saltó a la fama con la serie de TV All My Children y que posteriormente ha tenido papeles en Los juegos del hambre y la serie de Hulu The Path, Harper tiene mucho carácter y una mente mucho más abierta que otros miembros de su familia, especialmente que su hermano Dylan. «No se anda con tonterías», dice Rambin. «Como soy de Texas, me resulta muy fácil identificarme con el personaje y con las relaciones entre ambas familias».
  Cuando una banda de radicales partidarios de la Purga Infinita ataca el rancho de los Tucker, furiosos con las discrepancias económicas existentes entre ellos, los trabajadores del rancho liderados por Juan son quienes les salvan la vida a los Tucker. «Rescatan a nuestros personajes, que están atados, amordazados y retenidos a punta de pistola, y escapamos con ellos», nos cuenta Rambin.
  Esta actriz sureña valora especialmente la destreza física de su personaje, Harper. «Harper es clave para ayudar al grupo a salir de situaciones peliagudas», nos desvela. «Es humilde porque es la más joven, es mujer y tiene que cuidar de sí misma. No está casada ni tiene hijos. Harper es muy independiente, pero acaba salvando la situación en numerosas ocasiones».
  Harper viene a unirse a un legado de mujeres formidables e indómitas creadas por James DeMonaco para las películas de La noche de las bestias. «Desde Lena Headey en la primera película, James ha ido poblando este universo con mujeres duras de pelar que se niegan a verse relegadas al papel de víctimas», comenta Andrew Form. «La Harper de Leven se une a Nya, interpretada por Lex Scott; Charlie, a la que daba vida Elizabeth Mitchell; y Eva, caracterizada por Carmen Ejogo en un elenco de mujeres extraordinarias que marcan el transcurso de los acontecimientos. Es extraordinario ver el trabajo de Leven y, por si fuera poco, ella se ha divertido lo suyo repartiendo cera».

Caleb Tucker - Will Patton:
   A Caleb, patriarca de los Tucker, le frustra que su hijo Dylan no sea más parecido a Juan. Caleb sabe que el deseo de Dylan de aferrarse al pasado no será buena estrategia para el rancho familiar en lo referido a afrontar lo que está por venir. Lidiando con la reticencia de su hijo mayor a cambiar, Caleb recibe con los brazos abiertos a la nueva mano de obra del rancho y el talento natural de Juan con los animales..., especialmente su habilidad para domesticar caballos salvajes.
   Interpretado por el veterano actor Will Patton, que coprotagonizó junto a Jamie Lee Curtis la película de 2018 La noche de Halloween, Caleb comprende que Estados Unidos se ha forjado con el trabajo de los pobres y está dispuesto a hacer lo corrector con aquellos a los que emplea,  independientemente de las consecuencias.
   A Jason Blum le parecieron fascinantes tanto el personaje como el actor que lo interpretaba. «Will aporta dignidad de un modo natural a cualquier papel», asegura Blum. «Todos valoramos positivamente que Caleb fuera concebido como un hombre atrapado entre un pasado en el que su gente se beneficiaba de las transgresiones contra la mano de obra inmigrante, y el presente, en el que debe ejercer su propio papel en ese conflicto y valora profundamente lo que Juan aporta a su familia y a la comunidad de su rancho. Will supo transmitir ese enfoque con tanta destreza que es un placer ver su actuación en pantalla».

T.T. - Alejandro Edda:
  El mejor amigo de Juan en Estados Unidos y compañero de trabajo del rancho es T.T., interpretado por Alejandro Edda, un actor conocido por su papel de Joaquín ‘El Chapo’ Guzmán en la serie de Netflix Narcos: México. Gout, paisano de Huerta y de la Reguera, se sintió atraído por el papel de T.T. porque le ofrecía la oportunidad de mostrar un personaje con una compasión tan profunda como sus convicciones. «Juan tiene una relación muy sólida con T.T.», asegura Tenoch Huerta. «El personaje de Alejandro y el mío acaban siendo como hermanos en poco tiempo».

Darius Bryant - Sammi Rotibi:
   El jefe de la planta de envasado de carne donde trabaja Adela es Darius Bryant, interpretado por Sammi Rotibi, conocido por su destacado papel en la serie Marte, de National Geographic. Hace años, Rotibi se presentó al casting de Anarchy: La noche de las bestias y tuvo el presentimiento de que algún día formaría parte de este universo. «Sabía que me llegaría el día, y ha llegado en el momento perfecto, ¡para un proyecto a lo grande!», nos cuenta Rotibi.
   Sin dejar de aspirar al Sueño Americano, Adela ha forjado un fuerte vínculo con Darius en el trabajo. «Adela es la mano derecha de Darius y este la necesita para comunicarse con las mujeres que trabajan en la planta», dice Rotibi. «Ella cuida de las demás y sabe que Darius también se ocupa de la gente que trabaja para él. Se entienden muy bien entre sí y, además, Adela es la única persona con la que Darius puede bromear».
  Rotibi ya había trabajado con Everardo Gout y el director de fotografía Luis Sansans en Marte, y tenía ganas de volver a unirse a ellos en otro proyecto. «Everardo, Luis y yo hemos vivido de todo juntos en Budapest y Marruecos», dice Rotibi. «No podría pedir nadie mejor para aventurarme a un proyecto como este».

Chiago - Zahn McClarnon:
Chiago, interpretado por Zahn McClarnon de la serie de HBO Westworld y la de AMC The Son, es el líder de un pueblo nativo americano, inspirado en los Tohono O’odham, que tiene la inusual particularidad de abarcar el mundo de México y de Estados Unidos. Tanto su gente como él serán claves para ayudar a Adela, Juan y los Tucker en su intento por cruzar la frontera del país y adentrarse en México. «He investigado mucho sobre los Tohono, y son un pueblo sorprendente», dice Everardo Gout. «Son tan mexicanos como americanos, y tienen doble nacionalidad. Pueden moverse libremente entre ambos países porque están reconocidos por las dos naciones. Queríamos aportar un poco de eso al universo de la película. Pasa lo mismo que con los latinos y los texanos. Queríamos representar esa verdad y ponerla sobre la mesa».

GALERÍA DE FOTOS